Dibujo artístico.docx

el dibuo arisico

1. Dibujo artístico
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Cabeza de Leda, de Leonardo (c. 1505.
El dibujo artístico es la disciplina del trazado y delineado de cualquier figura,
abstracta o que represente un objeto real, como forma de expresión gráfica.
Desde la Prehistoria ha funcionado como lenguaje alternativo de ámbito universal
que permite la transmisión de información, sean ideas, descripciones o
sentimientos.
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En el proceso de dibujo de un objeto, y según van surgiendo las
ideas, es fundamental ir trasladando los frutos de nuestra imaginación a formas
cada vez más concretas, claras y elaboradas. Para eso, el dibujo técnico resulta
de gran utilidad.
Los primeros dibujos de un objeto se realizan siempre a mano alzada, es decir, sin
emplear útiles de dibujo técnico tales como reglas, escuadras, transportadores,
compás, etc.,... A partir de estas primeras aproximaciones se elaboran uno o
varios bocetos. A medida que estos bocetos van adquiriendo concreción,
proporción y dimensiones, se dibujarán los croquis.
Una vez que la idea está definida hasta el más mínimo detalle, es el momento de
trasladarla al papel de manera que pueda ser comprendida, interpretada y, en
ocasiones, construida. Utilizamos para ello los sistemas de representación que
nos permiten dibujar los objetos por medio de proyecciones.
Conceptos de dibujo[editar]
 Dibujante: Es aquel que tiene un propósito estético, el de transmitir una idea o
sentimiento surgido de la subjetividad del autor.
 Dibujo: Es una representación gráfica de lo que se ve, percibe, recuerda o se imagina.
 Dibujo lineal: Es la representación de algo ya sea real o imaginario con distintas técnicas
para plasmarlo. La característica principal es que se realiza con trazos o un delineado, no
tiene color ni valoración tonal, es decir no está "sombreado". El dibujo lineal podría ser
muy sugerido o bien detallado, pero no posee efecto de volumen.
 Psicología del dibujo artístico: El artístico dibuja lo que no puede expresar con palabras:
"tele transporta su imaginación y pensamientos" a un lienzo que puede ser de papel u otro
material. Todos los trazos hechos sobre el lienzo, en conjunto representan la idea del
dibujante, la cual alcanza bastante aceptación si todo el delineado fue trazado con técnica,
soltura y originalidad. Dicho delineado implica el saber manejar tanto el instrumento de
trazo con que se está trabajando, como los trazos que se pretenden realizar, pues un
buen dibujo se caracteriza por sus trazos seguros y sueltos. No existe un procedimiento

2. establecido para aprender a dibujar, cada dibujante perfecciona su dibujo a su forma de
pensar, pero el arte del dibujo a mano alzada solo se consigue con práctica y dedicación.
Dentro del campo del dibujo artístico, algunos críticos se dividen en dos grupos: aquellos que
solo copian un dibujo o modelo ya existente, los cuales hacen uso de su capacidad de
observación y motricidad para copiar la imagen tal cual es; y aquellos que dibujan a partir de
su capacidad imaginativa y creadora, los cuales desarrollan una alta relación entre cerebro-
mano para poder plasmar las imágenes que conciben. Este último grupo es considerado como
el de los verdaderos dibujantes, ya que abarcan famosos personajes de la historia y a aquellos
que crean famosos personajes animados, mundos irreales, paisajes y seres de fantasía e
incluso artefactos que podrían ser útiles en la vida real, aunque también son los más criticados
y señalados a diferencia del primer grupo que es bien aceptado, sobre todo a aquellos
dedicados al dibujo del retrato y paisajista.
Entre los elementos básicos de un dibujante artístico pueden citarse los que componen el
siguiente proceso:
1. Apunte. Es el dibujo rápido que se usa para captar y recordar las características de lo
que se va a dibujar. Es útil cuando se dibujan en exteriores o figuras en movimiento.
2. Boceto. Es la prueba del dibujo en un papel aparte. Sirve para ayudar a decidir el
encuadre, la composición, qué elementos se incluyen…
3. Encajado. Son las líneas generales que se trazan en el papel definitivo (se tapan o
borran después) que sirven como base del dibujo.
4. Línea. Es el dibujo de los contornos. Se dibuja primero lo más general y después el
detalle.
5. Valorización. Para conseguir más realismo y volumen, se sombrean las zonas más
oscuras. Las zonas de luz se pueden aclarar borrando o usando un lápiz de color
blanco o similar.
6. Color. Un dibujo puede llevar color, en especial si está destinado a ser una ilustración
(dibujo que acompaña a un texto en libros, carteles, etc.). El color se puede aplicar
con varias técnicas: acuarela, tinta, lápiz de color, ordenador ... El color puede ser
plano (homogéneo) o con textura (apariencia irregular que se puede conseguir con el
material, el papel, la técnica,)
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7. Correcciones. Los errores se pueden corregir, borrando, cubriendo una zona del
dibujo con pintura o un trozo de papel y dibujando sobre él, o escaneando el dibujo y
modificándolo en un programa de retoque fotográfico (ej.: Photoshop). Con estos
programas de retoque se pueden eliminar, añadir o resaltar cosas, mejorar contrastes
y colores.
8. Dibujo a mano alzada. Es decir, realizado sobre la marcha, sin correcciones, por
viajeros, exploradores, científicos. A este tipo de dibujos se les conoce
como cuadernos de campo, de los que ya fueron maestros Leonardo da
Vinci o Alberto Durero, o en épocas más recientes, Wilhelm Filchner o Julio Caro
Baroja.
9. Proporción. La proporción en el dibujo es muy importante, ya que dará al objeto
representado la armonía necesaria al relacionar todos los elementos. Un consejo útil y
práctico al momento de realizar el encuadre del dibujo, es colocarlo frente a un
espejo, de esta manera se descubrirá si la obra se encuentra bien proporcionada y si
guarda la simetría; esto es muy útil en especial con los dibujos del rostro y en retratos.
En ocasiones nuestro ojo suele "engañarnos" al momento de dibujar y resulta que al
terminar un trabajo, desde nuestra mirada puede parecernos correcto y bien encajado,
más al colocarlo frente al espejo se descubren errores de proporción y, es
conveniente no olvidar que es así como lo verá el espectador. Esto se corrige con la
práctica constante y recordando que es muy importante la observación para que

3. podamos relacionar todos los elementos del objeto a dibujar y lograr así una
representación correcta. Otras formas de evaluar es colocarlo al revés, mirarlo a
contraluz por el reverso de la hoja o colocar la hoja un poco más abajo para cambiar
la perspectiva al mirarla.

BREVE HISTORIA DEL DIBUJO DE FIGURA HUMANA (HASTA EL RENACIMIENTO)
Cuando se trata de desarrollar el dibujo de figura humana con éxito, conocer la anatomía
humana es clave. Esto te permitirá dibujar figuras realmente más realistas.
Una de las claves para obtener un buen dibujo de figura humana son las proporciones. Esto
puede lograrse iniciando nuestro dibujo con figuras geométricas o figuras de palo, ya que
nos proporcionarán una base en el dibujo. Así, el punto final a dibujar son los detalles,
comenzando desde los rasgos faciales hasta la forma total del cuerpo.
Descubrir la forma correcta de representar la figura humana tomó a cientos de artistas
varios siglos. Estos desarrollaron poco a poco metodologías a partir de la cuales lograrlo
con éxito.
En este artículo analizaremos brevemente la evolución de la figura humana en las
siguientes etapas: Prehistoria, antiguas civilizaciones, y profundizaremos más en la misma
durante el periodo renacentista.
El Arte Prehistórico: La Pintura
Rupestre
El término rupestre es sinónimo de primitivo. Por lo tanto, en un sentido estricto, rupestre
haría referencia a toda actividad humana sobre las paredes de cavernas, covachas, abrigos
rocosos e incluso farallones o barrancos, etc.
Dentro del arte prehistórico se encuentran incluidos también otros tipos de manifestaciones
pictóricas como esculturas y petroglifos grabados sobre piedra mediante percusión o
erosión.
Tanto el grabado, la escultura y la pintura rupestres se encuentran entre las manifestaciones
artísticas más antiguas de las que se tiene constancia, ya que, al menos, existen testimonios
datados hasta los 40.000 años de antigüedad, es decir, durante la última glaciación.
Los materiales que más se usaban para realizar estas obras eran el carbón vegetal y
diferentes tierras de colores aglutinadas con agua o grasa de animales, como medula o
huevo. Esto quiere decir que una forma del posterior temple de huevo ya existía durante
esta época.

4. Las primeras formas de dibujo de figura humana conocidos se encuentran en Francia y
Australia. En Francia se encontró un dibujo de un hombre, una figura representada por un
palo, que se puede observar en el Eje del Hombre Muerto (15.000 a.C.) en la cueva de
Lascaux, en Dordoña.
Hombres de palo. Cueva de Lascaux. Dordoña. Francia.
Por otra parte, en Australia Occidental, en la región de Kimberley, conocida como Los
Bradshaws, se encontraron unas figuras de palo (de hasta 6 pies de altura) dibujadas en
finos detalles con proporciones anatómicas precisas.

A pesar de que los animales se dibujan de una manera bastante realista, las imágenes de
seres humanos siguieron siendo no naturalistas, hasta la era mesolítica (6.000 a.C.).
El hecho que los dibujos de figuras de palo hayan sobrevivido es un milagro, y ello se debe
en buena parte al hecho de que fueron dibujados en rocas.
Las Antiguas Civilizaciones y el
dibujo de figura humana
En las primeras civilizaciones de la antigüedad, (Mesopotamia, Antiguo Egipto, Grecia,
Persia, Roma) el arte pictórico también presentaba dibujos de figuras humanas. Estos
dibujos muchas veces se realizaron en medios menos resistentes a la intemperie, como
papiros o paneles de madera, por lo tanto, pocos han sobrevivido.
La escultura estatutaria y en relieve, son las únicas formas arte figurativo que sobrevivieron
desde la antigüedad hasta nuestros días en grandes cantidades.

5. Título: Retrato con un panel insertado retrato de un
joven. Año: Período Romano AD 80-100 Técnica: Encáustica sobre madera de tilo, lino,
restos humanos. Dimensiones: Panel expuestos 38, 1 cm x 18 cm. Colección: Museo de arte
Metropolitano. NY. USA.
Sin embargo, aún nos quedan algunas muestras de pintura figurativa procedente de Roma y
Egipto. Muestra de ello es la anterior imagen de un sarcofago del Fayum con un retrato
mortuorio.
Gracias a estas pinturas del Fayum y otras pocas pinturas romanas realizadas en frescos y
algunos textos de escritores como Platón, sabemos que la pintura figurativa avanzó
increiblemente antes de nuestra era. Sin embargo, durante la edad media mucho del
conocimiento que los artistas habían desarrollado y acumulado por siglos se perdió casi por
completo.
Pasaron varios siglos antes que el conomiento del color, las técnicas de pintura, el dibujo y
la anatomía fueran redescubiertos y reinventados por los pintores europeos.
Los grandes maestros del Renacimiento italiano como Leonardo, Miguel Ángel y Rafael,
surgieron al final de este periodo de invención y redescubrimiento en el que los artistas
recuperaron su capacidad de ejecución perdida durante el medioevo.
El Renacimiento Clásico y el dibujo de
figura humana
La era del Renacimiento (1400-1600) representó el apogeo del dibujo como una forma de
arte y del redescubrimiento del dibujo de figura humana.
Los aprendices de taller que trabajaban para pintores, orfebres y escultores, aprendieron los
fundamentos del dibujo al trabajar con punta seca y punta metálica en tabletas de cera, para
luego pasar a utilizar medios más caros como tiza o carbón.
En el cinquecento (siglo XV) ocurrió la etapa culminante de la pintura renacentista,
denominada a veces como <Clasicismo>. En esta etapa, los pintores asimilaron el
aprendizaje y la experimentación del periodo cuatrocentista y los llevaron a niveles
superiores de creatividad.

6. Justo en este momento aparecen grandes maestros, cuyo trabajo servirá de modelo a
muchos artistas durante siglos.
Algunos de estos maestros son: Leonardo, Miguel Ángel y Rafael. Estos tres artistas
hicieron dibujo a un nivel superior y respetable, ya que hasta ese momento se consideraba
un trabajo de diseño meramente preparatorio o se usó simplemente para grabar y copiar
obras de arte terminadas, incluidas pinturas y estatuas.
Principales Exponentes Renacentistas del
Dibujo de Figura Humana.
Leonardo da Vinci. (1452-1519).
Leonardo da Vinci fue uno de los grandes genios de todos los tiempos. Fue un artista
multidisciplinario, intelectual y obsesionado con la perfección.
Realizó una gran cantidad de dibujos detallando músculos, tendones y otras características
anatómicas. Se esforzó por representar la naturaleza universal del hombre.
Entre sus dibujos destacó el interés por la fisonomía, la capacidad para reflejar la forma de
las distintas emociones y las expresiones gestuales del ser humano por ejemplo: la risa, el
miedo, la ferocidad, el llanto, etc.
Título: Benois Madonna. Autor: Leonardo da Vinci. Año: 1480. Técnica: Óleo sobre
lienzo. Dimensiones: 49,5 cm x 33 cm. Colección: Hermitage Museum. San Petersburgo.
Rusia.
Leonardo no se conformó con dibujar el exterior de la figura humana, quería saber cómo
funcionaba por dentro.
En el siglo XVI, la peste Negra plagó Europa, y el artista aprovechó al máximo
diseccionando tantos cadáveres como pudo. Por ejemplo, dibujó con precisión un embrión
humano:

7. Artista: Leonardo Da Vinci. Titulo: Estudios de
embriones de Leonardo da Vinci. Lápiz sobre tiza roja. Fecha: entre 1510 y 1513
Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564).
Aunque Miguel Ángel fue principalmente escultor, también fue un prolífico dibujante y
exponente del arte figurativo. Pintaba esporádicamente, a petición de algunos admiradores
de sus obras.
En su obra cobra mucha importancia el desnudo masculino. Realizó numerosos estudios
preliminares para sus dos esculturas de obras maestras, Piedad (1498–1499)
y David (1501–1504), así como copias de bocetos de su fresco histórico de Génesis (1508-
12) y el fresco del Juicio Final (1536-41), pintada en el techo y en la pared del altar de la
Capilla Sixtina.
Los otros dibujos de Miguel Ángel con obras en pluma y tinta, pluma y lavado, carbón y
tizas rojas y negras.
Su dibujo Tityus (1533) fue un regalo y uno de los primeros dibujos en considerarse una
obra de arte por derecho propio.

8. Título: El Castigo de Tityus. Autor: Miguel Ángel
Buonarroti. Año: 1533. Técnica: Tiza Negra. Dimensiones: 190 mm x 330 mm. Colección:
Biblioteca Royal. Reino Unido.
Rafael (Raffaello Sanzio) (1483-1520).
Rafael Sanzio completa la tríada de genios del clasicismo. La pintura de Rafael buscaba
ante todo la gracia o belleza equilibrada y serena.
Sus Madonnas recogen las novedades de Leonardo en lo que se refiere a composición y
claroscuro, añadiendo una característica dulzura. Anticipa claramente la pintura manierista
en sus últimas obras.

Rafael, otro maestro de la anatomía humana, comenzaba a dibujar su figura con un dibujo
inferior con una pluma. La punta afilada de este instrumento dejaba impresiones débiles en
la superficie del papel. Luego dibujaba con tiza roja sobre las impresiones cuando estaba
satisfecho con el contorno.Un ejemplo de su mencionada técnica de dibujo es su estudio
sobre la Madonna del Alba

9. :
Artista: Raffaello Sanzio. Título: Estudio para la Virgen de la Casa de Alba (Madonna
d'Alba). Fecha: principios del siglo XVI. Medio: tiza roja y pluma. Dimensiones: Altura:
422 cm (13.8 pies); Ancho: 272 cm (107 ″). Colección: Palacio de Bellas Artes de Lille
Elementos principales del dibujo
1- Punto
Elemento más básico. Se forma desde el momento en el que se apoya la
herramienta de dibujo (lápiz, pincel, crayón, plumón, lápiz digital, etc.) sobre el
área destinada al dibujo.
2- Línea
Es el elemento base del dibujo. La línea separa un área del plano del dibujo de
otra. Una línea simple segmenta la pieza de papel en dos.
Cuantas más líneas se agregan, más complejas y numerosas se vuelven las
separaciones. Una línea puede ser uniforme, y toda del mismo ancho o de
distintos anchos.
3- Forma
La forma comienza cuando se dibuja la primera línea. Forma es la información que
se presenta entre dos o más líneas, es un elemento encerrado por una línea.
La forma define el objeto que se desea representar. El uso incorrecto de la forma
resulta en un dibujo que no luce como lo que se supone que es.
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10. 4- Proporción
Es el tamaño de una figura con relación al tamaño de otra. Proporción es lo que
dictamina que, en los humanos, las piernas sean más largas que los brazos, el
dedo del medio más largo que el índice y la nariz de la misma longitud que el
ancho de los ojos.
Si la proporción está mal, el dibujo no luce bien.
5- Perspectiva
Es la ilusión de que las cosas más alejadas se ven más pequeñas. Para que algo
parezca estar más lejos del plano, se dibuja más pequeño que el objeto que está
más al frente.
El dibujo en perspectiva da una sensación tridimensional a una imagen. En el arte,
es un sistema que representa la forma en que los objetos se hacen cada vez más
pequeños a medida que se alejan de la escena.
La perspectiva simple o de un punto es el método más simple para hacer que los
objetos se vean tridimensionales.
6- Volumen
Similar a la perspectiva, solo que en el caso de los volúmenes hace alusión a la
extensión y magnitud del cuerpo dibujado (largo, ancho y alto). Al igual que la
perspectiva, por medio de la luz y de las sombras se obtiene una percepción
tridimensional del cuerpo.
7- Luz y sombra
Para crear profundidad y atmósfera en un dibujo se utilizan luces y sombras. Para
hacer un dibujo realista se necesita agregarle sombra porque todo en el mundo
real tiene una sombra.
Un dibujo sin sombra aparenta ser plano, de dos dimensiones y nada realista.
Agregando sombra se le agrega un poco de perspectiva al dibujo, porque se indica
que hay algo delante o detrás el objeto que da sombra.

8- Estructura del dibujo completo

11. Antes de comenzar a dibujar se deben ubicar los elementos del dibujo en el papel.
Se toma en cuenta el tamaño de la superficie de papel y se ubican los elementos
del dibujo en este.
Por ejemplo, para dibujar un cuerpo humano desde la cabeza a los pies se
ubicaría mentalmente la cabeza en uno de los extremos del papel para dar lugar
para que quepa el resto del cuerpo.
La forma del plano de dibujo determina la composición del dibujo.
9- Textura
La textura es una técnica bidimensional que, a partir de trazos, establece una serie
de percepciones sobre el dibujo, dotándolo de más o menos realismo. Cuando un
dibujo carece de textura es plano, mientras que si lo posee debe generar
sensaciones que sean posible sentirlas en la realidad, que sean táctiles.
10- Color
El dibujo puede tener color o no. Sin embargo, se trata de uno de los aspectos
más importantes de las artes plásticas y visuales, estando en muchos casos
supeditado a la forma. Su aplicación puede cambiar radicalmente la perspectiva
de un dibujo, influyendo en la psicología del observador.