Arte moderna principais artistas

Arte Moderna

1. APOSTILA DE ARTES – 9ºS ANOS
PROFESSORA: MEIRE DE FALCO
2º BIMESTRE
NOME:____________________________________ SÉRIE: _____________

Arte Moderna no Brasil – Principais Artistas

Materiais para as atividades práticas:
 Lápis de cor;
 Revistas e jornais;
 Lixa de parede ou papel camurça;
 Giz de cera;
 Tinta guache e cola branca;
 Régua e lápis 6B;
 Caderno de desenho;
 Papel colorido e tesoura;

Tarsila do Amaral
Tarsila do Amaral (Capivari, 1 de setembro de 1886 - São Paulo, 17 de janeiro de 1973) foi uma
pintora brasileira.
É a pintora mais representativa da primeira fase do movimento modernista brasileiro. Seu quadro
Abaporu, de 1928, inaugura o movimento antropofágico nas artes plásticas.
Começou a aprender pintura em 1917, com Pedro Alexandrino. Mais tarde, estuda com George Fischer
Elphons. Em 1920, viaja a Paris e freqüenta a Académie Julien, onde é orientada por Émile Renard. Na
França, conhece Fernand Léger e participa do Salão Oficial dos Artistas Franceses de 1922,
desenvolvendo técnicas influenciadas pelo cubismo. De volta ao Brasil, em 1922, une-se a Anita
Malfatti, Menotti del Picchia, Mário de Andrade e Oswald de Andrade, formando o chamado Grupo
dos Cinco, que defende as idéias da Semana de Arte Moderna e toma a frente do movimento
modernista no país.
Casa-se com Oswald de Andrade em 1926 e, no mesmo ano, realiza sua primeira exposição individual,
na Galeria Percier, em Paris. A partir de então, suas obras adquirem fortes características primitivistas
e nativistas e passam a ser associadas aos Movimentos Pau-Brasil e Antropofágico, idealizados pelo
marido. Em 1933, passa a desenvolver uma pintura mais ligada a temas sociais, da qual são exemplos
as telas Operários e Segunda Classe. Expõe nas 1ª e 2ª Bienais de São Paulo e ganha uma
retrospectiva no Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM) em 1960. É tema de sala especial na
Bienal de São Paulo de 1963 e, no ano seguinte, apresenta-se na 32ª Bienal de Veneza.
Apesar de integrar-se ao Modernismo que surge no Brasil não participou da "Semana de 22".
Site: http://www.tarsiladoamaral.com.br/

2. Obras:

1- Operários: foi pintada somente em 1933 (pertence hoje ao acervo do governo estadual), mas
exibe a força do estilo de Tarsila ao retratar a diversidade cultural da população paulistana e, ao
fundo, chaminés e fábricas em formas geométricas.
2- Manacá - Linda tela, com um colorido forte. Esta flor é representada por Tarsila de uma
maneira particular, bem típica da obra dela.
3- Antropofagia - Nesta tela temos a junção do "Abaporu" com "A Negra". Este aparece
invertido em relação ao quadro original. Trata-se de uma das telas mais significativas de Tarsila e
o colecionador Eduardo Costantini, dono do "Abaporu", está muito interessado no quadro e já
ofereceu uma soma muito alta por ele (que foi recusada pelos atuais donos).

ATIVIDADES:
1) Faça uma leitura sobre a biografia de Tarsila e escreva no caderno de desenho um
breve histórico:
2) Observe a 1ª obra “Operários”. Com revistas, pesquise rostos de diversas etnias e
monte uma releitura no caderno de desenho (o fundo pode ser desenhado):
3) Observe as texturas e preencha toda a obra “Antropofagia” com canetas coloridas,
canetinhas ou caneta esferográfica preta :

4. Anita Malfati
Filha de mãe norte-americana, porém de origem alemã, e pai italiano, foi a primeira artista brasileira a
aderir ao modernismo, tendo sido uma das expositoras da mostra, realizada no Teatro Municipal de São
Paulo, que fazia parte da Semana de Arte Moderna de 1922.
Malfatti foi à Alemanha em 1910. Lá, em plena explosão do expressionismo, pela primeira vez, teve
contato com o movimento modernista.
Em 1914, após três anos de estudos em Berlim, já com vinte e quatro anos, retorna a São Paulo e logo
organiza sua primeira exposição individual, aberta no dia 23 de maio do mesmo ano. Não fez nenhum
sucesso.
Desejando prosseguir nos seus estudos e sendo-lhe impossível retornar à Europa envolta em guerra, Anita
optou pelos Estados Unidos para onde viajou no início de 1915. Chegou logo após o Armory Show — uma
exposição modernista que foi escandalosa e extremamente influente que mudou a arte nos Estados Unidos.
Estudou na Independent School of Art em Nova Iorque (onde teve como professor o pintor e filósofo
Homer Boss) até 1916, quando voltou ao Brasil.
Em 1917 mostrou seus trabalhos em uma segunda exposição própria. A exposição foi revolucionária por
várias razões. O cenário da arte estava limitado em São Paulo, e uma exposição própria de uma artista tão
jovem era algo inédito. Para uma artista, isto foi revolucionário, e o local da exposição era precário. No
entanto, as pinturas eram surpreendentemente modernas para uma cidade que nunca havia tido contato com
esta arte, e causou uma enorme desaprovação, não só pelas inovações da pintura, mas por serem retratos de
imigrantes e outras figuras marginalizadas. Para outros jovens artistas, foi uma experiência transformadora.
Em particular, Malfatti criou uma amizade com Mário de Andrade, que iria durar por décadas e seria
profissionalmente crucial para eles.
Com Andrade, Malfatti participou da Semana da Arte Moderna, em 1922. Ela era membro do Grupo dos
Cinco, formado também por Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Menotti del Picchia e a pintora
Tarsila do Amaral. Ela se beneficiou da coesão do grupo (durou até 1929 quando seus membros já haviam
se estabilizado). Depois de 1922, seu lugar na história da arte brasileira foi, embora controverso, mais
claramente entendido. Na década de 1960 era considerada uma das maiores figuras da arte brasileira e uma
das mulheres mais influentes na América do Sul.
http://www.pinturabrasileira.com/artistas.asp?cod=95

5. 1- O Torso. Carvão e pastel s/ papel, 61 x 46,6 cm. 1915/ 1916
2- O Farol. 1915. óleo s/ tela (46,5x61).

ATIVIDADES:
1) Faça uma leitura sobre a biografia de Anita Malfatti e escreva no caderno de desenho um breve
histórico:
2) Escolha umas das duas obras acima e faça uma leitura com giz de cera no papel “lixa” ou camurça;

Di Cavalcanti
Emiliano Di Cavalcanti nasceu em 1897, no Rio de Janeiro, na casa de José do Patrocínio, que era casado
com uma tia do futuro pintor. Quando seu pai morre em 1914, Di obriga-se a trabalhar e faz ilustrações
para a Revista Fon-Fon. Antes que os trepidantes anos 20 se inaugurem vamos encontrá-lo estudando na
Faculdade de Direito. Em 1917 transferindo-se para São Paulo ingressa na Faculdade de Direito do Largo
de São Francisco. Segue fazendo ilustrações e começa a pintar. O jovem Di Cavalcanti freqüenta o atelier
do impressionista George Elpons e torna-se amigo de Mário e Oswald de Andrade. Em 1921 casa-se
com Maria, filha de um primo-irmão de seu pai. Entre 11 e 18 de fevereiro de 1922 idealiza e organiza
a Semana de Arte Moderna, no Teatro Municipal de São Paulo, cria para essa ocasião as peças
promocionais do evento: catálogo e programa. Faz sua primeira viagem à Europa em 1923, permanecendo
em Paris até 1925. Freqüenta a Academia Ranson. Expõe em diversas cidades: Londres, Berlim, Bruxelas,
Amsterdan e Paris. Conhece Picasso, Léger, Matisse, Eric Satie, Jean Cocteau e outros intelectuais
franceses. Retorna ao Brasil em 1926 e ingressa no Partido Comunista. Segue fazendo ilustrações. Faz
nova viagem a Paris e cria os painéis de decoração do Teatro João Caetano no Rio de Janeiro.
Site: http://www.dicavalcanti.com.br/

1- Sem título (Figura feminina deitada), sd. naquim s/ papel, 28,1 x 38,4 cm
2- Mulata de vestido verde
ATIVIDADES:
1) Faça uma leitura sobre a biografia de Edi Cavalcanti e escreva no caderno de desenho um breve
histórico:
2) Observe a obra “ Figura feminina deitada” e faça uma leitura com lápis 6B no caderno de desenho:

6. Aldemir Martins
O artista plástico Aldemir Martins nasceu em Ingazeiras, no Vale do Cariri, Ceará em 8 de novembro de
1922. A sua vasta obra, importantíssima para o panorama das artes plásticas no Brasil, pela qualidade
técnica e por interpretar o ―ser‖ brasileiro, carrega a marca da paisagem e do homem do nordeste.

O talento do artista se mostrou desde os tempos de colégio, em que foi escolhido como orientador
artístico da classe. Aldemir Martins serviu ao exército de 1941 a 1945, sempre desenvolvendo sua obra nas
horas livres. Chegou até mesmo à curiosa patente de Cabo Pintor. Nesse tempo, freqüentou e estimulou o
meio artístico no Ceará, chegando a participar da criação do Grupo ARTYS e da SCAP – Sociedade
Cearense de Artistas Plásticos, junto com outros pintores, como Mário Barata, Antonio Bandeira e João
Siqueira.
Em 1945, mudou-se para o Rio de Janeiro e, em 1946, para São Paulo. De espírito inquieto, o gosto pela
experiência de viajar e conhecer outras paragens é marca do pintor, apaixonado que é pelo interior do
Brasil. Em 1960/61, Aldemir Martins morou em Roma, para logo retornar ao Brasil definitivamente.
O artista participou de diversas exposições, no país e no exterior, revelando produção artística intensa e
fecunda. Sua técnica passeia por várias formas de expressão, compreendendo a pintura, gravura, desenho,
cerâmica e escultura em diferentes suportes. Aldemir Martins não recusa a inovação e não limita sua obra,
surpreendendo pela constante experimentação: o artista trabalhou com os mais diferentes tipos de
superfície, de pequenas madeiras para caixas de charuto, papéis de carta, cartões, telas de linho, de juta e
tecidos variados - algumas vezes sem preparação da base de tela - até fôrmas de pizza, sem contudo perder
o forte registro que faz reconhecer a sua obra ao primeiro contato do olhar.
Seus traços fortes e tons vibrantes imprimem vitalidade e força tais à sua produção que a fazem
inconfundível e, mais do que isso, significativa para um povo que se percebe em suas pinturas e desenhos,
sempre de forma a reelaborar suas representações. Aldemir Martins pode ser definido como um artista
brasileiro por excelência. A natureza e a gente do Brasil são seus temas mais presentes, pintados e
compreendidos através da intuição e da memória afetiva. Nos desenhos de cangaceiros, nos seus peixes,
galos, cavalos, nas paisagens, frutas e até na sua série de gatos, transparece uma brasilidade sem culpa que
extrapola o eixo temático e alcança as cores, as luzes, os traços e telas de uma cultura.
Por isso mesmo, Aldemir é sem dúvida um dos artistas mais conhecidos e mais próximos do seu povo,
transitando entre o meio artístico e o leigo e quebrando barreiras que não podem mesmo limitar um artista
que é a própria expressão de uma coletividade.
Falece em 05 de Fevereiro de 2006, aos 83 anos, no Hospital São Luís em São Paulo.
http://www.pinturabrasileira.com/artistas_bio.asp?cod=3&in=1
http://www.itaucultural.org.br/aldemirmartins/

7. 1) Série: Três gato
2) Série: O Galo
ATIVIDADES:
1) Faça uma leitura sobre a biografia de Aldemir Martins e escreva
no caderno de desenho um breve histórico:
2) Faça uma leitura da obra “Três gatos”, com tinta guache, no
caderno de desenho;
3) Observe a obra 2, O galo com texturas. Vá até o quadro
texturas, postado logo acima e faça uma releitura no caderno de
desenho, com caneta preta e lápis de cor;

8. Alfredo Volpi

Alfredo Volpi nasceu em Lucca, Itália, a 14 de abril de 1896. Em 1897, a família Volpi emigra para São Paulo e
se estabelece na região do Ipiranga, com um pequeno comércio. Destino comum aos filhos de imigrantes italianos,
Volpi inicia-se em trabalhos artesanais e, em 1911, torna-se pintor decorador. Talvez daí decorra o gosto pelo
trabalho contínuo e gradual da sua linguagem estética, próprio da valorização de um ―saber fazer‖.
Até os anos 30, Volpi elabora sua técnica e, principalmente, a partir da década de 1930, emerge um trabalho
mais consciente, utilizando-se das cores para a construção de um equilíbrio muito próprio. Por esses tempos, Volpi
aproxima-se de artistas como Fúlvio Pennachi e Francisco Rebolo Gonsales, integrando o Grupo Santa Helena. A
denominação do grupo, e a inserção de Volpi nele, é oriunda mais de uma proximidade física dos pintores (que
pintavam em uma sala do Edifício Santa Helena) e da sua origem comum do que de uma identificação estética. Volpi
destoava do grupo especialmente por não ser um pintor conservador.
Em 1938, Volpi conhece o pintor italiano Ernesto de Fiori. O encontro seria muito frutífero para ambos, e se
deu numa época muito oportuna para Volpi, que enveredava para um caminho de maior liberdade estética.
Um acontecimento fundamental para a evolução de Volpi foi a sua ―estada‖ em Itanhaém, entre 1939 e 1941. Sua
esposa teve problemas de saúde e mudou-se para o litoral, a fim de se tratar. O artista a acompanhou, retornando a
São Paulo apenas nos finais de semana, em que procurava vender suas obras. A gravidade da doença de Judite Volpi
envolveu o artista em questionamentos que o fizeram rever sua obra e suas concepções, liberando um potencial
criativo latente, ao qual Volpi finalmente conseguiria dar vazão. A tensão própria de situações-limite possibilitou
para Volpi uma liberdade gestual que imprimiria uma nova dinâmica à sua obra. A série de marinhas que Volpi pinta
a partir dessa época evidenciam uma obra muito própria que se desenvolveria gradualmente até atingir um ápice
abstrato em que as composições eram compreendidas em termos de cores, linhas e formas.

Cabe ressaltar que Volpi recusava teorizações estéreis, mas estava sempre muito bem informado das correntes
artísticas do seu tempo, embora não se filiasse explicitamente a nenhuma delas, já que sua trajetória era
extremamente pessoal. Esse é um dos pontos que fazem dele um grande pintor: Volpi é moderno e atual sem se
importar com rótulos artificiais. A diferença é que ele não precisava ser moderno ou popular; simplesmente era.
Na década de 40, através das paisagens de Itanhaém, seu novo caminho pictórico começou a se mostrar.
Abandonou a perspectiva tradicional, simplificou e geometrizou as formas. Mais tarde, chegou à abstração. Após seu
encontro com o pintor italiano Ernesto De Fiori, seus gestos ficaram mais livres, dinâmicos e expressivos. A cor,
mais vibrante.
Nos anos 50, as bandeirinhas das festas juninas, de Mogi das Cruzes, integraram-se às suas fachadas. Posteriormente,
destacou-as do seu contexto original. A partir da década de 60, suas pinturas são jogos formais: todos os temas são
deixados de lado e as bandeirinhas passaram a ser signos, formas geométricas compondo ritmos coloridos e
iluminados. Volpi morreu aos 92 anos, em 1988, em São Paulo.
http://www.pinturabrasileira.com/artistas_bio.asp?cod=5&in=1

9. Obras 1 e 4 : Série Fachada
Obras 2 e 3: Série Bandeirinhas;


ATIVIDADES:
1) Faça uma leitura sobre a biografia de Alfredo Volpi e escreva no caderno de desenho um
breve histórico:
2) Com papel colorido escolha uma das obras “Bandeirinhas” e faça um trabalho com recorte
e colagem no caderno de desenho;
3) Nas obras da “série: fachadas” Volpi trabalha com combinação de cores. Escolha uma
combinação Monocromática e faça uma leitura no caderno de desenho;

Ismael Nery
Ismael Nery nasceu em Belém do Pará em 1900 e morreu na cidade do Rio de Janeiro em 1934. A
fase mais importante de seu trabalho, o Surrealismo, por isso mesmo, não chegou a florescer nele, pois se
iniciou em 1927, durando pouco mais de seis anos. Formou-se, desta maneira, um vácuo em sua carreira,
não permitindo sequer especular sobre qual seria a evolução de seu trabalho, caso tivesse vivido por mais
algumas décadas, fiel ao movimento surrealista que abraçara.
Nery era um homem a procura de si mesmo. Renegando a qualificação de pintor, preferia a de
filósofo. Chegou a montar um sistema filosófico, a que deu o nome de Essencialismo, mas nunca publicou
qualquer obra sobre o assunto. Sempre que pôde, dedicou-se à poesia, achando-a melhor que a pintura.
Se o artista negou a si mesmo o reconhecimento que merecia, o público também o acompanhou
nessa baixa avaliação e fraca expectativa. Em toda vida, não pintou mais que uma centena de quadros,
realizou duas exposições individuais, e nelas conseguiu vender apenas um quadro.
Já não se pode dizer o mesmo de sua produção como desenhista. Fazia desenhos em quantidade
espantosa, os quais, na opinião de especialistas, eram até melhores que sua pintura. Porém, também nessa
atividade não se valorizou, jogando seus trabalhos sistematicamente ao lixo, assim que terminados.
Conhecemos, dos desenhos de Nery, apenas aqueles que foram salvos da lixeira, muitos deles amarrotados.
Ismael Nery marcou sua iniciação na arte aos quinze anos de idade, quando matriculou-se na
Escola Nacional de Belas Artes, que breve deixou de freqüentar, por não se adaptar à disciplina escolar.
Nessa época, pintou grande quantidade de guaches e aquarelas, que se perderam no tempo, ficando apenas
o registro de sua existência.
Em 1920, viajou para a França, voltando dois anos depois, para casar-se com Adalgisa Nery, com
quem teve dois filhos. Em 1927, voltou à Europa, conhecendo o pintor judeu-russo Marc Chagall, que
exerceu forte influência em sua carreira, a qual, a partir de então, voltou-se para o Surrealismo.
Em 1929, depois de viagem à Argentina e Uruguai, um diagnóstico revelou que ele era portador
de tuberculose, o que levou-o a internar-se, por dois anos, em um sanatório. Aparentemente curado, a
terrível doença, em realidade, apenas lhe deu uma breve trégua, para voltar, em 1933, desta vez, de forma
irreversível. Meses depois, 6 em abril de 1934, veio a falecer, sendo enterrado vestindo um hábito dos
franciscanos, numa singela homenagem dos frades à sua ardorosa fé católica.

10. Costuma-se dividir a obra de Ismael Nery em três fases: de 1922 a 1923, a expressionista; de 1924
a 1927, a cubista, com evidente influência da fase azul de Pablo Picasso; finalmente, de 1927 a 1934,
adotou o Surrealismo, sua fase mais importante e promissora.
Tragado pela morte, o destino impediu-o de provar até onde seria capaz de chegar nesta última
fase, que poderia trazer a sua efetiva consagração como artista.
A obra de Nery permaneceu ignorada do público e da crítica até 1965, quando teve seu nome
inscrito na 8ª Bienal de São Paulo, na Sala Especial de Surrealismo e Arte Fantástica. (Texto de Paulo
Victorino)
http://www.pitoresco.com/brasil/nery/nery.htm


Ismael Nery. Namorados.
ATIVIDADES:
1) Faça uma leitura sobre a biografia de Ismael Nery e escreva no caderno de desenho um breve
histórico:
2) Escolha uma das obras acima da série “Namorados” e faça uma leitura no caderno de desenho
com tinta guache;


Cândido Portinari
Candido Portinari nasce no dia 30 de dezembro de 1903, numa fazenda de café, em Brodósqui, no interior do
Estado de São Paulo.Filho de imigrantes italianos, de origem humilde, recebe apenas a instrução primária e desde
criança manifesta sua vocação artística.
Aos quinze anos de idade vai para o Rio de Janeiro, em busca de um aprendizado mais sistemático em pintura,
matriculando-se na Escola Nacional de Belas-Artes.
Em 1928 conquista o Prêmio de Viagem ao Estrangeiro, da Exposição Geral de Belas-Artes, de tradição
acadêmica. Parte em 1929 para Paris, onde permanece até 1930.Longe de sua pátria, saudoso de sua gente, decide ao
voltar ao Brasil, no início de 1931, retratar em suas telas o povo brasileiro, superando aos poucos sua formação
acadêmica e fundindo à ciência antiga da pintura, uma personalidade moderna e experimentalista.
Em 1935 obtém a segunda Menção Honrosa na exposição internacional do Instituto Carnegie de Pittsburgh,
Estados Unidos, com a tela Café, que retrata uma cena de colheita típica de sua região de origem.
Aos poucos, sua inclinação muralista revela-se com vigor nos painéis executados para o Monumento
Rodoviário, na Via Presidente Dutra, em 1936, e nos afrescos do recém construído edifício do Ministério da
Educação e Saúde, no Rio de Janeiro, realizados entre 1936 e 1944. Estes trabalhos, como conjunto e como
concepção artística, representam um marco na evolução da arte de Portinari, afirmando a opção pela temática social,
que será o fio condutor de toda a sua obra a partir de então.

11. Companheiro de poetas, escritores, jornalistas, diplomatas, Portinari participa de uma notável mudança na
atitude estética e na cultura do país. No final da década de trinta consolida-se a projeção de Portinari nos Estados
Unidos.
Em 1939 executa três grandes painéis para o Pavilhão do Brasil na Feira Mundial de Nova York e o Museu de
Arte Moderna de Nova York adquire sua tela Morro. Em 1940, participa de uma mostra de arte latino-americana no
Riverside Museum de Nova York e expõe individualmente no Instituto de Artes de Detroit e no Museu de Arte
Moderna de Nova York, com grande sucesso de crítica, venda e público. Em dezembro deste ano a Universidade de
Chicago publica o primeiro livro sobre o pintor: Portinari, His Life and Art com introdução de Rockwell Kent e
inúmeras reproduções de suas obras.
Em 1941 executa quatro grandes murais na Fundação Hispânica da Biblioteca do Congresso, em Washington,
com temas referentes à história latino-americana. De volta ao Brasil, realiza em 1943, oito painéis conhecidos como
Série Bíblica, fortemente influenciado pela visão picassiana de 'Guernica' e sob o impacto da Segunda Guerra
Mundial.
Em 1944, a convite do arquiteto Oscar Niemeyer, inicia as obras de decoração do conjunto arquitetônico da
Pampulha em Belo Horizonte, Minas Gerais, destacando-se na Igreja de São Francisco de Assis, o mural São
Francisco (do altar) e a Via Sacra, além dos diversos painéis de azulejo. A escalada do nazi-fascismo e os horrores da
guerra reforçam o caráter social e trágico de sua obra, levando-o à produção das séries Retirantes (1944) e Meninos
de Brodósqui (1946), assim como à militância política, filiando-se ao Partido Comunista Brasileiro, sendo candidato
a deputado em 1945, e a senador em 1947.
Em 1946, Portinari volta a Paris para realizar, na Galeria Charpentier, a primeira exposição em solo europeu.
Foi grande a repercussão, tendo sido agraciado, pelo governo francês, com a Legião de Honra.
Em 1947 expõe no Salão Peuser, de Buenos Aires e nos salões da Comissão Nacional de Belas Artes, de
Montevidéu, recebendo grandes homenagens por parte de artistas, intelectuais e autoridades dos dois países. O final
da década de quarenta assinala na obra do artista, o início da exploração dos temas históricos através da afirmação do
muralismo.
Em 1948, Portinari se auto-exila no Uruguai, por motivos políticos, onde pinta o painel A Primeira Missa no
Brasil, encomendado pelo Banco Boavista do Rio de Janeiro.
Em 1949 executa o grande painel Tiradentes, narrando episódios do julgamento e execução do herói brasileiro,
que lutou contra o domínio colonial português. Por este trabalho, Portinari recebeu, em 1950, a Medalha de Ouro
concedida pelo júri do Prêmio Internacional da Paz, reunido em Varsóvia.
Em 1952, atendendo à encomenda do Banco da Bahia, realiza outro painel com temática histórica: A Chegada
da Família Real Portuguesa à Bahia, e inicia os estudos para os painéis Guerra e Paz, oferecidos pelo governo
brasileiro à nova sede da Organização das Nações Unidas. Concluídos em 1956, os painéis, medindo cerca de 14 x
10m cada 'os maiores pintados por Portinari' encontram-se no hall de entrada dos delegados do edifício-sede da
ONU, em Nova York.
Em 1954, Portinari realiza, para o Banco Português do Brasil, o painel Descobrimento do Brasil. Neste mesmo
ano, tem os primeiros sintomas de intoxicação das tintas, que lhe será fatal. Em 1955 recebe a Medalha de Ouro,
concedida pelo International Fine Arts Council de Nova York, como o melhor pintor do ano.
Em 1956 faz os desenhos da Série D. Quixote e viaja para Israel, a convite do governo daquele país, expondo
em vários museus e executando desenhos inspirados no contato com o recém-criado estado israelense e expostos
posteriormente em Bolonha, Lima, Buenos Aires e Rio de Janeiro. Neste mesmo ano recebe o Prêmio Guggenheim
do Brasil e, em 1957, a Menção Honrosa no Concurso Internacional de Aquarelas do Hallmark Art Award, de Nova
York.
No final da década de 50 Portinari realiza diversas exposições internacionais, expondo em Paris e Munique em
1957. é o único artista brasileiro a participar da exposição '50 Anos de Arte Moderna', no Palais des Beaux Arts, em
Bruxelas, em 1958, e expõe como convidado de honra, em sala especial, na 'I Bienal de Artes Plásticas' da Cidade do
México.
Em 1959 expõe na Galeria Wildenstein de Nova York e em 1960 organiza importante exposição na
Tchecoslováquia.
Em 1961 o pintor tem diversas recaídas da doença que o atacara em 1954 - a intoxicação pelas tintas -,
entretanto, lança-se ao trabalho para preparar uma grande exposição, com cerca de 200 obras, a convite da Prefeitura
de Milão.
Candido Portinari falece no dia 6 de fevereiro de 1962, vítima de intoxicação pelas tintas que utilizava.
http://www.portinari.org.br/.

12. 1) Pipas de 1941 (desenho a óleo, guache e caneta-tinteiro sobre cartão
2) Os Retirantes de 1944 (óleo sobre tela)


3) Vaso de Flores 1942 (pintura a têmpera sobre madeira) 4) Sagrado Coração de Jesus de 1942(pintura a têmpera
sobre madeira)

ATIVIDADES:
1) Faça uma leitura sobre a biografia de Cândido Portinari e escreva no caderno de desenho
um breve histórico:
2) Faça uma releitura da tela 01 com lápis 6B e canetinhas ou lápis de cor, substituindo as
pipas por outra imagem;
3) Observe o quadro “Retirantes” e elabore um artigo, poema ou comentário sobre o
quadro;
4) Observe o quadro nº 4 – Faça uma leitura com lápis de cor no caderno de desenho;

Bom trabalho pessoa l!