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ARTE Y CULTURA TEORÍA
Visual
música
Danza
Teatro

1. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 1

2. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 2

3. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 3












































































Dedicado al amor de mi vida,
familiares y amigos que hicieron
posible la realización de este
texto.

4. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 4



El Arte comprende múltiples disciplinas cuya diversidad siempre ha sido
compleja de abordar, es por ello que el presente documento reúne
algunos de los aspectos más resaltantes de este vasto campo de la
manifestación humana.

El que los estudiantes logren como Aprendizaje Fundamental:
“Expresarse con los lenguajes del arte y apreciar el arte en su diversidad
de manifestaciones”, al culminar la Secundaria, supone que vivencien el
arte al percibir, investigar y disfrutar las expresiones artístico-culturales
de su contexto y de otras épocas y culturas así como al crear y
expresarse en diversos lenguajes (musicales, visuales, dramáticos,
audiovisuales, danza, u otros). De este modo configuran su identidad
personal, desarrollan su sensibilidad y su pensamiento creativo, crítico y
holístico, conociendo y valorando la diversidad cultural y el patrimonio.

Para tal fin, se presentan los conocimientos que permitirán desarrollar las
capacidades y competencias, tanto de expresión como apreciación
artística, correspondientes al Primer Grado de Secundaria.

Entre los primeros temas se aborda aspectos relacionados a las Artes
Visuales, para ello se recomienda contar con un cuaderno especial de
dibujo para su desarrollo práctico. Al abordar el campo de la Música, se
pone énfasis en la práctica auditiva, dado que de ello depende la
comprensión, apreciación e interpretación musical. Por su parte, en
relación al arte corporal: la danza, se muestra un profundo análisis de las
técnicas modernas de expresión corporal y el planteamiento de
desarrollo auditivo como eje entre la música y el movimiento.

Guardando una estrecha relación con la danza, se presenta al teatro
como una de las artes más completas porque involucra lo visual, auditivo
y coreográfico en una representación. En consecuencia, se muestra una
serie de ejercicios de iniciación dramática, expresión vocal y corporal con
el propósito de promover la libre expresión.

Cabe indicar que cada conocimiento abordado cuenta con una ficha de
evaluación y un apartado con recomendaciones prácticas para la
expresión artística en el aula.

Queda para ustedes, pues, un trabajo que confío contribuya al logro de
aprendizajes de los estudiantes convirtiéndose en una guía de
conocimientos acordes a nuestro contexto y que cada educador puede
aprovecharlos aplicando diversas estrategias metodológicas.




EL AUTOR


PRESENTACIÓN

5. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 5





Para que la naturaleza del "Arte" nos resulte clara, es necesario tomar como
punto de partida la estructura del ser humano. Se puede definir al ser
humano como una trinidad: está dotado de un intelecto para pensar, un
corazón para sentir y una voluntad para actuar. El campo del intelecto es la
ciencia. El ámbito del corazón es la religión, la moral. En cuanto a la
voluntad, le es necesario dar forma, crear. Por esta razón, se puede decir
que el arte pertenece al campo de la voluntad. La música, la danza, la
escultura, la arquitectura, la poesía, la pintura, etc. son distintos medios que
el hombre ha encontrado para exteriorizar, concretar lo que tiene en su
cabeza y en su corazón.

De otro lado, cada manifestación artística obedece a un tipo de emanación
interior, cuya esencia es perfecta y habita, pues, dentro de cada individuo.
Es más, resulta ser él mismo.

En tal sentido, se puede definir al ARTE como: "la manifestación del Espíritu
-ya que es esa esencia perfecta que está en nosotros, que somos nosotros-
a través de las diversas expresiones como pintura, teatro, música..."

Es posible afirmar que, cada persona es un artista. Pero para ser un
"verdadero artista" es necesario unir las tres dimensiones, esa trinidad de la
que estamos dotados. De no hacerlo, crearemos un conflicto interno que
dará lugar a una creación "no artística" llena de intelecto sin amor, o bien,
colmada de emoción sin razón.












La mejor forma de abordar el campo de las artes es, reconociendo lo que
somos en esencia, y que las manifestaciones artísticas no se limitan a la
creación de obras plásticas o escultóricas, sino que deben ser el conjunto de
manifestaciones cotidianas, cada una de nuestras acciones, ya que estas
están sujetas a nuestra voluntad, la que es inherente al intelecto y al amor.
Sólo así, el arte puede conmover a los humanos y despertarlos a la
verdadera vida. Sólo así, un verdadero artista retomará su papel de
sacerdote, filósofo y sabio. Porque la misión del artista consiste en realizar
en el plano físico lo que la inteligencia concibe como verdadero, lo que el
corazón siente como bueno, para que el mundo superior, el mundo del
Espíritu pueda descender a encarnarse en la materia.





VERDADERO
ARTISTA
CABEZA
intelecto
CORAZÓN
amor
VOLUNTAD
obras
INTRODUCCIÓN

6. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 6









































































El sonido: Clases y cualidades.
Música: Concepto y origen.
Elementos de la música: Ritmo - melodía.
El pentagrama: Líneas adicionales superiores e inferiores.
Claves o llaves.
Caligrafía Musical.
Las figuras de duración y sus silencios.
Ubicación de las notas musicales en el pentagrama.
Solfeo hablado y rítmico: ejercicios.
La voz: clasificación.
Técnica vocal: postura, respiración y dicción. Repertorio.
Instrumentos musicales.
Artes visuales. Concepto, clasificación.
Disciplinas artísticas.
Elementos constitutivos de las artes visuales: línea, color,
forma.
Materiales no convencionales. Reciclables: plásticos, vidrio,
telas, algodón etc. Naturales: hojas, arena, piedra, tintes
naturales, etc.
Dibujo básico. Lineal y geométrico.
Estudio básico de los colores: primarios, secundarios,
terciarios.
Técnicas creativas. Bidimensionales: dactilopintura, estarcido,
esgrafiado. Tridimensionales: modelado, tallado.

ARTES
VISUALES
MÚSICA
Danza. Conceptualización y clasificación por su procedencia
geográfica e histórica.
Elementos de la danza. Cuerpo y espacio. Tiempo: pulso,
acento, compás, ritmo, fraseo.
Expresión corporal. Movimiento, equilibrio y relajación.
Desarrollo auditivo. Escucha activa.
Figuras coreográficas. DANZA
El Teatro. Concepto. Historia del teatro.
Elementos técnicos del Teatro.
Expresión corporal.
Expresión vocal. Cualidades de la voz.
Juegos de iniciación dramática. Ejercicios plásticos y vocales.
Cuento vivo. Narración de cuentos.
Representaciones del teatro de Títeres.
Confección y manejo de títeres.
Apreciación estética teatral.
TEATRO
CONOCIMIENTOS

7. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 7









































































Visuales
Artes

8. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 8




Artes Visuales

Para comenzar con el estudio de las Artes Visuales
deberá saber que, éstas aparecen con la historia de la
humanidad, en el afán del hombre por comunicarse, por
dejar vestigios de su vida cotidiana, por ornamentar sus
objetos.























Dentro de esa gran variedad de disciplinas se encuentran
las siguientes:











En algunas manifestaciones artísticas de la actualidad, se
combinan estas disciplinas en función de las necesidades
expresivas de cada artista.
Fotografía.
Arquitectura.
Intervención
espacial,
performance, entre
otras.
Artes electrónicas:
vídeo, animación,
net art.


Escultura.
Grabado.
Dibujo.
Pintura.
Cine.
Diseño: industrial,
gráfico, de
interiores, de
modas, artesanía.



Detalle de pintura rupestre
encontrada en las cuevas de
Altamira, España. (c. 13000 a.C.)
Pintura egipcia, se caracterizó por
dibujar a los personajes con el
rostro de perfil y el torso de frente.
Obra maestra del Renacimiento
―La Gioconda‖ (siglo XV) de
Leonardo da Vinci.

Las artes visuales son el arte de la expresión a través
de la imagen y comprenden a todas las disciplinas
artísticas que pueden ser percibidas por el sentido de
la vista.

Conocimiento 1

9. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 9


CLASIFICACIÓN DE LAS ARTES
VISUALES

Las diferentes disciplinas que forman parte de las Artes
Visuales para un mejor estudio pueden ser agrupadas de
la siguiente manera:









































BIDIMENSIONALES
PINTURA
DIBUJO
GRABADO
DISEÑO Y
ARTES
APLICADAS
FOTOGRAFÍA
DISEÑO
GRÁFICO
DISEÑO
INDUSTRIAL
ARTESANÍA
DISEÑO DE
INTERIORES
DISEÑO DE
MODAS
TRIDIMENSIONALES
ESCULTURA ARQUITECTURA INTERVENCIÓN
ESPACIAL
AUDIOVISUALES
ARTES
ELECTRÓNICAS
CINE
MULTIMEDIA
ROBÓTICA NET ART
DISEÑO
SONORO
INFOGRAFÍA
VIDEO ART
“Caballo Silvestre”. (Detalle)
Frank Tenorio Rosales. Pintura
en la técnica de esmalte.
El "Hombre de Vitruvio". Dibujo
realizado a lápiz y tinta por
Leonardo da Vinci.
Escultura del periodo Neoclásico
(siglo XVIII).

10. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 10


DISCIPLINAS ARTÍSTICAS

Cada manifestación artística ofrece una gran posibilidad
de expresión, sin embargo el artista debe seleccionar
adecuadamente cuál de ellas va a utilizar de modo que
transmita eficazmente su mensaje. Algunas de ellas son:

EL DIBUJO: Es la representación de figuras o
imágenes mediante líneas y manchas.

LA PINTURA: Es el arte de representar en una
superficie plana un hecho real o imaginario a través del
color y la forma.

EL GRABADO: Es el
arte de grabar, estampar,
prensar o imprimir una
imagen sobre una
superficie valiéndose de
un modelo entintado en
sus incisiones.

LA FOTOGRAFÍA:
Es el arte de fijar y
reproducir por medio de
reacciones químicas, en
superficies
convenientemente
preparadas, las imágenes recogidas en la cámara oscura.

EL DISEÑO: Es el arte aplicado que organiza formas
y colores creando un todo armonioso, ya sea de imágenes
y texto (diseño gráfico), ropa y accesorios (diseño de
modas) los ambientes y los muebles que le comprenden
(diseño de interiores) o productos manufacturados
(diseño industrial).










Dibujo a lápiz sobre papel.
Modelo de ropa elaborado a
partir de un diseño de modas.
Accesorio correspondiente a un
diseño industrial.
Grabado en la técnica de xilografía,
Alemania, 1568.



Exclusivo modelo de un diseño de interiores.

11. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 11


LA ESCULTURA: Es el arte de modelar, tallar y
esculpir en materia adecuada, representando en relieve
cualquier figura o asunto.

LA ARQUITECTURA: Es el arte de proyectar y
construir edificios. Se divide en arquitectura civil
(edificios, monumentos públicos y particulares);
arquitectura hidráulica (construir debajo del agua);
arquitectura religiosa (templos, monasterios, sepulcros,
etc.) y; arquitectura naval (construcción de
embarcaciones).

















EL VIDEO ART: Es el arte de representar un
determinado contenido mediante la narración filmo o
fotográfica valiéndose de equipos análogos o un software
de edición de imágenes y sonido en el computador.

EL CINE: Es el arte de representar imágenes en
movimiento por medio del cinematógrafo. La ilusión de
movimiento real se da por el fenómeno de la persistencia
de las imágenes de la retina, al ser proyectadas una
sucesión de fotografías.








“Discóbolo” (c. 450 a.C.) de
Mirón. Escultura del arte griego
clásico.
―El Partenón‖ (c. 447-437 a.C.) construcción dirigida por
Fidias en la Acrópolis de Atenas (Grecia).
Formato de ratio largo, propio de una filmación de cine.

Fotogramas que crean la ilusión
óptica de movimiento al ser
reproducidas a una velocidad de
diez por segundo. Esta técnica se
emplea en la animación de
imágenes o dibujos.
Secuencias de imágenes de un
video art.

12. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 12


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿Qué son las artes visuales?
a. Son el arte de la expresión a través de la imagen.
b. Son la pintura, la escultura y la arquitectura.
c. Son las obras hechas con pigmentos.

¿Cómo se clasifican las artes visuales?
a. Artes plásticas, bellas artes y artes aplicadas.
b. Diseño, artes aplicadas y artes electrónicas.
c. Bidimensionales, tridimensionales y audiovisuales.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

¿Cuándo aparecen las artes visuales?
______________________________________________
____________________________________________

¿Por qué surgen las artes visuales?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________

¿Qué diferencia hay entre el dibujo y la pintura?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________

¿Qué diferencia hay entre el video art y el cine?
______________________________________________
______________________________________________
____________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) La arquitectura pertenece a las artes visuales
bidimensionales.
( ) La fotografía es un arte que nace en el siglo XX.
( ) El diseño gráfico es el arte de armonizar texto e
imágenes para transmitir un mensaje.
( ) El net art es aquel que se realiza para ser
apreciado por internet.
( ) En una filmación de cine el movimiento es real.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Realiza un dibujo
creativo con lápiz de
grafito sobre cartulina
o papel bond, evita
sombrearlo y delinéalo
empleando un
“finepen” o lapicero de
tinta líquida.
Realiza una pintura de
un paisaje empleando
témperas sobre
cartulina. Es
recomendable usar
pinceles planos.
Investiga sobre algún
software de edición de
video como Sony
Vegas, Adobe Premier,
Movie Maker, etc. y
crea un video art.
RECUERDA
Para dibujar debes
emplear el lápiz
adecuado. Los lápices
blandos llevan la letra
"B" y están numerados
del 1 al 10. Los duros
llevan la letra "H" y
también están
numerados del 1 al 10.
Hay una variedad más:
los semiblandos. Éstos
llevan las letras "HB"
y no tienen
numeración.

13. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 13


Elementos Constitutivos
de las Artes Visuales

Las manifestaciones artísticas que están comprendidas en
las Artes Visuales poseen principios básicos, es decir que
se sujetan a ciertas leyes y requieren de determinados
elementos plásticos para su producción.

LA COMPOSICIÓN

Existen muchas metodologías para iniciar el estudio de
las Artes Visuales, en este caso se empezará con las
disciplinas bidimensionales.









Para realizar una composición de arte visual se debe
conocer, interpretar y aplicar sus leyes y elementos.

LEYES DE LA COMPOSICIÓN

Una obra con orden pictórico técnico requiere de la
aplicación de ciertas leyes compositivas, las más
importantes son:

1. LEY DE ORO: Indica que se
debe resaltar la unidad de la
variedad, sin que ésta pierda
interés visual creando un todo
armonioso.

2. LEY DE COMPENSACIÓN:
Señala que debe haber equilibrio
de masas en la obra.

3. LEY DE SIMETRÍA: Se refiere a
la armonía de posición de las
partes o puntos similares de un
todo.
Ley de oro: En el cuadro vemos
que la unidad es el jinete y su
caballo, sin embargo los demás
elementos como el cielo y el suelo
no son ajenos de belleza.
Ley de compensación: En este cuadro vemos que los personajes
de la izquierda (Horacios) compensan equilibradamente con las
damas de la derecha, mientras que en el centro se muestra a una
sola persona.

Ley de simetría: En esta fotografía
se puede ver que la línea central
divide el rostro humano en dos
lados guales.


La composición es la organización de los diversos
elementos de la obra, haciéndola legible y dándole
interés visual. El equilibrio y la interrelación de
líneas, masas, colores y movimientos, son otros
tantos aspectos de la composición.


Conocimiento 2

14. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 14



ELEMENTOS DE LA COMPOSICIÓN

Como ya se hizo referencia, los elementos de la
composición pictórica son unidades que están presentes
en las diversas disciplinas de las Artes Visuales.








A diferencia de las leyes, que se ocupan de la ubicación,
orden y equilibrio de las figuras; los elementos de la
composición se muestran concretamente como líneas,
colores, formas, etc.

1. LA LÍNEA: Es uno de los elementos de mayor
importancia, pues resulta ser la base del dibujo.
Geométricamente es la extensión considerada en una
sola dimensión, la longitud. Matemáticamente es
una sucesión de puntos.

















Todas las formas poseen un límite en su estructura,
ese límite está constituido por la línea. Sin embargo,
existen varias formas de representarla, puede ser
delineando los contornos con una línea de un
determinado grosor o simplemente evitando la línea
de contorno y produciendo el límite de las formas
empleando color o texturas.

Los elementos de la composición en las Artes
Visuales son unidades plásticas que poseen una
naturaleza espacial, constituyendo la estructura en
la que se basa el espacio plástico.


La línea curva sugiere belleza
y movimiento.

Existen dos formas de hacer
líneas en un espacio plano:

LÍNEAS
REGULARES: Son las
que están hechas con
la ayuda de
instrumentos. Se usan
en los dibujos
geométricos.
LÍNEAS
IRREGULARES: Son
las realizadas a mano
alzada. Son ideales
para representar
formas naturales.

Dibujo en el que la línea actúa
como el contorno de la forma.
La línea en este dibujo se evidencia
gracias al color y no como
resultado de un delineado formal.
En la composición, la línea, determina o
limita las figuras, dándole la forma a todo
cuanto se grafica.

15. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 15


PROPIEDADES DE LA LÍNEA

 Transmite su propia belleza.
 Divide o limita un espacio.
 Define las formas mediante el borde o símbolo.
 Atrae la visión por un camino determinado.
 Produce degradación tonal.
 Es el principio de la composición artística.
 Crea el diseño.

SIGNIFICACIÓN DE LA LÍNEA

Toda línea expresa ideas o sentimientos, los cuales
podemos enmarcar como connotaciones psicológicas de
la línea. Así tenemos:

SEGÚN SU FORMA Y ESTRUC TURA:

 LÍNEA RECTA: Sugiere rigidez y fuerza. Esta
puede ser vertical u horizontal, pero también:
 Inclinada: Produce inseguridad e inestabilidad.
 Quebrada: Se la interpreta como agitación y
nerviosismo.












LÍNEA CURVA: Sugiere gracia, belleza,
movimiento, alegría. También puede estar en
posición vertical, horizontal o inclinada y son las:
 Onduladas: Significa gracia, belleza y
conocimiento.
 Circulares: Implican unidad y conjunto.
 Curvas cerradas: Produce sensaciones de
movimiento, dinamismo, comunicación.
 Espirales: Tiene dos significaciones, impulso
ascendente y debacle descendente.
ESTUDIO DE LA
LÍNEA
FORMA Y
ESTRUCTURA: Si
partiendo de un punto,
la línea se mueve
siempre en la misma
dirección, da lugar a
una recta y, si cambia
constantemente de
dirección, origina una
línea curva.
POSICIÓN EN EL
ESPACIO: Al ubicarse
en el espacio puede ser
horizontal, vertical,
inclinada (con relación
al horizonte).
VALORACIÓN: El
grosor de la línea
indica su potencia
relativa y cuando este
valor es ascendente, o
decreciente indica una
acción.
RITMO: La sucesión
de líneas produce,
cuando tienen una
misma posición en el
espacio, una idea
predominante que
ayuda a reforzar el
tema.
RELACIÓN: Cuando
las líneas se relacionan
entre sí, pueden ser:
paralelas,
perpendiculares,
convergentes,
divergentes.
Diseño elaborado en base a
líneas rectas.
Dibujo que mezcla líneas rectas y curvas.

16. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 16


LÍNEA MIXTA: sugiere el significado de las dos
que la componen, o sea, belleza y rigidez. Las líneas
mixtas pueden ser:
 Estrellada: Sugiere violencia.
 Rectas cruzadas (equis): Denota agresividad,
intranquilidad y lucha.

SEGÚN SU POSICIÓN EN EL ESPACIO:
VERTICAL: Da la sensación de estabilidad,
firmeza, elevación, espiritualidad y solemnidad.
HORIZONTAL: Sugiere tranquilidad, reposo,
quietud, paz.

SEGÚN SU RELACIÓN:
PARALELAS: Indican alternancia permanente,
polaridad y equivalencia.
PERPENDICULARES: Sugieren posesión y
ubicación. Son aquellas que forman con otra línea o
un plano, un ángulo recto.
CONVERGENTES Y DIVERGENTES: Se las
interpreta como concentración o dispersión
respectivamente. Son las que se juntan en un mismo
punto o parten de este.

LAS LÍNEAS
SEGÚN SU
ESTRUCTURA
SEGÚN SU
POSICIÓN
SEGÚN SU
RELACIÓN
SEGÚN SU
VALORACIÓN


A B
RECTA

B D



A C QUEBRADA


A B
CURVA




MIXTA




HORIZONTAL





VERTICAL










INCLINADAS



PARALELAS





PERPENDICULARES





CONVERGENTES





DIVERGENTES









GRADACIÓN
VERTICAL







GRADACIÓN
HORIZONTAL
La posición vertical indica
solemnidad y firmeza como la
torre Eiffel.

17. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 17


2. EL COLOR: Es la impresión que produce en la
vista la luz reflejada por un cuerpo. La luz solar se
compone de siete colores elementales que
constituyen el espectro, y son: rojo, anaranjado,
amarillo, verde, azul, añil (índigo) y violeta.

Recuerde siempre que el ―negro‖ resulta de la
ausencia de toda impresión luminosa, y el ―blanco‖
se compone de todos los del espectro, por tanto éstos
no son colores.

USO DEL COLOR

Luego de realizar algunos dibujos creativos en los
que se ha empleado la línea en sus diversas
variedades, ha llegado el momento de darles color.
Inicialmente se puede usar el mismo lápiz de grafito
o lápices de colores.

Para obtener diversas tonalidades de un mismo color
se debe practicar la degradación de éste sobre
determinados espacios, para que ello resulte se
ejercer presión con el lápiz para obtener tonos más
oscuros y suavemente para tonos claros.

















Luego de realizar algunas prácticas de degradación
de color puede empezar a colorear sus dibujos.
Antes de hacerlo es recomendable delinear el gráfico
con ―finepen‖ u otro plumón de punta fina y,
después borre los trazos de lápiz, ya que podría
mancharse el color a aplicar.











B

Como se puede apreciar, en el cuadro ―A‖ hay una fragmentación
de color, como si éste se encasillara en ciertos recuadros, lo cual
no es conveniente, por eso en el cuadro ―B‖ se muestra como debe
trabajarse la degradación del color.

A
Fuente luminosa
natural
Sombra
proyectada
Sombra
propia
Penumbra
Zona
iluminada
Al incidir la luz sobre una forma se
producen sombras, por ello al
momento de pintar con
degradación de color se debe
considerar dónde está la fuente
luminosa.

En el dibujo superior se muestra
el color entero, mientras que en el
inferior hay degradación.

18. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 18



SIGNIFICACIÓN DEL COLOR

Cada color emite una sensación diferente, por ello se
dice que tienen la capacidad de comunicar un estado de
ánimo por sí mismo sin necesidad de pertenecer a alguna
forma determinada. Para estudiar esta cualidad de los
colores los reunimos en dos grupos:

COLORES CÁLIDOS: Son los que se asocian al
fuego y dan la sensación de calor. Estos son:
magenta, amarillo y anaranjado en sus diversas
tonalidades. Psicológicamente denotan alegría y
agresividad.

COLORES FRÍOS: Son los que se asocian al agua
y emiten la sensación de frío. Éstos son: cyán, verde
y violeta en sus diversas tonalidades y
combinaciones. Psicológicamente irradian tristeza y
depresión.
















A medida que vaya aplicando y experimentando con el
uso del color, usted podrá utilizar sus connotaciones
psicológicas para transmitir con mayor fidelidad sus
intenciones expresivas a través de una composición
artística. Algunos significados del color son:

 ROJO = Pasión, peligro, enojo
 MARRÓN = Enfermedad
 AMARILLO = Armonía, amor incondicional
 BLANCO = Pureza
 VERDE = Naturaleza, ecología
 NEGRO = Vacío, muerte
 AZUL = Libertad
 ROSADO = Amor
El dibujo de la izquierda ha sido pintado con colores fríos y el de la derecha con
los cálidos. Aquí se puede notar claramente el efecto contrario que produce el
color al ser aplicado, incluso, en una misma forma.
Diversas tonalidades de
colores cálidos.
Diversas tonalidades de
colores fríos.

FORMAS BÁSICAS
QUE COMPONEN EL
COLOR
Ningún color puede ser
considerado un valor
absoluto, de hecho los
colores se influyen
mutuamente si se
acercan. Los colores
tienen diferente realce
según el contexto en el
que se dispongan o se
encuentren.
Existen dos formas
compositivas del color,
armonía y contraste.
ARMONÍA: Es la
coordinación de los
diferentes valores que
el color adquiere en
una composición.
EL CONTRASTE: Es
cuando en una
composición los colores
no tienen nada en
común.

19. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 19


3. LA FORMA: Es la figura exterior de un cuerpo. Al
observar la naturaleza se verá que todo cuanto existe
posee una determinada estructura corpórea, es por
eso que se debe saber interpretarla para poder
plasmarla en un espacio plano.

Dibujar figuras geométricas como cuadrados
triángulos, rectángulos o círculos, resulta más
sencillo que hacer cubos, prismas, cilindros o esferas
Esto se debe a que las últimas poseen una dimensión
más en relación a las primeras. De este modo las
formas pueden percibirse de dos clases:

CLASES DE FORMA

a) FORMA BIDIMENSIONAL: Es aquella que
posee dos dimensiones (largo y ancho), por ende,
no existe en la naturaleza física y sólo puede ser
representada en un espacio plano.










b) FORMA TRIDIMENSIONAL: Esta clase de
forma es la que le corresponde a nuestra
naturaleza física, por lo tanto, la podemos hallar
en todo cuanto nos rodea. Como su nombre lo
indica la forma tridimensional posee tres
medidas o dimensiones (largo, ancho y altura) y
para representarla gráficamente en un espacio
plano se debe usar las clases de sombra pues
presentan volumen.












círculo
ancho
Vemos que estas formas básicas
cuentan con dos dimensiones e
incluso el color no presenta
degradación.



hexágono
largo

altura

La esfera es una forma
tridimensional que al ser
representada gráficamente debe
presentar zonas iluminadas y
sombras que figuren el volumen.

Al adicionar una dimensión más al
triángulo, cuadrado o círculo se
obtiene la pirámide, cubo y esfera.
Este gráfico posee una
dimensión más -en
comparación con la forma
bidimensional- la cual le
proporciona volumen. Para
que sea semejante a lo
natural se emplea el
elemento color produciendo
variaciones tonales por
efectos de la luz.



cuadrado
triángulo
ancho

largo

20. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 20


USO DE LA FORMA

La mejor manera de representar adecuadamente la forma
en un espacio plano, es mediante la práctica. El punto de
partida a esa labor sería el desarrollo de la capacidad
visual.

Es recomendable que practique observando y reteniendo
la estructura básica y geométrica de determinados
objetos de uso frecuente como vasos, jarras, libros,
botellas, etc. Posteriormente, aplicando el elemento
línea, dibuje la distribución del objeto empleando formas
bidimensionales (cuadrados, triángulos, círculos, etc.).

Una vez culminado este proceso se debe generar la
tridimensionalidad, primero mediante la línea y luego a
través del elemento color, es decir empleando la
degradación del color.


























La composición geométrica le permitirá no solo
diferenciar las clases de forma sino la perfecta
representación gráfica de los diversos elementos de la
naturaleza.
Uso de formas bidimensionales
para dibujar un bodegón.
Representación de formas
tridimensionales con la línea.
Representación de formas tridimensionales
mediante el color.
Para dibujar formas
tridimensionales se debe trazar
líneas de referencia para lograr
una perfecta simetría.
LA COMPOSICIÓN
GEOMÉTRICA
Es el método compositivo
mediante el cual se
reducen las formas de la
naturaleza a figuras
geométricas. Así por
ejemplo para dibujar una
botella se puede usar
rectángulos y ovoides.

21. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 21


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿Qué es la composición pictórica?
a. Es la agrupación de imágenes en un espacio plano.
b. Es la perfecta organización de elementos plásticos.
c. Es una forma de reunir elementos pictóricos.

¿Cuáles son las leyes de la composición?
a. Ley de oro, ley de simetría y ley de compensación.
b. Ley de oro, ley de equilibrio y ley de unidad.
c. Ley de simetría y ley de asimetría.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

¿Qué es la línea?
______________________________________________
____________________________________________

¿Qué es el color?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________

¿Qué características tiene la forma bidimensional?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________

¿Qué características tiene la forma tridimensional?
______________________________________________
______________________________________________
____________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) La ley de oro señala que se debe resaltar la
unidad de la variedad.
( ) La línea define las formas mediante el borde.
( ) La línea ondulada significa unidad y conjunto.
( ) El blanco y el negro son colores.
( ) El color rojo representa enojo, pasión y peligro.
( ) Una forma compositiva del color es la armonía.
( ) El cubo es una forma bidimensional.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Recorta diversas
figuras de periódicos o
revistas y pégalas en un
espacio determinado
considerando la ley de
oro.
Haz un dibujo
empleando únicamente
líneas rectas o curvas.
Lo puedes hacer con
lapicero de tinta líquida
o “finepen”.
Dibuja y pinta un
esquema para
diferenciar los colores
cálidos de los colores
fríos.
Dibuja y pinta con
témperas formas
bidimensionales y
formas
tridimensionales.
RECUERDA
Para pintar formas
tridimensionales debes
usar la degradación del
color, con lápices de
color dependerá del
grado de presión que se
ejerza, con la témpera
se debe mezclar el
color a degradar con
blanco y con acuarelas
se usa una mayor
cantidad de agua para
el color seleccionado.

22. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 22


Materiales no Convencionales

Ahora continuará aprendiendo del maravilloso mundo de
las artes plásticas, y es momento de poner en práctica lo
que hasta ahora ha aprendido. Para ello, debe identificar
y reconocer algunos materiales cuyo uso no es frecuente
en la creación de las artes visuales.

LOS MATERIALES NO CONVENCIONALES
La utilización de materiales como óleos, acrílicos,
témperas y acuarelas en la composición pictórica o
arcilla, mármol, madera y hierro en la composición
escultórica, está dentro de lo tradicional; por el contrario,
si se emplean vegetales, telas, huesos, alambres, botellas
de plástico o latas en la creación artística, se está usando
elementos no habituales y su uso en algunas obras podría
causar extrañeza.




















Algunos materiales no convencionales a los cuales puede
recurrir para crear obras artísticas son los siguientes, pero
recuerde que, es sólo una sugerencia ya que existen
muchos más:

- Telas
- Algodón
- Botellas de plástico
- Palitos de madera
- Huesos
- Metales
- Latas
- Alambre

Samuel Baroni (Venezuela)
El gran árbol, 1992
Ensamblaje en madera, tela,
cuerda y asfalto

“Calavera”. Obra del
grupo argentino
Mondongo, ellos usan
materiales no
convencionales
perecederos como galletas,
migas de pan, chicles,
caramelos… tratados con
una solución de resina
tóxica para evitar su
corrupción.
Escultura de alambre del artista
polaco Malgorzata Paszko.


Los materiales no convencionales son todos aquellos
elementos alternativos que por su plasticidad pueden
ser empleados para crear composiciones artísticas.




“Calavera”. Detalle

Conocimiento 3

23. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 23


CLASIFICACIÓN DE L OS MATERIALES
NO CONVENCIONALES

Para una mejor utilización de los materiales alternativos
o no convencionales es necesario reconocer su
procedencia. Así, se los puede clasificar en dos grupos:
los reciclables y los naturales.

1. MATERIALES RECICLABLES : Los productos
no convencionales pueden ser seleccionados a partir
de una conducta ecológica, es decir que pueden ser
almacenados y reutilizados, entre ellos están los
plásticos, vidrios, telas, algodón, cartón, palitos de
madera, latas, etc.



















A mediados de los años setenta se fraguó el
movimiento de ―arte povera‖, el cual se basa en la
utilización de materiales considerados ‗pobres‘, de
muy fácil obtención: como madera, hojas o rocas,
placas de plomo o cristal, vegetales, telas, carbón o
arcilla, o también materiales de desecho y, por lo
tanto, carentes de valor. La utilización de materiales
de desecho para crear obras de arte o piezas de
diseño, ha tenido su continuación en nuestros días,
utilizando materiales como CDs, envases PET,
vinilos, botones, fragmentos de bicicletas o cualquier
otro material reciclado. Algunos artistas que trabajan
con materiales procedentes del reciclaje son Tom
Deininger, Zac Freeman o Johnston Foster.
Una variante interesante del arte creado con materiales reciclables es el
que Eric Bartholomew vio en un mercadillo cerca de Chicago, consistente
en palos de escoba de madera humanizados y caracterizados como
personas con peines, chapas de cerveza, asas, cepillos y otros originales
objetos encontrados.
Existen obras de arte
hechas con los llamados
objetos encontrados,
también conocidos en
inglés como readymade
y, en francés, como objet
trouvé. Se trata de
objetos fabricados
originariamente para
usos concretos y
mundanos, ya sean
industriales, pensados
para el hogar, con fines
decorativos o recreativos,
pero que son
reconvertidos o
modificados en arte.

Marcel Duchamp es considerado el
creador del readymade con su
obra ―La Fuente‖ (la del famoso
urinario invertido) a principios del
siglo XX.

―Peter‖ – Zac Freeman, artista
norteamericano. Él construye
capas y capas de objetos
encontrados, compensaciones
emitidos y de la chatarra en
retratos cuyo detalle y sutileza sólo
surge con la distancia.

24. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 24


2. MATERIALES NATURALES : A diferencia de los
materiales reciclables, los materiales naturales
corresponden a todos aquellos recursos que ofrece la
naturaleza y que pueden ser utilizados en la
composición plástica. Así por ejemplo se pueden usar
hojas, arena, piedra, tintes naturales, etc.

Hay regiones en el Perú donde se ha utilizado
adecuadamente los recursos de orden natural para la
construcción arquitectónica. El Templo de
Pachacamac al Sur de Lima, citando un modelo, está
construido de adobe (ladrillo de barro mezclado con
paja) y a pesar del paso del tiempo y las condiciones
climáticas de la zona se conserva hasta la fecha.







































Los materiales naturales nos permiten producir
composiciones en base a aquellos recursos con los que
cuenta una determinada región, ya sean los materiales
ya antes citados e incluso su paisaje, clima, etc.

Aprovechar los recursos de la región implica
también utilizar todo cuanto ofrece la naturaleza
como medio geográfico. Pintar la belleza del mar no
es privilegio de todos los artistas -por el solo motivo
de vivir en la Sierra o en la Selva-; sin embargo,
ellos podrán pintar los hermosos nevados de la
Cordillera de los Andes o los enigmáticos bosques
tropicales de la Amazonía.

Las ciudades que están ubicadas en la Costa, como Mollendo, ofrecen a
los artistas la posibilidad de componer sus obras contrastando los
colores de su atmósfera y las aguas de su mar.
Vicuñas en la serranía peruana. Su
lana es aprovechada como un
inmejorable material para
elaborar textiles artísticos.
Calle tradicional en Cuzco.
Templo de Pachacamac en Lima.
Lago Sandoval en Madre de Dios.

25. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 25




UTILIZACIÓN DE LOS RECURSOS
NATURALES DE LA COMUNIDAD

En esta parte, vamos a dedicar un apartado especial a
Arequipa y en especial a uno de los recursos naturales,
puesto que no es el único, que mayor atención capta en
los pintores: el paisaje arequipeño. Al respecto, el artista
Jaime Estruch dice:

El paisaje arequipeño ha sido la máxima inspiración de
sus pintores. Ese paisaje puede interesar también al poeta
y al turista. Para que interese al turista debe tener
elementos excepcionales y "sui géneris" que no existan
en otro lugar. De hecho así es, el paisaje arequipeño es
único en el Perú desde el punto de vista de composición
del lugar.
Si revisamos la literatura local veremos que los poetas y
escritores han rivalizado para plasmar una idea de la
bella Arequipa. Cantan las níveas cumbres de sus
montañas, las cantarinas aguas del Chili, la policromía de
sus campos y la rutilante luz de su campiña.
El mejor captador del paisaje arequipeño es el pintor que
ha sabido plasmar en sus lienzos los rasgos típicos de ese
paisaje: la luz y el color.
El análisis crítico de esa pintura nos dice que la belleza
paisajista de Arequipa ha sido captada a través de su luz,
de su geología, del agro y del sillar.














Los extranjeros que han viajado mucho nos afirman que
no hay en el mundo una luz como la que existe en esta
zona de volcanes. Ese "eterno cielo azul" del himno
arequipeño es el elemento esencial de esa luminosidad.
El verdadero paisajista, tiene el compromiso de captar
esa luz si quiere ser auténtico pintor de Arequipa.
"Tiabaya". Técnica de acuarela de
Jaime Estruch. Aprovecha las
bondades naturales del lugar.
"Cayma". Otro típico paisaje
arequipeño. No sólo las formas
naturales como el volcán y la
vegetación son aprovechadas, sino
el clima y el tipo de construcciones.

La geología de
nuestro medio
telúrico es colosal,
grandiosa, atractiva
y siempre se
impondrá por esas
masas sobresalientes
que se llaman
Chachani, Misti y
Pichu-Pichu, telón
de fondo para un
paisaje
inconfundible de la
Ciudad Blanca.
"Calle de Arequipa". Óleo sobre
tela de José Malanca.

26. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 26


Cuando un arequipeño tiene invitados, los pasea por la
campiña como lo mejor que puede ofrecer, halagar el
espíritu y reposar su cuerpo. La luz del campo se
confabula para producir esa policromía de matices, sobre
todo en los verdes, geométricamente distribuidos en ese
inmenso tablero de las chacras bien delimitadas por
árboles, arbustos y bordos estrechos que señalan la
demarcación de propiedades.
Los pintores más representativos de Arequipa se han
ensañado para reproducir el unísono de un crepúsculo,
esos colores centelleantes y cambiantes que brindan
seducción para los auténticos impresionistas. La Ciudad
Blanca se llama así por su sillar sacado de la entraña de
la tierra y que constituye el músculo de su volcán. Las
viejas y tortuosas callejas de antaño, inspiradoras del
artista, están construidas con esa piedra blanca cuya
principal vena se halla en las vecinas quebradas de
Añashuaico.
Sabemos de la fascinación de un blanco en una acuarela
con la típica casita de sillar y con su techo torneado.
Se reprocha el abusar del tema de un Misti como tema
manoseado, pero, este majestuoso e imponente volcán
nunca estará de más en un auténtico paisaje arequipeño.
























En la repetición se puede producir las matizaciones de la
hora, de la estación del año y de los cambios lunares en
el paisaje local. Un día gris, un día de "nevada" se pinta
de diferente manera a la de un día luminoso de sol.
"Characato". Matices y colores
propios del lugar.
Arequipa ofrece variados temas
compositivos. Aquí se aprecia al
Chachani, uno de sus volcanes.
Interior del monasterio de Santa
Catalina. Acuarela de Yemy
Alemán. El estilo arquitectónico es
motivador de numerosas pinturas.
"Palomas". Yemy Alemán. Cada detalle del paisaje arequipeño,
inclusive su fauna, representa un motivo aprovechable a la pintura.
Aquí, por ejemplo, se ha recurrido a aquellas avecillas que se han
convertido en un atractivo más de la Plaza Mayor.

Dadas esas condiciones
climatológicas y la
circunstancia horaria,
difícilmente se repite el
impresionismo de un
paisaje de Arequipa.
Volcanes, sillar y
campiña, tres elementos
indispensables del
paisajismo arequipeño.

27. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 27


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

Las clases de materiales no convencionales son:
a. Materiales naturales y materiales artificiales.
b. Materiales reciclables y materiales naturales.
c. Materiales reciclables y materiales reutilizables.

¿Cuáles son algunos materiales reciclables?
a. Hojas, tintes naturales, arena, piedras, etc.
b. Plástico, vidrios, algodón, cartón, latas, etc.
c. Ladrillos, barro, arcilla, maderas, etc.

2. RESPONDE LAS SIGUIEN TES PREGUNTAS:

¿Qué son los materiales no convencionales?
______________________________________________
____________________________________________

¿Cuáles podrían ser algunos materiales reciclables?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________

¿Qué características tienen los materiales naturales?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________

¿En qué consiste el ready made?
______________________________________________
______________________________________________
____________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) Los materiales no convencionales propician una
nueva forma creativa de hacer arte.
( ) Son materiales reciclables los papeles y vidrios.
( ) Los materiales naturales implica el uso del paisaje
que ofrece una determinada región.
( ) Son materiales naturales las hojas, la arena, etc.
( ) La arcilla es un material natural no convencional.
( ) En los años 70 surgió el ―arte povera‖.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Selecciona un conjunto
de materiales
reciclados y clasifícalos
en diferentes frascos
para que puedas
elegirlos
adecuadamente en el
momento necesario.
Diseña gráficamente
una composición
plástica de tu
preferencia para que
realices
tridimensionalmente.
Elabora tu diseño
empleando los diversos
materiales que hayas
podido reciclar.
Selecciona materiales
naturales y siguiendo el
mismo procedimiento
anterior elabora una
obra personal.
RECUERDA
Para proteger tus
composiciones
plásticas debes cubrirlo
con una capa de
barniz, laca, u otro
material de
conservación. Además
es recomendable
elaborar tus
producciones sobre
una superficie que
sirva como base.

28. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 28



El Dibujo Básico


Del maravilloso mundo de las artes visuales, el dibujo es
sin duda la manifestación por excelencia, ya que es
considerado como el lenguaje gráfico universal, utilizado
por la humanidad para transmitir sus ideas, proyectos y,
en un sentido más amplio, su cultura.












También se puede decir que el dibujo es la técnica
gráfica basada en el uso de la línea. Se realiza
normalmente sobre papel, cartón, etc. Puede emplear el
color o prescindir de él. Para su trazado se utilizan
diversos instrumentos y materiales como el lápiz, carbón,
pluma, y otros. Que dan nombre a las diversas
modalidades.

FASES DEL DIBUJO

1. EL APUNTE: Es la primera fase para lograr un buen
dibujo. Consiste en trazar un conjunto de líneas y
puntos de ubicación respecto a las formas que se han
de graficar en el papel o cartulina.

2. EL BOCETO: Esta es la etapa en que gracias a los
apuntes ya tomados, se procede a definir y dar
estructura a las formas con sus respectivas sombras y
texturas. Así ya se tendrá las figuras más definidas y
listas para darles los detalles finales.

3. EL DIBUJO TERMINADO: Es el resultado de las
dos etapas anteriores. Es el dibujo ya culminado, con
todos los detalles y correcciones suficientes para
hacer de éste un trabajo lleno de calidad artística y
perfección.
Conocimiento 4

El dibujo es un signo gráfico que trata de sugerir
emociones estéticas, ya sea reproduciendo las
formas naturales o creadas por la fantasía (dibujo
figurativo), o bien valiéndose únicamente de
combinaciones, de líneas y manchas sin intención
limitativa (dibujo no figurativo).
―Autorretrato‖ (1512) de
Leonardo Da Vinci. Dibujo
realizado con tinta.
Dibujo de bodegón en la fase de
apunte.
Dibujo en la fase de boceto.
Dibujo en la fase terminada.

29. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 29



INSTRUMENTOS DE DIBUJO

Para realizar un dibujo artístico se requiere de una serie
de herramientas que son necesarias para la creación
gráfica.

1. EL LÁPIZ: Es una barra de grafito encerrada en un
cilindro o prisma de madera blanda. Según el grado
de dureza, los lápices se clasifican por números y se
acompaña de las letras H (del inglés hard =duro)
trazando líneas de color gris, B (del inglés black
=negro) trazando líneas de color negro y F (del inglés
firm=firme) que es un tipo intermedio.

2. EL PORTAMINAS: En dibujo lineal son
recomendables, más cómodos y limpios que el lápiz.
Son de plástico o metal y alojan en su interior la
mina, que es desplazada hacia afuera por un resorte.

3. LA GOMA: Se emplea para hacer desaparecer
trazos incorrectos, manchas o sobras. Por lo general
son blandas para no romper el papel, claras para no
mancharlo y flexibles.









4. LA REGLA: Se utiliza para medir longitudes y
llevar cotas al plano. Conviene que sea de plástico y
de la mejor calidad. Las hay de diferentes medidas
(30 cm, 60 cm, etc.). El escalímetro es una regla
especial, generalmente de forma triangular, aunque
también los hay planos. El triangular, el más usado,
tiene tres caras y en cada una, una escala.

5. LA ESCUADRA Y EL CARTABÓN: El juego de
escuadra (45°-45°-90°) y cartabón (30°-60°-90°)
constituye el principal instrumento de trazado que
acompaña al lápiz. Deben ser también de plástico y,
aunque pueden estar graduadas, no es conveniente,
ya que para medir se debe utilizar la regla. Se utilizan
para trazar líneas rectas, paralelas o que formen
diferentes ángulos entre sí.
Representación circular de los
valores del lápiz según su dureza
(9H-9B)

Los lápices de mina
blanda son los mejores
para trabajos de
sombreado y para
cuando sea preciso un
trazo de distintos
gruesos, un trazo blando
y dúctil. Es decir, son
apropiados, en general,
para el dibujo artístico.
Los lápices de mina dura
son los adecuados para
trabajos de delineación y
dibujó industrial. Su
trazo es gris, de perfil
seco y limpio.
La goma también permite resaltar los brillos en los dibujos pasándola
por los sitios más blancos, como en el caso del dibujo de la derecha.
La pluma estilográfica es un
instrumento de dibujo, que
contiene un depósito de tinta
líquida compuesta principalmente
de agua. La tinta se queda en este
depósito gracias a la presión
atmosférica hasta que es utilizada.

30. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 30



TÉCNICAS DE DIBUJO

Al momento de hacer uso de algún instrumento de dibujo
como los lápices, la tinta, los lápices de color, etc. se está
ejecutando una determinada técnica.
Entre las principales técnicas que puede ir practicando
están las siguientes:

1. DIBUJO A LÁPIZ: Los lápices están hechos de un
material que se llama grafito. El grafito es lo que
pinta. El grafito lo mezclan con arcilla. Si tiene
mucha arcilla el lápiz pinta clarito y si tiene poca
arcilla pinta obscuro. A los lápices que tienen mucha
arcilla se les llama duros y a los que tienen poca
suaves o blandos.








2. DIBUJO AL CARBONCILLO: Permite la
realización de una extensa gama de tonos que
abarcan desde los más sutiles grises a los negros más
profundos. Proveniente de la madera carbonizado del
bonetero, su polvo es muy inestable; esto representa
una gran cualidad, es muy fácilmente manipulable y
permite la realización de degradados tonales frotando
con el dedo, trapo o difumino.

3. DIBUJO A LA TINTA: Generalmente, como ya
sabe, se utiliza la tinta china, que puede ser aplicada
con plumas, pinceles o bolígrafos. Sea cual fuere el
instrumento utilizado, se está aplicando una técnica
específica: dibujo a la pluma, al pincel, a pincel seco,
a pluma y pincel, etc. Cuando se mezcla con agua se
suele llamar técnica de aguada.

4. DIBUJO DE SANGUINA: La sanguina es una
técnica pictórica basada en una variedad de óxido
férrico llamada hematites, que se presenta bajo la
forma de polvo, barra o placa. Puede tener distintas
tonalidades, todas ellas en la gama del rojo -de ahí su
nombre, ya que recuerda a la sangre-, desde el rojo
anaranjado hasta el rojo pardovioláceo. Ha sido
usada por artistas como Leonardo da Vinci.
Dibujo en la técnica de lápiz.
Dibujo en la técnica de carboncillo.
Dibujo en la técnica de tinta china.
Dibujo en la técnica de sanguina.
Para dominar la técnica se debe obtener degradaciones de color
presionando con mayor o menor intensidad el lápiz.

31. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 31

CLASES DE DIBUJO

Los dibujos se pueden clasificar según diversos criterios.
Si se trata de la representación, los dibujos se clasifican
en:

1. DIBUJO LINEAL: Generalmente se tratan de
imágenes compuesta por líneas sólidas y en un sólo
tono. Se puede conseguir diferentes variaciones
lineales a través de sombreados usando líneas más
anchas y de tamaños diferentes. Este tipo de dibujo
suele resaltar de cualquier otro por ofrecer una
imagen más clara y con la información básica.
















CÓMO HACER DIBUJOS LINEALES

En dibujo, cuantos menos puntos de referencia claros
haya en la imagen más difícil será. Es decir, el dibujo se
realiza con medidas en el espacio que vamos tomando
con la vista y a veces con ayudas como cuadrículas o
reglas. Si los puntos de apoyo visual no son más
parecidos a una cuadrícula recta, si son formas curvas,
inclinadas y desequilibrios, entonces a la vista le cuesta
más. Los temas con rectas como un edificio sencillo
pueden ser más fáciles de dibujar gracias al orden u
estructura que poseen. La vista no se marea tanto
midiendo el espacio entre las formas.
Por lo tanto, lo primero que debe hacer siempre antes de
atreverse con un dibujo, va a ser observar bien el
modelo. Mirar qué puntos pueden servirnos como apoyo
visual para a partir de esos puntos ir midiendo la
colocación del resto de elementos.
Dibujo de Alberto Durero.
Distribuye las líneas en su sitio,
más en la ropa, menos en las zonas
de luz. Encaje perfecto con un
trabajo ágil.
Mediante el dibujo lineal se tiene una concepción concreta de cada
forma o estructura que compone una figura.
Siguiendo las fases del dibujo se
pueden lograr dibujos lineales con
mayor proporcionalidad.
3

32. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 32



2. DIBUJO GEOMÉTRICO: Es la representación
delineada, acotada y proporcionada de un objeto
existente o proyectado, de manera que resulte
perfectamente definido en un lenguaje normalizado
universal. Consiste en la representación gráfica
exacta de un objeto o una idea práctica.



















El dibujo geométrico es utilizado para el trazo de las
figuras de geometría elemental, descriptiva y
analítica; la perspectiva ordinaria, cortes de objetos,
croquis, esquemas, planos; representar topografías,
trabajos de ingeniería, edificios y piezas de
maquinaria. Esta representación se guía por normas
fijas y preestablecidas para poder describir de modo
exacto y claro, dimensiones, formas, características y
la construcción de lo que se quiere reproducir.









Cabe recordar que para realizar dibujos geométricos
se deben emplear instrumentos de medición.
Construcción del pentágono:
1. Teniendo el segmento AB, se
traza una línea perpendicular en la
mitad, luego se proyecta el punto N
empleando un compás colocando la
punta sobre B.
2. Con centro en M y radio MN, se
traza un arco hasta formar el
punto O a la altura de AB.
3. Con un radio AO partiendo de
los puntos A y B, se trazan arcos
que se cortan en el punto D.
4. Desde el punto D, se traza un
arco de radio AB, cortando a los
arcos y creando los puntos E y C.
Para diseñar la figura final, se procede así: 1. Se traza un círculo a partir
de la recta AD a cuya mitad se traza una recta vertical. Luego se trazan
dos arcos con el mismo radio de la circunferencia desde los puntos A y D
formando B, C, F y E. 2. Se unen los puntos formados obteniendo el
hexágono. 3. Se trazan líneas rectas uniendo los puntos BDF y ACE. 4. Se
trazan triángulos más pequeños proporcionales. 5. Se borran algunos
trazos y se obtiene la estrella hexagonal.
La estrella pentagonal. Para realizar este diseño se parte de la
construcción de un pentágono (tal como se muestra en los gráficos de la
izquierda). Primero se trazan líneas uniendo los ángulos y luego desde
cada ángulo externo hacia los internos. Finalmente se delinea la figura y
se pinta según la muestra.

33. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 33


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿Cuáles son las clases de dibujo?
a. Dibujo lineal y dibujo geométrico.
b. Dibujo básico y dibujo geométrico.
c. Dibujo a lápiz, dibujo a carboncillo, etc.

¿Cuáles son instrumentos de dibujo?
a. Lápiz, sanguina, tinta, carboncillo, colores.
b. Regla, escuadra, cartabón, estilógrafo.
c. Pincel, paleta, agua, lienzo, cartulina.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREG UNTAS:

¿Qué es el dibujo?
______________________________________________
____________________________________________

¿Cuáles son las técnicas de dibujo?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________

¿Qué diferencia hay entre la escuadra y el cartabón?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________

¿Qué diferencias hay entre el dibujo lineal y el
geométrico?
______________________________________________
______________________________________________
____________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) Las fases del dibujo son apunte, boceto y dibujo
terminado.
( ) Son instrumentos de dibujo la regla y la goma.
( ) El dibujo geométrico se realiza a mano alzada.
( ) El apunte el acabado final del dibujo.
( ) Los lápices blandos son mejores para sombrear.
( ) Los lápices H tienen un trazado gris.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Realiza trazos lineales
con diversas formas
regulares o irregulares
sobre hojas de papel
bond.
Realiza degradaciones
de color empleando
lápices blandos.
Realiza un dibujo
lineal copiando algún
modelo impreso y
siguiendo las fases del
dibujo.
Realiza un dibujo
copiando un modelo
real siguiendo las fases
del dibujo.
Realiza los diseños
geométricos
presentados en el
capítulo
correspondiente.
RECUERDA
Para realizar dibujos
geométricos debes
emplear los diferentes
instrumentos de
medición como la
regla, la escuadra, el
cartabón, etc.
Así mismo, es
recomendable usar
lápices duros pues
serán más fáciles de
borrar y ofrecen un
trazo fino.

34. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 34




Estudio Básico del Color

Para estudiar el color, recuerde que es un elemento de las
artes visuales y que está determinado por la percepción
visual, por lo tanto se debe analizar ciertas características
de la visión.








PERCEPCIÓN DEL COLOR

En la retina del ojo existen millones de células
especializadas en detectar las longitudes de onda
procedentes de nuestro entorno. Estas células
fotoreceptoras, conos y los bastones, recogen parte del
espectro de la luz y, gracias al ―efecto fotoeléctrico‖, lo
transforman en impulsos eléctricos, que son enviados al
cerebro a través de los nervios ópticos, para crear la
sensación del color.














Cuando el sistema de conos y bastones de una persona
no es el correcto se pueden producir una serie de
irregularidades en la apreciación del color, al igual que
cuando las partes del cerebro encargadas de procesar
estos datos están dañadas. Esta es la explicación de
fenómenos como el Daltonismo. Una persona daltónica
no aprecia las gamas de colores en su justa medida,
confundiendo los rojos con los verdes.
La imagen formada en la retina es
plana, en 2 dimensiones. Vemos
imágenes en 3 dimensiones por la
separación de aproximadamente 6
cm. de nuestros ojos.

El Color es la impresión producida al incidir en la
retina los rayos luminosos difundidos o reflejados
por los cuerpos.
Conocimiento 5
Los conos son los responsables de la visión del color y se cree que hay tres
tipos de conos, sensibles a los colores rojo, verde y azul, respectivamente.

COLORES FRÍOS Y
CÁLIDOS
Se denominan colores
cálidos a aquellos que
"participan" del rojo o
del amarillo y fríos a los
que lo hacen del azul.
Ambos tipos de colores
tienen efectos
"sicológicos" diferentes,
pero por lo que resultan
interesantes para el
maquetista es porque
contrastan muy bien y su
combinación resalta el
trabajo de pintura.
Tomando, en el sentido
de las agujas del reloj,
los colores del gráfico
mostrado arriba, desde el
amarillo verde al violeta
rojo (ambos incluidos),
obtendremos los fríos. El
resto serán,
evidentemente, los
cálidos.

35. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 35



MODELOS DE COLOR

Recordemos que un ojo humano normal posee solo tres
tipos de conos receptores, y que estos responden a
longitudes de onda específicas de luz roja, verde y azul,
por lo tanto podemos inferir que los colores primarios
son estos: rojo, verde y azul, y podemos identificarlos
como los colores primarios en la luz.

Ahora, si tenemos una sustancia (pigmento) que no emita
luz, la luz blanca del ambiente incidirá en el pigmento, el
cual absorbe ciertas longitudes de onda y refleja otras,
dando como resultado el color aparente de la sustancia (o
pigmento).










1. SÍNTESIS ADITIVA: Los colores producidos por
luces (en el monitor de nuestro computador, en el
cine, televisión, etc.) tienen como colores primarios,
al rojo, el verde y el azul (RGB) cuya fusión crea y
compone la luz blanca, por eso a esta mezcla se le
denomina, síntesis aditiva y las mezclas parciales de
estas luces dan origen a la mayoría de los colores del
espectro visible.

2. SÍNTESIS SUSTRACTIVA: Los colores
sustractivos son colores basados en la luz reflejada
desde los pigmentos aplicados a las superficies.
Forman esta síntesis sustractiva, el color magenta, el
cian y el amarillo. Son los colores básicos de las
tintas que se usan en la mayoría de los sistemas de
impresión, motivo por el cual estos colores han
desplazado en la consideración de colores primarios a
los tradicionales.
Mezcla aditiva. Colores luz (la suma
es blanco)
Mezcla sustractiva. Colores pigmento
(la suma es negro)
Imagen a todo color empleando la
síntesis sustractiva.
Capa magenta (sustrae el verde).
Capa cian (sustrae el rojo).
Capa amarilla (sustrae el azul).
El proceso de reproducción aditiva
utiliza luz roja, verde y azul para
producir el resto de colores.
Valiéndose de una lámpara y un
prisma, Isaac Newton en 1704
experimentó a través de la
ejecución blanca sobre un prisma y
esta se separó en un arco iris de
varios colores.

36. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 36


EL CÍRCULO CROMÁTICO
La forma en que se clasifican los colores según su
relación de armonía se llama círculo cromático. Aquí se
ubican a los colores según su naturaleza y
combinaciones:














1. COLORES PRIMARIOS : magenta, amarillo y
cian. Los utilizados para la impresión.
2. COLORES SECUNDARIOS : verde, violeta y
naranja. Los colores secundarios se obtienen de la
mezcla en una misma proporción de los colores
primarios.
3. COLORES TERCIARIOS : Consideramos como
colores terciarios: rojo violáceo, rojo anaranjado,
amarillo anaranjado, amarillo verdoso, azul verdoso
y azul violáceo. Los colores terciarios, surgen de la
combinación en una misma proporción de un color
primario y otro secundario.









El Círculo Cromático es la disposición de colores según su naturaleza,
aquí se muestran los colores empleados por los pintores basándose en
la síntesis sustractiva.

En el círculo cromático están dispuestos los colores
de modo que el que está al frente, es el color
complementario. Los que están hacia los lados, son
los colores análogos. Del mismo modo se puede
identificar a los colores cálidos y fríos trazando una
línea que lo divida en dos, desde el amarillo verdoso,
al rojo violáceo.
Obra de la artista Checa Martina
Shapiro. Se observa que
predomina el uso de colores
primarios en su composición.
PRÁCTICA PARA OBTENER
COLORES SECUNDARIOS:
Dibuje seis rectángulos que se
intersecten (tal como se muestra
arriba). Pinte los espacios sólo
empleando cian magenta y
amarillo.
Cian Amarillo
Magenta Amarillo
Magenta Cian
En 1790, Goethe creó un círculo
cromático en acuarela con los tres
colores primarios – amarillo puro,
azul ultramar y un aclarado tono
púrpura –, junto con sus
complementarios.

37. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 37


COLORES COMPLEMENTARIOS,
ANÁLOGOS Y MONOCROMOS

Al trabajar con colores, éstos pueden contrastarse o
situarse al lado o encima unos de otros. Cuando esto
ocurre, se producen efectos visuales que destacan o
disminuyen la intensidad (tono) de algunos.
Así, por ejemplo, cuando situamos un color de tono claro
(amarillo verdoso) sobre un fondo blanco parecerá más
"suave" de lo que realmente es, mientras que si lo
ubicamos sobre el negro aparentará ser más "intenso".

Pero también existen parejas de colores denominados
complementarios, entre los que no se producen estos
efectos visuales, ayudando al "artista" a obtener el efecto
visual de "tono" deseado.

1. LOS COLORES COMPLEMENTARIO S: son
aquellos colores diametralmente opuestos en el
círculo cromático, que al mezclarlos entre sí, se
neutralizan y al yuxtaponer se potencializan.









2. COLORES ANÁLOGOS: Se utilizan de manera
adjunta y producen una sensación de armonía. Son
aquellos colores que tienen un tinte en común. Por
ejemplo:






3. COLORES MONOCROMÁTICOS: Al utilizarlos
producen una sensación de unidad y estabilidad se
pueden usar con diferente intensidad (más claro o
más oscuro).



El complementario de un
color primario es siempre
uno secundario.
El complementario de un
color terciario es siempre
otro terciario.
Composición en base a colores
complementarios (amarillo –
violeta).
Composición en base a colores
análogos al amarillo.
Composición monocroma, se usa
como base al cian.

38. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 38


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿Cuáles son los modelos de color?
a. Síntesis primaria y secundaria.
b. Síntesis aditiva y síntesis sustractiva.
c. Colores primarios secundarios y terciarios.

¿Cuáles son los colores secundarios?
a. Cian magenta y amarillo.
b. Verde, violeta y naranja.
c. Azul violáceo, verde anaranjado y rojo violáceo.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

¿Qué es el color?
______________________________________________
____________________________________________

¿Cómo se percibe el color?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________

¿Qué características tiene el Círculo Cromático?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________

¿Qué características hay entre los colores
complementarios, análogos y monocromáticos?
______________________________________________
______________________________________________
____________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) Los colores primarios son cian, magenta y
amarillo.
( ) De la mezcla de primarios se obtienen terciarios.
( ) El negro se obtiene mezclando los primarios.
( ) La luz blanca comprende a todos los colores.
( ) Los primarios aditivos son los que usan los
artistas para pintar sus cuadros.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Construye tu propio
círculo cromático
empleando témperas y
siguiendo los siguientes
pasos:
a. Dibuja en una
cartulina un círculo
y divídelo con líneas
rectas en 12
espacios iguales.
b. Prepara los
diferentes colores
en una paleta de
mezcla y pinta los
espacios según el
orden que se
muestra en la
página anterior.
Realiza prácticas de
mezcla de colores
primarios y pinta una
composición personal.
RECUERDA
Tradicionalmente se
presentan como colores
primarios al rojo, azul
y amarillo, por lo tanto
en las témperas
escolares no están el
cian ni el magenta por
lo que es recomendable
realizar algunas
mezclas para acercarse
a estas tonalidades y
poder obtener los
secundarios y demás.

39. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 39




Técnicas Creativas

La creatividad es parte fundamental del arte, de ella
depende la originalidad que el artista plasma en sus
creaciones. Una producción artística creativa está basada,
pues, en los principios y conocimientos compositivos
que se ha adquirido, los cuales se suman a la
expresividad y predisposición o actitud artística.

Ahora aprenderá una serie de técnicas plásticas que
requieren de mucha creatividad para que se obtengan
resultados fantásticos, para ello las desarrollaremos en
dos grupos: las técnicas creativas bidimensionales y las
técnicas tridimensionales.

TÉCNICAS BIDIMENSIONALES

Reciben este denominación porque se realizan en un
espacio plano de dos dimensiones (largo y ancho). Entre
ellas tenemos a las siguientes:

1. LA DACTILOPINTURA: El término dáctilos es un
vocablo griego que significa ―dedos‖ lo cual supone
en que consiste esta técnica. Utilizar los dedos y las
manos para pintar favorece el desarrollo de la
sensibilidad visual, táctil y kinestésica; la motricidad
fina, la coordinación visomotora, la expresión y la
creatividad.













Aunque hablamos de ―pintar con los dedos‖ o de
―dactilopintura‖, esta técnica puede desarrollarse
empleando: las palmas de las manos, los dedos, las
uñas, el canto de la o las manos, los nudillos, los
codos, los antebrazos y los pies.
Cristobal Ortega nació en Quito el
24 de octubre de 1965, es un artista
plástico que revolucionó el arte de
la dáctilopintura. Pinta cuadros
empleando sólo sus manos en unos
cuantos minutos.
Conocimiento 6
La dactilopintura motiva la creatividad pictórica.
Diseño creativo de dactilopintura a
partir de huellas de la mano con
témperas sobre papel.

La creatividad,
pensamiento original,
imaginación
constructiva,
pensamiento divergente o
pensamiento creativo, es
la generación de nuevas
ideas o conceptos, o de
nuevas asociaciones
entre ideas y conceptos
conocidos, que
habitualmente producen
soluciones originales.

40. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 40


2. EL ESTARCIDO: También llamado esténcil (del
inglés stencil) es una técnica artística de decoración
en que una plantilla con un dibujo recortado es usada
para aplicar pintura, lanzándola a través de dicho
recorte, obteniéndose un dibujo con esa forma.










Una de las formas más usuales de hacerlo es
recortando la imagen deseada sobre una hoja de
papel duro; el dibujo aparece como un espacio
abierto con zonas sólidas alrededor. La plantilla así
obtenida se sitúa sobre una nueva hoja de papel y se
aplica la pintura sobre toda la superficie. Las zonas
de pintura que llegan a la hoja inferior quedan
limitadas a la forma de los huecos de la plantilla,
creando así la imagen deseada.

















Si bien el proceso de estarcido se utilizaba ya en la
antigua Roma, alcanzó el mayor grado de
popularidad en Estados Unidos durante los años
sesenta, cuando muchos artistas utilizaban como
medio de expresión los colores puros y las imágenes
de contornos marcados.
Parte recortada que
se desecha
Plantilla útil. Diseño acabado.
Plantilla para realizar un
estarcido. Se cala la cartulina luego
de realizar un dibujo y se procede
a pintar una base de papel. Se
pueden emplear diferentes colores
según la creatividad del artista.
Manos estarcidas con una especie
de aerógrafo de hueso, en la Cueva
de las Manos, río Pinturas
(provincia de Santa Cruz,
Argentina), c. 7350 a. C.
Al calar las plantillas se debe
proceder con mucho cuidado
empleando un cutter o cuchilla.
Además para evitar dañar la mesa
de trabajo se debe poner un cartón
o vidrio.
Puedes diseñar tu propio estarcido
empleando una foto personal.

41. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 41


3. EL ESGRAFIADO: Esta técnica decorativa consiste
en hacer incisiones sobre el cuerpo de un soporte, de
manera de descubrir una capa inferior de otro color.
Generalmente se utilizan plantillas para obtener
patrones geométricos.
El término proviene del italiano sgraffiare, es decir,
hacer incisiones o rascar con una herramienta
especial llamada grafio.

La técnica de esgrafiado, muy por el contrario de lo
que se cree, puede resultar muy sencilla y da la
posibilidad de crear verdaderas obras de arte muy
coloridas con unos pocos elementos y como siempre,
la ayuda de la creatividad e imaginación.
Generalmente en la escuela se suele emplear
crayones y témperas o tinta china, por lo tanto se hará
un procedimiento sencillo:

a) Pinte el soporte escogido con los crayones de
colores, cubriendo todo el soporte de distintos
colores.






b) Una vez pintada toda la hoja, cubra toda la
superficie con témpera negra, tapando los colores
que hay debajo.






c) Cuando este cubierta la cartulina se debe esperar
que la témpera seque unos minutos. Luego se
puede comenzar a esgrafiar, escogiendo cualquier
elemento punzante. La idea es levantar la témpera
negra descubriendo el color que hay debajo.
Puedes dibujar con clips, tenedores y espátula.

d) Otra opción en lugar de utilizar témpera negra
para cubrir, consiste en utilizar crayón negro o
tinta china, repitiendo el proceso anterior.
Son múltiples los diseños que se
pueden conseguir aplicando esta
técnica.
La técnica del esgrafiado favorece
el desarrollo del dibujo lineal.
Esgrafiado con crayones y témpera
de Margarita Espertino.
El grosor así como el movimiento
de la línea influye mucho en el
resultado final. Recuerde que
puede usar diferentes objetos
punzantes para conseguir los
efectos que se proponga.

42. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 42



TÉCNICAS TRIDIMENSIONALES

Estas técnicas tienen por característica el volumen, es
decir que corresponden básicamente a la escultura. Su
elaboración requiere, por lo tanto, materiales maleables
de diversos tipos.

1. EL MODELADO: Es una técnica de escultura que
consiste en la creación de una representación o
imagen de un objeto real. Modelar es dar la forma
deseada a una pasta, añadiendo o sacando porciones
de la masa. Se puede modelar empleando los
siguientes materiales dúctiles:

a) ARCILLA: Surge de la descomposición de rocas
con contenido en feldespato a lo largo de miles de
años. Presenta diversas coloraciones según las
impurezas que contiene, desde el rojo anaranjado
hasta el blanco cuando es pura. Se caracteriza por
adquirir plasticidad al ser mezclada con agua, y
también sonoridad y dureza al calentarla por
encima de 800 °C.









b) CERA: La cera se modela como material auxiliar
para la realización de bocetos, estos sirven al
escultor ya sea como guía para visualizar su obra
final en otro material, o como matriz para el
vaciado posterior en bronce. Más recientemente
se ha utilizado para la creación de personajes que
se exponen en numerosos museos de cera.

c) PLASTILINA: Se modela con las manos o
pequeñas espátulas, prácticamente igual que la
cera, y sirve como boceto para la obra
escultórica. La plastilina encuentra también un
lugar destacado en animación. Nick Park es un
promotor de su uso, que ganó dos premios Óscar
con los cortometrajes de Wallace y Gromit
(1992-1995).
Normalmente para el trabajo de
las esculturas en arcilla, muchas
culturas utilizaron las mismas
técnicas que para la alfarería, con
rollos, placas o tubos de arcilla.
Escultura de cera de los personajes
de la película ―Vengadores‖ en el
Museo Madame Tussauds de la
ciudad de Nueva York.
Algunos instrumentos que ayudan en el modelado son las espátulas,
las estecas, raspadores, hilo de cortar y rodillo.
Personajes principales del
cortometraje ―Wallace y Gromit‖.
Diseños realizados con plastilina.

Algunas técnicas de
modelado son: el
modelado directo, el cual
se hace empleando las
manos y con algunos
instrumentos; la
alfarería, que consiste en
la construcción de la
pieza valiéndose del uso
del torno, y; la moldería,
que emplea moldes de
yeso.

43. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 43



MODELADO DIRECTO CON ARCILLA

En esta técnica el bloque de arcilla, en estado húmedo, es
modelado en forma directa con las manos y con la ayuda
de estecas, herramientas de madera o metal con diversas
formas. Gracias al carácter sensible que posee la arcilla
podemos realizar en ella cualquier tipo de impresiones
sobre la superficie de la pieza.

Para el presente diseño, puede utilizar una bolsa de
arcilla roja o blanca preparada y deberá seguir los
siguientes pasos:

a) Amasar una buena cantidad de arcilla para evitar que
haya globos de aire interno, lo puede hacer con las
manos o empleando un rodillo u otro semejante.






b) Forme varias esferas y demás piezas según se
muestra en el gráfico, para ello puede emplear la
palma de la mano y la superficie de la mesa.






c) Una las diferentes formas guiándose de la muestra,
para unir las piezas debe emplear barbotina, que es
un concentrado de tres cantidades de agua por una
de arcilla, puede utilizar los dedos humedeciendo
ambas piezas a pegar.






d) Los detalles lineales se realizan con estecas u otros
elementos parecidos. Una vez concluido se debe
dejar secar por una semana o llevarlo al horno
cerámico y posteriormente puede ser barnizado o
pintado.
Diseño básico para empezar el
modelado en arcilla. Se debe
realizar cada una de las piezas y
luego pegarlas empleando la
técnica de la barbotina.
Se debe amasar correctamente la
arcilla con el fin de evitar globos
internos de aire.
Puede ayudarse de una base para
modelar esferas y otras formas.
En el presente diseño hay piezas
planas, para ello debe hacer
primero las esferas para los ojos y
el hocico, luego debe aplanarlas y
recién pegarlas.
Los instrumentos básicos para
modelar son las estecas que pueden
ser hechos con palitos de chupete.

44. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 44



MODELADO DIRECTO CON PLASTILINA

Ahora cambiamos de material y vamos a utilizar
plastilina para hacer un diseño más complejo. Para ello
se necesita plastilina de diversos colores que también
pueden obtenerse mezclando dos colores primarios.
Los instrumentos son semejantes al modelado con arcilla
y no requieren mayor especialización.

a) Teniendo el color de la piel (se puede mezclar
blanco con rojo), se hace una esfera y se la va
alargando, luego se hace una forma cilíndrica y se
unen para formar el cuello y el cráneo.

b) Se van añadiendo pequeñas cantidades para obtener
volúmenes en el rostro ya sea para la frente, la
barbilla, los pómulos, etc.







c) Seguidamente se modela una nariz y se la pega
donde corresponde, se sigue añadiendo masa hasta
obtener una forma adecuada.

d) Para la boca, se coloca una tira de color blanco para
los dientes, se los detalla con algún instrumento.
Luego se pegan los labios con un tono más rosado.








e) Los ojos se hacen colocando formas blancas de base
y encima círculos oscuros para el iris y las pupilas.
Se colocan tiras arriba y abajo para los parpados.

f) Con plastilina negra se pegan tiras para las cejas y se
crean detalles logrando que se mezcle con el color
piel. Se aplican otros detalles de negro y finalmente
el cabello. Los lentes se modelan por separado.
Diseño en plastilina a colores.
Puede ser de busto o cuerpo
entero.
Primera fase del diseño.
Se añaden formas para los detalles.

45. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 45



2. EL TALLADO: Es otra técnica escultórica que
consiste en desbastar el material seleccionado (piedra
o madera), dándole la forma deseada. Para iniciarse
en este campo se puede recurrir a algunos materiales
fáciles de tallar como el jabón:

a) MADERA: Su función es básicamente
decorativa lográndose producir verdaderas obras
de arte empleando unos pocos instrumentos.
Entre ellos se puede mencionar a las gubias,
formones, mazos y prensas. De preferencia la
madera debe ser dura para obtener un mejor
acabado, por ejemplo el nogal, el cedro, etc.










b) JABÓN: Es sin duda uno de los materiales más
sencillos para iniciarse en el campo de la
escultura. Su particularidad radica en la facilidad
para desbastar el material e incluso se puede
emplear agua para alizar la superficie. Se puede
emplear desde jabones para ropa hasta jabones de
tocador en barra.








c) TUBÉRCULO: Al igual que el jabón, se puede
aprovechar algunos tubérculos como la papa o el
camote para tallar algunos diseños sencillos.
Actualmente se emplea este tipo de escultura para
decorar algunos platos gastronómicos.
Modelo sencillo de talla en madera.
Escultura de bulto redondo.
La madera se puede tallar en relieve, es decir sobre la superficie
de esta. El acabado será tanto en alto como bajo relieve.
Con un toque de creatividad se pueden lograr excelentes diseños
con el jabón.
Las principales herramientas para
el tallado de madera son las
gubias, los formones, las cuchillas
y el mazo.
Para tallar en jabón artesanal se
emplea básicamente las cuchillas
como instrumento de desbaste.
Para empezar debe practicar con
modelos sencillos en relieve.
Cualquier trozo de madera es útil
para empezar a demostrar su
destreza en el tallado.

46. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 46



TALLADO EN MADERA

Para poner en práctica esta técnica deberá contar con los
instrumentos adecuados y un trozo de madera:

a) Seleccionar un trozo de madera de unos 20 x 15 cm
y 2 cm de espesor. Hacer un dibujo en una hoja de
papel y luego traspasarlo a la madera. Considere
dejar un espacio de 1 cm en el borde la madera.







b) Empleando una gubia de punta se empieza
delineando la figura y luego con una gubia de media
caña debe desbastar de afuera hacia dentro. El borde
debe permanecer intacto.

c) Al tallar los pétalos, se debe evitar cortar el círculo
central pues debe ser el referente de nivel.








d) Una vez culminado el tallado se debe suavizar con
un lija fino y luego se puede barnizar. Para darle una
mayor utilidad al trabajo se le puede añadir armellas
para que se pueda colgar objetos.

TALLADO EN JABÓN

a) Seleccionar un jabón de tocador en barra de
cualquier color y dibujar un círculo central con la
punta de una gubia o un cuchillo. Luego se marca
los pétalos y se raspa por fuera del dibujo.

b) Se continúa raspando hasta lograr la forma deseada.
Para alisar los bordes se puede emplear agua y se
frota con los dedos o simplemente raspando con el
cuchillo siguiendo la veta del jabón.
Una recomendación importante es
desbastar la madera siguiendo las
vetas y en dirección hacia afuera.
Para evitar accidentes es
recomendable emplear prensas
que sujeten la madera a la mesa de
trabajo.
Primer paso para tallar una flor en
un jabón de barra: Dibujar un
círculo en el medio con un
elemento punzante de metal.
El dibujo de la flor puede ser
elaborado previamente en papel.
Se debe desbastar la zona externa
de la flor y luego suavizar.

47. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 47


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿Cuáles son técnicas creativas bidimensionales?
a. El esgrafiado, la dactilopintura y el estarcido.
b. El modelado, el tallado y dactilopintura.
c. El modelado en arcilla y plastilina.

¿Cuáles son algunas técnicas de escultura?
a. El modelado y el esgrafiado.
b. El esgrafiado y el estarcido.
c. El modelado y el tallado.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES P REGUNTAS:

¿Qué es el modelado?
______________________________________________
____________________________________________

¿En qué consiste el tallado en madera?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________

¿Qué diferencia hay entre esgrafiado y estarcido?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________

¿Qué instrumentos se emplean para el tallado?
______________________________________________
______________________________________________
____________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) El esgrafiado consiste en pintar con plantillas.
( ) La dactilopintura se realiza empleando pinceles.
( ) Se emplean gubias para modelar arcilla.
( ) La plastilina se mezcla con agua para modelar.
( ) Algunos materiales para tallar son la madera, el
jabón y tubérculos.
( ) Actualmente se emplea la plastilina para modelar
figuras que se usan en el cine.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Realiza un diseño
propio de esgrafiado
empleando crayones y
témperas.
Realiza un diseño
personal de estarcido
empleando varias
plantillas para que tu
trabajo tenga varios
colores (una plantilla
para cada color).
Realiza una escultura
pequeña empleando
arcilla o plastilina.
Decórala y protégela
con barniz o laca y
preséntala en una
exposición junto a tus
compañeros de aula.
También puedes hacer
tallados en madera o
jabón.
RECUERDA
Para realizar
cualquiera de estas
técnicas creativas
bidimensionales o
tridimensionales debes
contar un los
instrumentos
adecuados así como un
vestuario especial (un
delantal por ejemplo)
ya que podrías
manchar tu ropa
habitual.

48. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 48
































































Música

49. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 49



El Sonido

Luego de haber estudiado el maravilloso mundo de las
artes visuales, ahora corresponde aprender y disfrutar de
los secretos que encierra el arte musical. Cada día usted
oye diversas composiciones sonoras y seguramente
muchas de ellas son de su total agrado, mientras que,
otras le son indiferentes pues resultan no afines a su
preferencia. Pero, se ha preguntado ¿por qué? ¿Qué es en
realidad la música?

Así como en el dibujo, se recomienda observar con
mucho detenimiento para concebir las formas, armonías
y colores; en la música, se debe aprender, en primer
término, a escuchar, para poder determinar su verdadero
valor y saber interpretarla. Es por ello que en esta
primera parte analizaremos todo lo relacionado a los
sonidos.









El sonido no es un objeto que se mueve por el aire si no
una sensación creada por el cerebro al percibir ligeras
vibraciones en el aire.












El sonido se produce por la vibración de las partículas. A
cada una de estas vibraciones se las llama Hertz Hz.
Nombre dado por el alemán Heinrich Rudolf Hertz ya
que descubrió la forma de producir y detectar ondas
electromagnéticas.
Llamamos sonido a la sensación
que percibimos a través del oído y
que es causada por la vibración de
los cuerpos sonoros.

El sonido es la sensación en el órgano del oído
producida por el movimiento ondulatorio, debido a
los cambios de presión en un medio elástico y
generados por movimientos vibratorios de un cuerpo
sonoro.
Conocimiento 7
Las ondas sonoras al llegar al oído externo, viajan por el oído medio e
interno gracias a las vibraciones activando los impulsos nerviosos que van
al cerebro.

La velocidad del sonido
es la dinámica de
propagación de las ondas
sonoras. En la atmósfera
terrestre es de 341 m/s (a
20 °C de temperatura y a
nivel del mar). La
velocidad del sonido
varía en función del
medio en el que se
trasmite.
El eco se produce cuando las ondas
sonoras chocan con un obstáculo
rebotando en sentido contrario.
No solamente el oído percibe las
vibraciones de los cuerpos sonoros.
Mediante el tacto y la vista
también podemos percibir estas
vibraciones.

50. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 50



CLASIFICACIÓN DEL SONIDO

Todos los sonidos que percibimos a través del oído, no
son iguales. Unos son agradables y otros desagradables;
unos fuertes y otros suaves, unos altos y otros bajos.

Hay unos sonidos que podemos imitar, pero no los
podemos cantar, por ejemplo: el tic-tac del reloj, el
redoble de un tambor o el sonido producido por un
cuerpo al caer. El ruido lo podemos imitar pero no
cantar.










En cambio hay otros sonidos que podemos cantar, como
el sonido de una trompeta, la melodía ejecutada en un
piano, el sonido de una campana. El sonido se puede
imitar cantando.

Según las vibraciones producidas por los cuerpos
sonoros, los sonidos pueden ser:

1. SONIDOS DETERMINADOS O MUSICALES:
Cuando las vibraciones de los cuerpos sonoros son
REGULARES se produce el sonido determinado o
musical; el vibrar de una cuerda de guitarra, al frotar
una cuerda de violín.








2. SONIDOS INDETERMINADOS O RUIDOS:
Cuando las vibraciones son IRREGULARES se
producen los ruidos: La caída de un objeto, una
palmada, cerrar una puerta, etc. Generalmente los
ruidos cesan violentamente.
Se debe diferenciar claramente los ruidos, de los sonidos musicales.
Ciertos instrumentos musicales
producen sonidos indeterminados.
Triángulo
Bongó
Timbal
Los sonidos emanados por los
instrumentos musicales
corresponden a sonidos
determinados o musicales.
Una palmada es un sonido
indeterminado.

51. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 51



CUALIDADES DEL SONIDO

La música está formada por sonidos musicales, pero no
todos estos sonidos tienen las mismas características,
algunos son más extensos, otros más agudos e incluso
más fuertes unos que otros. Las principales cualidades
del sonido son:

1. DURACIÓN: La duración de los sonidos depende
del tiempo que permanezcan vibrando, desde que se
produce el sonido hasta que termina. Esta duración
de los sonidos puede medirse en tiempos, para ellos
se emplea figuras que determinan esta cualidad.









2. ALTURA: Dos sonidos que tengan la misma
duración pero en cambio tienen diferente frecuencia
o número de vibraciones por segundo, tendrán
diferente altura; es decir un sonido será más agudo
que otro. Cuanto mayor sea el número de vibraciones
por segundo producidas por un sonido, este será más
agudo o alto; a menor número de vibraciones por
segundo corresponderla un sonido más grave o bajo.

3. INTENSIDAD: Esta cualidad permite que los
sonidos sean muy suaves, suaves, medio fuertes,
fuertes o fortísimos.
La mayor o menor intensidad del sonido no varía el
número de sus vibraciones, o sea la altura: esto
quiere decir que varios sonidos pueden tener la
misma altura, porque tienen el mismo número de
vibraciones, pero pueden ser diferentes en su
intensidad: unos serán fuertes, otros suaves, medio
fuertes, fortísimos, etc.

4. TIMBRE: Por medio de esta cualidad podemos
reconocer, sin necesidad de verlos, los instrumentos
que producen los sonidos. Igualmente, por esta
cualidad, podemos reconocer a la persona que habla
o canta.
La DURACIÓN de un sonido
depende del tiempo que
permanezca vibrando un cuerpo
sonoro.
En la música, la ALTURA está
determinada por notas musicales.
La altura del sonido depende del
mayor o menor número de
vibraciones por segundo.
LA INTENSIDAD es la cualidad
del sonido que depende de la
mayor o menor fuerza con que se
produce el sonido.
El TIMBRE es el sonido
característico que producen los
diferentes instrumentos musicales
y la voz humana. Es como el color
a la pintura.
Una Corchea tiene menos duración que una Negra o una Blanca.
= =
=

52. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 52


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿Cuáles son las clases de sonidos?
a. Sonidos determinados y sonidos indeterminados.
b. Sonidos musicales o ruidos.
c. Altura, intensidad, timbre y duración.

¿De qué depende la altura der los sonidos?
a. De la mayor o menor fuerza con que se emita.
b. Del número de vibraciones por segundo.
c. Del tiempo que permanezca vibrando.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

¿Qué es el sonido?
______________________________________________
____________________________________________

¿Qué diferencia hay entre sonidos determinados y
sonidos indeterminados?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________

¿Qué diferencia hay entre altura e intensidad?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________

¿Cómo se produce el sonido?
______________________________________________
______________________________________________
____________________________________________

3. ESCRIBA LA CUALIDAD DEL SONIDO QUE
PRODUZCA LA CARACTERÍSTICA DADA:

Sonido grave: _______________________
Sonido prolongado: _______________________
Sonido suave: _______________________
Sonido breve: _______________________
Sonido agudo: _______________________
Sonido nasal: _______________________
Sonido fortísimo: _______________________

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Para comprobar que
las vibraciones pueden
ser vistas coloca una
cuerda de nylon atada
a dos ejes, ténsala bien
y hazla vibrar, además
de escuchar su sonido
podrás ver el
movimiento de la
cuerda. También
puedes controlar su
tiempo de duración
dependiendo de cuánto
estires de la cuerda
antes de soltarla para
que vibre.
Escucha diferentes
sonidos y anota en un
registro si son
determinados o
indeterminados. Luego
valídalo.
RECUERDA
Los sonidos musicales
son producidos por los
instrumentos
musicales, sin embargo
hay instrumentos que
producen sonidos
indeterminados como
el tambor, el bombo,
los platillos, etc.

53. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 53




La Música

Es más fácil sentirla y reproducirla que explicarla o
definirla. Todos entendemos qué es la música, pero
¿cuántos pueden poner en palabras cuáles son sus
características esenciales o aquello que le da sentido?
La música es el lenguaje espiritual, al escucharla,
percibimos que en nuestro interior se produce una serie
de estados de ánimo como alegría, admiración, tristeza e
incluso miedo.

El término música tiene su origen del latín ―musica‖ que
a su vez deriva del término griego ―mousike‖ y que hacía
referencia a la educación del espíritu la cual era colocada
bajo la advocación de las musas de las artes.









Algunas de las principales definiciones que se han dado a
lo largo de la historia para la música son las siguientes:

 Jean-Jacques Rousseau: ―Arte de combinar los
sonidos de una manera agradable al oído‖.








 Héctor Berlioz: ―Arte de conmover por la
combinación de los sonidos a los hombres
inteligentes y dotados de una organización especial‖.

 François-Joseph Fétis: ―Es el arte de conmover por la
combinación de los sonidos‖.

 Hilarión Eslava: ―Música es el arte de combinar bien
los sonidos y el tiempo‖.
Berlioz (1803 – 1869). Compositor francés representante del
Romanticismo.
Nadie puede negar que nos gusta la
música, ya sea cantar, tocar un
instrumento o escuchar una
melodía.
Conocimiento 8

La música es el arte que consiste en dotar a los
sonidos y los silencios de una cierta organización. El
resultado de este orden resulta lógico, coherente y
agradable al oído.
Jean-Jacques Rousseau (1712 -
1778). Escritor, filósofo, músico,
botánico y naturalista franco-
helvético definido como un
ilustrado.
François-Joseph Fétis (1784 —
1871) fue un compositor, profesor
y musicólogo belga. Fue también
uno de los críticos musicales más
influyentes del siglo XIX.

La música refleja mejor
que cualquier otra cosa
la nobleza y profundidad
de nuestro sentir y la
cultura de una sociedad.

54. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 54



ORIGEN DE LA MÚSICA

La música está íntimamente ligada a la vida del hombre,
se halla en los momentos más importantes de su vida y se
ha valido de ella para expresar sus estados de ánimo. De
allí la importancia de la música en la formación moral y
espiritual de los pueblos y sobre todo de los jóvenes.
¿Qué sería del hombre sin música? Donde estemos la
oímos: reuniones sociales, en la oficina, desfiles
militares, en el transporte, etc.
Hace muchísimos siglos, cuando la gente todavía vivía
en cavernas; el canto de los pájaros, el salpicar de la
lluvia, el silbido del viento entre los árboles, el rugir del
océano y las olas chocando con las rocas, producían
cierta música, posiblemente la primera manifestación
musical.













QUIÉN INVENTÓ LA MÚSICA

Esta pregunta es semejante a interrogarnos sobre quién
inventó la risa, los gestos, el llanto, en fin. A la
humanidad le ocurrió tal como a un niño pequeño que
sabe ―decir‖ sin necesidad de recurrir a las palabras y es
que hay maneras de expresarse que son más espontáneas
que las palabras.
En definitiva hay emociones que no se pueden decir con
palabras pues no podrían abarcar completamente tal
sentimiento: la alegría, el amor, la religiosidad, el dolor,
el miedo, la tristeza y muchos más.
En ese afán por querer comunicarse integramente, nace
la música y nacieron todas las artes que son la forma más
perfecta de expresión del hombre.
Papiro egipcio (1500 a. de C.). Se recomendaba el uso de la música
para curar la infertilidad de las mujeres.
En los pueblos prehispánicos se
empleó la música en las
festividades religiosas, militares y
sociales.
Donde quiera que estemos, ya sea
en casa, en el trabajo o en el auto
siempre escuchamos música.

Danza en las Cuevas de El Cogul
(Lérida). En esta pintura rupestre
varias mujeres danzan alrededor
de un hombre desnudo. Los ritos
asociados con danzas y ritmos
repetitivos eran habituales en casi
todas las culturas prehistóricas.
Pitágoras considera a la música
como «una medicina para el
alma», y Aristóteles la utiliza para
llegar a la catarsis emocional.

55. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 55


CÓMO SE ORIGINÓ LA MÚSICA

Es difícil precisar con exactitud el origen de la música y
enmarcarlo en una época precisa de la historia. Sin
embargo, se conoce que desde la Prehistoria los hombres
usaron diferentes objetos para emitir sonidos. No
obstante, como el objetivo de esta actividad era
comunicarse entre sí o simplemente replicar los sonidos
que escuchaban en la naturaleza, no se puede hablar de
música en el sentido más estricto del término.

El origen de la música, entendida como la creación de
sonidos complejos, tuvo que esperar un poco más.
Muchos investigadores coinciden en que el término
―música‖ deriva del vocablo griego ―musa‖, las famosas
deidades de la mitología griega y romana que tenían la
capacidad de inspirar a los hombres dedicados a las artes.

















Rebuscando en el tiempo, vemos que en la Antigua
Grecia ya se conocía la música. El famoso filósofo
Platón solía afirmar que ―de la misma forma en que la
gimnástica sirve para fortalecer el cuerpo, la música es el
vehículo para enriquecer el ánimo‖.

Sin embargo, no fue hasta la difusión del catolicismo que
la música cobró auge. Con el objetivo de alabar a Dios,
se creó la música sagrada, los cantos gregorianos y, más
tarde, la notación musical, o sea, el alfabeto musical que
brindó la posibilidad de escribir música utilizando los
símbolos adecuados que le permitían a los músicos
seguir el ritmo y la entonación.
Atenea junto a las musas, de Frans Floris (c. 1560).
Se tiene restos de flautas tubulares
de hueso de 3, y luego de 5 orificios
de digitación, como instrumentos
puramente melódicos fabricados
en la prehistoria.
El filósofo Platón consideraba a la
música como la base de la
educación que abarcaba también
la poesía y la danza. En Grecia la
música estaba considerada como
un medio eficaz para la educación
moral de los ciudadanos.
En Roma, durante el reinado de
rey etrusco Servio Tulio, 578-534
a.C, fueron instituidos
formalmente los grupos de músicos
en las Milicias Romanas,
integrados por instrumentos de
viento y con funciones específicas
para las ceremonias y el combate.
El canto gregoriano nace en la
Edad Media y aporta la polifonía a
la música.

56. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 56


De hecho, el origen de la música escrita (utilizando los
primeros símbolos) resale alrededor del siglo VI de la era
cristiana. Sin embargo, estos símbolos eran muy
limitados y no permitían cubrir adecuadamente todas las
extensiones musicales y la complejidad armónica. Por
eso, en el periodo comprendido entre 992 y 1050, Guido
d‘Arezzo se creó el primer sistema de escritura musical
definido ―diastemático‖, que consistía en transcribir
símbolos que representaban una escritura. Así, por
primera vez en la historia, se pudieron indicar todas las
alturas de las notas musicales.

Guido llamó ese sistema ‗tetragrama‘ ya que las notas
musicales se desarrollaban en una red de cuatros líneas
paralelas. Este sistema fue el precursor del moderno
pentagrama y de las notas musicales que utilizamos hoy
en día.













Guido de Arezzo es también el responsable de los
nombres de las notas musicales. En aquella época solía
cantarse un himno a san Juan el Bautista, que tenía la
particularidad de que cada frase musical empezaba con
una nota superior a la que antecedía. Guido tuvo la idea
de emplear la primera sílaba de cada frase para
identificar las notas que con ellas se entonaban.

Nota
Texto original
en latín
Traducción
Ut - Do
Re
Mi
Fa
Sol
La
Si
Ut queant laxis
Resonare fibris
Mira gestorum
Famuli tuorum
Solve polluti
Labii reatum
Sancte Ioannes.
Para que puedan
exaltar a pleno pulmón
las maravillas
estos siervos tuyos
perdona la falta
de nuestros labios impuros
San Juan.
Himno a san Juan el Bautista —conocido como Ut queant laxis— atribuido
a Pablo el Diácono.
Guido de Arezzo (Arezzo, Toscana
991/992 - † Avellano c.1050) fue un
monje benedictino italiano, teórico
musical y figura central de la
música de la Edad Media.
Carlos I el Grande, llamado
Carlomagno (742, 747 o 748 – 814).
Ordenó el establecimiento de
escuelas donde se practica la
música litúrgica.
En Jerusalén, el Rey David
(músico y poeta) regresaba de
organizar la música en la Villa
Santa. La Biblia no señala
escritura musical, pero si cánticos
sagrados.

57. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 57


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿Quién escribió la primera notación musical?
a. Guido de Arezzo.
b. El Rey David.
c. Carlomagno.

¿Qué Himno se utilizó para hacer la notación
musical?
a. Himno a la Alegría.
b. Himno a San Juan el Bautista.
c. Ninguna de las anteriores.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

¿Qué es la música?
______________________________________________
____________________________________________

¿Cómo define la música François-Joseph Fétis?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________

¿Cómo se originó la música?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________

¿Qué aportes a la música se dieron en la Edad
Media?
______________________________________________
______________________________________________
____________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) Es difícil definir cuándo se originó la música.
( ) La palabra música deriva del griego ―mousike‖.
( ) La música está ligada a la vida del hombre.
( ) La nota DO anteriormente se llamaba UT.
( ) Platón afirmaba que la música es la base de la
educación.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Realiza organizadores
visuales con las
principales definiciones
de música.
Practica con un
instrumento musical
las notas musicales
dadas por Guido de
Arezzo (Do, Re, Mi, Fa,
Sol, La, Si).
RECUERDA
La música es el arte de
combinar sonidos que
se producen en el
tiempo. Al ser un arte,
debe recordar que es
una manifestación del
Espíritu, por lo tanto
su finalidad radica en
conmover a la
humanidad y
despertarlos a la
Consciencia, más allá
de exteriorizar
sentimientos o expresar
estados de ánimo.

58. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 58




Elementos de la Música

Al igual que en la artes visuales, la música está
comprendida por elementos, que si bien son inherentes a
ella, podrían bien estudiarse por separado para entender
sus características y principios básicos.

Como ya hemos visto, en la música intervienen los
sonidos y los silencios; de su secuencialidad se
encargará, la melodía; de sus combinaciones, la armonía;
mientras que, de su temporalidad, el ritmo. En
consecuencia, la organización coherente de los sonidos y
los silencios nos da los parámetros fundamentales de la
música, que son la melodía, la armonía y el ritmo.



















LOS SONIDOS DE LA MÚSICA

La música en su acepción más simple, puede describirse
como la yuxtaposición de dos elementos: el sonido y la
duración, generalmente llamados melodía y ritmo. La
unidad mínima de organización musical es la nota -es
decir, un sonido con un tono y una duración específicos-.
Por ello, la música consiste en la combinación de notas
individuales que aparecen de forma sucesiva (melodía) o
simultánea (armonía) o en ambas formas, como sucede
en la mayor parte de la música occidental. Para un mejor
entendimiento, conozcamos estos elementos detalla-
damente a continuación:
El sentido del ritmo se
desarrolló en las
primeras etapas
evolutivas de los
homínidos y era
fundamental por diversas
razones: desde
acompasar nuestros
pasos con el movimiento
del cuerpo, hasta
comunicarnos y poder
actuar en grupo
reduciendo nuestra
desventaja contra
grandes depredadores.
Una visión más práctica
del ritmo, que más tarde
empezó a utilizarse como
una capacidad creativa
para crear la música
primitiva.
Conocimiento 9
La melodía y el ritmo constituyen los elementos más antiguos de la música.
La música para ser tal tuvo que recurrir al ritmo como único medio de
existencia ya que ordena el tiempo dándole vida y espíritu.
Aunque parezca mentira, todas
estas canciones comparten la
misma estructura rítmica. Porque
el ritmo de una canción subyace
debajo de otros muchos elementos
como son la voz y los instrumentos.

59. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 59


1. LA MELODÍA: Es la combinación sucesiva de
notas musicales o sonidos, hasta formar un efecto
musical agradable al oído.
En la melodía las notas musicales son diferentes
en la altura, duración, acento, matices y
movimiento.
De las distintas duraciones de sus notas, en la
velocidad, depende su ritmo.
De la altura diferente de sus sonidos, en el
pentagrama, depende su entonación.

2. LA ARMONÍA: Como ciencia es la combinación
simultánea de sonidos o de grupos de sonidos en
forma de acordes enlazados de acuerdo a reglas
sonoras ordenadas. El término armonía se emplea
tanto en el sonido general de un conjunto de notas o
sonidos que suenan al mismo tiempo, como en la
sucesión de estos conjuntos de sonidos. La armonía
sería el término contrapuesto al de la melodía (en que
los sonidos se emiten uno después del otro).
ACORDE: Es la entonación de tres o más
sonidos en forma simultánea.

















3. EL RITMO: Se considera así a la proporción
guardada entre los tiempos de dos movimientos
diferentes. Es decir, es la repetición periódica de
determinados elementos sonoros, que poseen cierto
orden acompasado.
El ritmo es el elemento indispensable de la música.
Es el corazón de la música.
El ritmo en la música es marcado
por instrumentos de percusión
como el tambor, el bombo, los
platillos, etc.
En todo sistema
musical, la creación
de una melodía
implica la creación
de unas notas a
partir de un modelo
preexistente llamado
escala, y de hecho es
un grupo de sonidos
separados por unos
intervalos específicos
(las distancias de
tonos y semitonos
que separan las
notas).

60. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 60


EL RITMO MUSICAL
El origen del ritmo se encuentra en la naturaleza humana.
Es la manifestación viva del orden de todas las cosas.
Al igual que los ritmos en la naturaleza, como el
movimiento de los planetas, la sucesión de las estaciones
o el pulso del corazón, el ritmo musical suele organizarse
en patrones de recurrencia regular. Dichos patrones
controlan el movimiento de la música y ayudan al oído
humano a comprender su estructura.

EL PULSO Y EL COMPÁS
La unidad rítmica básica por excelencia es el pulso, un
patrón espaciado regularmente que se parece al ritmo de
un reloj. En la mayor parte de música de baile y en la
popular, el pulso aparece en forma explícita, a menudo
por medio del batir de los tambores o mediante un patrón
de acompañamiento regular. En músicas más complejas,
el pulso sólo está implícito; es una especie de
denominador común para las longitudes de las notas, que
pueden ser más largas o cortas que el pulso mismo (sin
embargo, cuando un oyente lleva el ritmo con el pie, el
pulso vuelve a ser explícito). Para que el pulso pueda ser
oído como denominador común, las longitudes de las
notas individuales generalmente serán múltiplos o
subdivisiones exactas (como la mitad o el doble de la
duración del pulso).
El tiempo de la música determina la velocidad del pulso.
.
FORMAS DE MARCAR EL RITMO
Recuerde que para que haya ritmo, ha de haber por lo
menos dos sonidos. Para ir practicando el marcado del
ritmo usted puede mencionar nombres de personas que
tengan dos sílabas, por ejemplo: Pablo, Lucas, Jaime,
Sandra... o Simón, Andrés, José, René, etc.
En el caso de los cuatro primeros, la
mayor fuerza de voz está en la
primera sílaba y, en los otros cuatro,
en la segunda (estos sonidos se
deben marcar como en la muestra).
A continuación se pronuncia los
nombres marcando el compás con
palmadas. El golpe más fuerte será
donde se tenga el acento musical.
Una vez superado esto, se puede
hacer lo propio con nombres de tres
sílabas cuya acentuación se de en la
primera sílaba o en la tercera.
> >



PA BLO SI MÓN
LU CAS AN DRÉS


> : Signo que representa el acento musical.

: Figura de duración de 1 (un) tiempo.
A través del ritmo, se puede
reconocer si la canción
interpretada es un vals, un huayno,
una marinera o un yaraví, etc.

61. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 61


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿Qué es el ritmo musical?
a. Es la sucesión de sonidos.
b. Es la repetición periódica de sonidos.
c. Es la combinación simultánea de sonidos.

¿Qué es el pulso?
a. Es la unidad rítmica básica.
b. Es el sonido de los tambores en una canción.
c. Es la combinación de tiempos en la música.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

¿Cuáles son elementos de la música?
______________________________________________
____________________________________________

¿Qué es la melodía en la música?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________

¿Qué características tiene el ritmo en la música?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________

¿Cómo se puede marcar el ritmo de forma práctica?
______________________________________________
______________________________________________
____________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) El ritmo es el corazón de la música.
( ) El ritmo puede ser marcado por instrumentos
musicales de percusión.
( ) Puede haber música únicamente con melodía.
( ) La melodía es una sucesión de sonidos que
forman un efecto agradable al oído.
( ) La armonía es la combinación simultánea de
sonidos en orden acompasado.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Selecciona algunos
instrumentos de
percusión como
tambores panderetas u
otros, luego sigue una
secuencia rítmica
formada por algunas
figuras de duración.
Sigue el ejemplo de
formas de marcar el
ritmo y crea una
secuencia de dos o tres
sonidos con su
respectiva acentuación
de modo que puedas
ejecutarlo con mayor
intensidad.
RECUERDA
Si bien la melodía es
una secuencia de
sonidos musicales, esto
no implica que haya
música, pues se
requiere del ritmo para
que ordene los tiempos
y le dé sentido musical,
es por ello que estos
elementos siempre
estarán implícitos en
cualquier composición
musical.

62. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 62



El Pentagrama

Así como se requiere conocer las letras que forman las
palabras para escribir y leer un párrafo cualquiera; la
música, también se escribe y lee mediante determinados
signos, los cuales se denominan signos musicales, los
cuales iremos conociendo secuencialmente hasta el punto
de lograr una correcta caligrafía musical.







Entre los principales signos musicales están el
pentagrama, las notas, las figuras de duración y silencios,
las claves o llaves, entre otros.

EL PENTAGRAMA: Está conformado por cinco líneas
horizontales paralelas entre sí y cuatro espacios en los
que se dibujan los signos musicales. Éstas se ubican de
abajo hacia arriba tanto en líneas como espacios y su
interpretación depende de la clave musical.









El pentagrama permite adicionar líneas, tanto abajo
como arriba. A estas líneas se les denomina líneas
adicionales. Al trazarlas se consideran también los
espacios:








Los signos musicales son todos aquellos que sirven
para representar los sonidos musicales.

El pentagrama posee cinco líneas y cuatro espacios, en la escritura musical
se emplean a ambos para ubicar las figuras musicales.
Conocimiento 10
Líneas adicionales: se pueden ubicar abajo o arriba y más de una, en todos
los casos se debe respetar tanto la línea como el espacio.
La pauta de cinco líneas o
pentagrama fue creada en Italia
por Ugolino de Forlí.









ernacional.



En el pentagrama se dibujan las
figuras musicales, al inicio siempre
se coloca una clave o llave.









ernacional.



Se puede adicionar más de una
línea al pentagrama.









ernacional.
Los Neumas eran signos
consistentes en rayas,
acentos, puntos y
ganchos que formaban
las figuras musicales en
la antigüedad.
El pentagrama primitivo
tenía dos líneas en las
cuales se colocaban los
neumas. Posteriormente
Guido de Arezzo empleó
cuatro líneas. El
pentagrama de cinco
líneas aparece sólo en el
siglo XIII.

63. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 63

LA CLAVE MUSICAL: Es el signo que se dibuja al
inicio del pentagrama y sirve para dar nombre a las notas
que se escriben en él.

Las Claves son de tres clases, Clave de Sol, Clave de Fa
y Clave de Do. Las dos primeras son las de mayor uso
aunque estudiaremos la Clave Sol en la 2º línea.


Clave de Sol en segunda: La
nota Sol, según esta Clave, se
ubica en la 2º línea.


Clave de Fa en cuarta: Según
esta Clave la nota Sol se
encuentra en el 4º espacio.


Clave de Do en tercera: Aquí
la ubicación de la nota Sol es en
la 5º línea.


Como puede ver, existen muchas variantes para las
Claves y su uso varía según la altura. Por ejemplo, la
Clave Sol, es usada para todos los sonidos agudos y la
Clave de Fa, para todos los sonidos graves.

LA CLAVE DE SOL: La Clave de Sol situada sobre la
segunda línea del pentagrama se denomina Clave de Sol
en segunda o simplemente Clave de Sol.







Al ser apropiada para representar sonidos agudos,
aparece en la música para los instrumentos con tesituras
más altas; sobre todo el oboe, la flauta, el violín, algunos
instrumentos de percusión y la mano derecha del piano (a
diferencia de la mano izquierda, que suele estar en Clave
de Fa). En música vocal, las voces de soprano y contralto
están en esta clave; si bien, en sus orígenes no era así,
porque cada una tenía una clave propia. La Clave de Sol
es la más usada en la actualidad.
La Clave de Sol en el Barroco era
conocida como «clave italiana» y
en inglés actualmente se llama «G
clef» («clave de sol») o «treble clef»
(«clave para agudos»).









ernacional.



Evolución de la Clave de Sol.









ernacional.



La Clave de Fa situada en la
cuarta línea del pentagrama se
denomina clave de fa en cuarta y
antiguamente «clave de bajo», ya
que la música para la voz de bajo
se escribía en esta clave. En la
actualidad, la usan sobre todo los
instrumentos más graves de la
cuerda frotada, (violonchelo,
contrabajo); junto con los más
graves del viento metal (tuba,
trombón) y del viento madera
(fagot, contrafagot).








ernacional.



La Clave de Do en tercera se usa
en la música para viola, viola da
gamba, mandola y a veces para
trombón alto. Igualmente se puede
ver en instrumentos encargados de
voces intermedias como el oboe o
la flauta dulce; además de
aparecer en la música vocal
antigua.







ernacional.

NOTA SOL
NOTA SOL
NOTA SOL

64. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 64


LAS NOTAS MUSICALES: Los sonidos musicales
son representados en la música a través de las notas. Son
siete las notas y llevan los siguientes nombres: DO, RE,
MI, FA, SOL, LA y SI. Cada una de estas notas equivale
a una altura determinada, en orden de grave a aguda o
viceversa, dando lugar a una escala.

Escala Ascendente:

DO – RE – MI – FA – SOL – LA – SI

Escala Descendente:

SI – LA – SOL – FA – MI – RE – DO

Las notas musicales se escriben en el pentagrama pero no
empleando letras, sino mediante una serie de figuras
musicales y dependiendo de la Clave musical.











CALIGRAFÍA MUSICAL

Para tener una buena caligrafía en la escritura musical se
debe practicar, es por ello que deberá realizar una serie
de ejercicios gráficos con lo que ha aprendido hasta el
momento. Siga las siguientes indicaciones:

1. En una hoja en blanco dibuje seis pentagramas
empleando instrumentos de medición como la regla y
considerando que el espacio de separación debe ser
igual entre línea y línea.

2. Dibuje en los dos primeros pentagramas y de forma
continua la Clave de Sol, en los dos siguientes, la
Clave de Fa y, en las dos restantes, la Clave de Do.
La ubicación de las Figuras Musicales en el pentagrama según la Clave
Musical determina el nombre de cada Nota, ya sea en un espacio o línea.
Mano guidoniana. Sistema
mnemotécnico medieval, debido a
Guido d'Arezzo (siglo XI),
utilizado para ayudar a los
cantantes a leer a primera vista.






ernacional.



Es importante poder dibujar
correctamente cada uno de los
signos musicales, empezando por el
pentagrama, las claves y luego las
figuras de duración.






ernacional.


Las notas musicales son sonidos
que se diferencian por su altura.






ernacional.

65. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 65


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿Qué es el pentagrama?
a. Son cuatro líneas donde se escribe la música.
b. Es donde se escribe la música, consta de cinco líneas.
c. Son cinco líneas donde se colocan las notas.

¿Cuáles son las notas musicales?
a. Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Si.
b. Clave de Sol, Clave de Fa, Clave de Do.
c. Sol en segunda, Fa en cuarta, Do en tercera.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

¿Cuál es la utilidad del pentagrama?
______________________________________________
____________________________________________

¿Cuál es la utilidad de la Clave Musical?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________

¿En qué consiste la Clave de Sol?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________

¿Cómo se escriben las Notas en el Pentagrama?
______________________________________________
______________________________________________
____________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) En el pentagrama solo se escribe en las líneas.
( ) La escritura en el pentagrama es de abajo a arriba.
( ) La Clave se coloca al inicio del pentagrama.
( ) Todas las Claves tienen la misma función.
( ) Las notas musicales se diferencian por su altura.
( ) La Clave de Sol en segunda, señala que la nota
Sol está en la segunda línea del pentagrama.
( ) El conjunto de notas forman una escala musical.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

En hojas blancas
dibuja varios
pentagramas y practica
dibujando la forma de
las Claves musicales.
Empleando una flauta
u otro instrumento,
practica escalas
ascendentes y
descendentes
otorgándole el mismo
tiempo para cada
sonido.
Imita vocalmente el
sonido de las notas
musicales empezando
por las tres primeras
(Do, Re, Mi), tanto de
forma ascendente como
descendente.
RECUERDA
Así como en las artes
visuales se debe
desarrollar el sentido
de la vista, en la
música es
importantísimo el
desarrollo auditivo, por
eso debe familiarizarse
con los sonidos
musicales, es decir con
las notas musicales, las
cuales son producidas
por los instrumentos.

66. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 66


Las Figuras de Duración
y sus Silencios

Recuerde que los sonidos se diferencian por cuatro
cualidades, el timbre, la altura, la intensidad y la
duración. Para la cualidad de la altura, se ha estudiado a
las notas musicales; mientras que, para determinar la
duración se emplean una serie de signos que se
denominan Figuras de Duración.









Las Figuras de Duración son siete y son: Redonda,
Blanca, Negra, Corchea, Semicorchea, Fusa y Semifusa.
La unidad de todas estas figuras es la Redonda, por ser la
de mayor duración.




















Las figuras musicales indican la duración de los sonidos,
la entonación dependerá del lugar en que se coloquen en
el pentagrama.
Partes de una figura musical:
1.- Corchete, 2.- Plica, 3.- Cabeza.

Las Figuras de Duración son signos musicales que
indican las diferentes duraciones de los sonidos a
través de una unidad musical de cuatro pulsaciones.


Conocimiento 11
Equivalencia de las figuras: como
se muestra en la imagen, una
redonda es igual a dos blancas, y
así sucesivamente
Las figuras de duración se ubican
en el pentagrama, ya sea en la
líneas o espacios, en este caso la
figura Redonda está en la tercera
línea.
La figura Blanca que tiene una
duración de dos tiempos está
ubicada en el primer espacio del
pentagrama.

67. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 67


LOS SILENCIOS

Al leer un texto usualmente encontramos signos que
indican determinadas pausas, ya sean comas, puntos,
punto y coma. En la música ocurre lo mismo, es decir
que existen una serie de signos que indican pausas o
silencios en la lectura musical.

Los silencios son, pues, signos musicales que sirven para
hacer una pausa momentánea en la música, permitiendo
hacerla comprensible y clara.






















Cada figura musical tiene su respectivo silencio y por lo
tanto conserva su mismo valor de duración. Así tenemos
un silencio de Redonda que tiene 4 tiempos, un silencio
de Blanca que tiene 2 tiempos, un silencio de Negra de 1
tiempo, un silencio de Corchea de 1/2 tiempo, etc.






El silencio de Redonda se coloca debajo de la cuarta
línea y el silencio de Blanca sobre la tercera. Los demás
silencios, según se muestra en el gráfico.
Equivalencia de los silencios: como
se muestra en la imagen, un
silencio de redonda es igual a dos
silencios de blancas, y así
sucesivamente
La duración de los silencios es
correspondiente a la de las figuras
de duración.
La ubicación del silencio de
Redonda es debajo de la cuarta
línea del pentagrama. Al leerla, se
hace una pausa de cuatro tiempos.
El silencio de Blanca se dibuja
encima de la tercera línea del
pentagrama. Al leerla se hace una
pausa en el sonido de dos tiempos.

68. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 68


UBICACIÓN DE LAS NOTAS MUSICALES
EN EL PENTAGRAM A

Al ubicar las figuras de duración en el pentagrama, ya
sea en un espacio o línea, permitirá leer una nota musical
con una determinada duración. El nombre de la nota
dependerá de la Clave Musical.

En el caso de la Clave de Sol en segunda, la nota Sol está
en la segunda línea y considerando una escala
ascendente, las demás notas que se encuentran en otras
líneas serían las siguientes:







Las notas Mi, Sol, Si, Re y Fa, están ubicadas en las
cinco líneas.







Las notas Fa, La, Do y Mi, están ubicadas en los
espacios.

Para las notas que no aparecen dentro del pentagrama, se
emplean las líneas adicionales tanto abajo como arriba de
modo que se pueden completar dos escalas:









La segunda escala parte desde el tercer espacio, es la
misma nota Do pero una octava más arriba, esto quiere
decir que los sonidos son más agudos. También se
pueden adicionar más octavas tanto arriba como abajo.
Según la Clave de Sol las figuras
de duración que se encuentran en
el pentagrama se leen así: Un
tiempo (Negra) en Fa, dos tiempos
(Blanca) en La, y medio tiempo
(Corchea) en Mi.
Las figuras de duración que se
escriben a partir de la 3º línea se
dibujan con la plica hacia abajo.
Aquí se observan a las figuras
Blanca y Negra en la 4º línea y 1º
espacio adicional arriba,
respectivamente.
Cuando hay dos Corcheas juntas
se enlazan por el corchete dando
lugar a la figura que se observa
arriba. La cabeza u oval indica que
están en las notas Mi y Fa, por lo
que al leer de debe producir
sonidos en estas notas con una
duración de medio tiempo cada
una. Luego hay una pausa de un
tiempo y finalmente un sonido en
la nota Do (aguda) de un tiempo.
Si hay dos o más corcheas,
semicorcheas, fusas o semifusas, se
enlazan por los corchetes. En el
ejemplo se ve a tres semicorcheas,
es decir tres sonidos (Fa, Sol, La)
de 1/4 de tiempo cada uno.
La ubicación de las
figuras determina la nota
y el tiempo de duración
de los sonidos.

69. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 69


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿Qué indican las figuras de duración?
a. Indican la nota musical de un sonido.
b. Indican qué nota debe ser interpretada.
c. Indican el tiempo que debe vibrar una nota.

¿Qué nota y tiempo indica una Negra en la 3º línea?
a. Indica un tiempo en la nota Si.
b. Indica medio tiempo en la nota Sol.
c. Indica dos tiempos en la nota Do.

2. RESPONDE SEGÚN SE INDICA:

¿Qué indican las figuras de silencio?
______________________________________________
______________________________________________
___________________________________________

Dibuja una escala musical empleando la figura de
duración Negra:






Escriba debajo del pentagrama la nota musical en la
que se encuentra cada figura de duración;





……|……...|…….|…….|……..|……|….|..…|….


Dibuje en el pentagrama las figuras de duración en la
nota que se indica: Blanca en Sol, Corchea en Mi,
Fusa en Re, Redonda en Fa, Semicorchea en La.





ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Empleando una flauta
dulce reproduce la nota
Do, esta se produce
cuando se tapan todos
los agujeros. Con la
mano izquierda se
tapan el agujero de
abajo (con el pulgar) y
los tres primeros de
arriba. La mano
derecha permite tapar
los otros cuatro
agujeros siguientes.
Luego reproduce las
notas Re y Mi
destapando el último y
antepenúltimo agujero
respectivamente.
Reproduce los sonidos
contabilizando los
tiempos de una
Redonda, Blanca y
Negra.
RECUERDA
Los tiempos o pulsos a
los que hacen
referencia las figuras
de duración puedes
marcarlos con golpes
de la punta del pie
sobre el piso.
Un golpe de pie
equivale a medio
tiempo o Corchea,
cuatro golpes, por
tanto, equivalen a una
Blanca.

70. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 70




El Solfeo

Luego de haber analizado algunos signos musicales,
podemos decir que estamos preparados para interpretar o
leer la música. Pero para que haya una buena lectura es
necesaria la práctica, es por eso que recurrimos al solfeo.









El solfeo consiste en entonar mientras se recitan los
nombres de las notas de la melodía, respetando las
duraciones de las notas, la indicación metronómica
(tempo), y omitiendo nombrar cualquier alteración, con
el fin de preservar el ritmo, mientras se marca con una
mano el compás.

Para solfear adecuadamente, entonces, es necesario
reconocer y entonar las notas musicales, esto lo puede
lograr empleando algún instrumento musical, puede ser
una flauta o un piano, de modo que pueda ubicar su voz
en la nota Do, luego en Re y así sucesivamente.














Ya que en la música debe haber ritmo, este debe ser
considerado al momento de solfear, esto se logra
llevando correctamente los pulsos empleando para ello
un metrónomo, el cual permite al músico mantener un
tiempo constante.
Conocimiento 12

El solfeo es un método de entrenamiento musical
utilizado para enseñar la entonación durante la
lectura de una partitura. También busca entrenar la
lectura veloz de la partitura.

El objetivo del estudio del solfeo es
permitir al músico determinar
mentalmente la altura de las notas
en una pieza musical que esté
leyendo por primera vez, y ser
capaz de cantarlo.
Para poder ubicar su voz en las diferentes notas puede pulsar las teclas de
un piano según se muestra en el gráfico. Es recomendable empezar por los
tres primeros sonidos Do, Re y Mi.
Pronuncie el nombre de las Notas
haciéndolas durar dos tiempos
cada una, tanto de forma
ascendente como descendente.
El metrónomo es un aparato
utilizado para indicar tiempo o
compás de las composiciones
musicales. Produce regularmente
una señal, visual o acústica, que
permite a un músico mantener un
tiempo constante.

71. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 71


EL COMPÁS

Muchas veces podemos encontrar patrones rítmicos en la
música que escuchamos. Generalmente podemos agrupar
los tiempos o pulsaciones en grupos de 2, 3 ó 4.

Por ejemplo, cuando escuchamos un vals, sentimos un
patrón rítmico de tres tiempos. Durante todo el
transcurso podemos sentir que los patrones rítmicos están
basados en este 1, 2, 3.









El compás se indica al principio de una obra musical
usando dos cifras que se escriben y leen como un
quebrado. La cifra superior indica el número de tiempos
que tiene el compás.








Para indicar la separación de los compases se usan las
líneas de división o barras de compás, estas líneas
atraviesan verticalmente el pentagrama. Para indicar el
final de la pieza musical se dibuja una doble barra que se
denomina barra de conclusión.







Para llevar el compás durante el solfeo se lo debe marcar
con movimientos de la mano. Recuerde que en cada
espacio de compás de haber la cantidad de tiempos que
indica el numerador, incluyendo los silencios.
Los compases simples son los de
2/4, 3/4 y 4/4. La cifra superior
indica el número de tiempos que
tiene el compás.
La cifra inferior nos indica la
figura que ocupa cada tiempo.
2º
1º
El compás de 2/4 se marca con dos
movimientos de la mano, en el
sentido que indica el dibujo.
En este compás el primer tiempo es
fuerte y el segundo es débil.










ernacional.



1º
3º
2º
Para marcar el compás de 3/4, se
dibuja en el aire un triángulo, tal
como el dibujo.
En este compás, el primer tiempo
es fuerte, el 2º y el 3º son débiles.
En el compás de 4/4 el primer
tiempo es fuerte, el segundo es
débil, el tercero es medio fuerte y
el cuarto débil.
1º
2º
3º
4º

Se llama compás a la división de la música en partes
de igual duración. Se representa mediante una
fracción seguida de la clave musical y puede ser de
2/4, 3/4, 4/4, etc.

Aquí se puede ver que el compás es de 3/4, esto quiere decir que en cada
espacio debe sumarse un total de tres tiempos. En el primer espacio hay tres
figuras Negras cuyo valor es de un tiempo lo que sumado da tres.

72. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 72


EL SOLFEO RÍTMICO

Aplicando los diferentes conceptos musicales aprendidos
hasta el momento vamos entonar las tres primeras notas:
Do – Re – Mi. Recordemos que la nota Do se encuentra
en la primera línea adicional inferior del pentagrama. La
nota Re está en el espacio debajo de la primera línea y la
nota Mi en la primera línea.

Entone suavemente las notas, primero de forma
ascendente y luego descendente.







Ahora, siguiendo las indicaciones vamos a realizar
ejercicios de lectura y entonación:

1. Marcando el compás con la mano, pronuncie el
nombre de la notas haciéndolas durar el tiempo que
corresponda.

2. Una vez dominada la fase anterior, proceda a entonar
las notas, siempre llevando el compás.

3. Respire en los lugares marcados con una coma (,).


















El solfeo de una pieza
musical desde el punto
de vista estrictamente
técnico, no implica
solamente la lectura del
nombre de notas (DO,
RE, MI, FA, SOL, LA,
SI, DO), porque quien
solfea debe, en el mejor
de los casos, prestar
atención a todos los
signos sobre la partitura.
Sin embargo, en un
contexto más amplio,
leer los nombres de las
notas con su respectiva
figuración rítmica,
incluso omitiendo
aspectos tan importantes
como la entonación, debe
considerarse como
práctica del solfeo (en un
nivel muy básico).
Para realizar un adecuado solfeo
es importante poder ubicar la voz
según la altura de las diferentes
notas.
Entone las notas Do – Mi – Sol, la
nota Re se entona mentalmente.
Posteriormente se puede entonar
las notas Do – Re – Mi – Fa – Sol,
recuerde que debe hacerlo de
forma ascendente y descendente
durante el tiempo que indiquen las
figuras y llevando el compás.

73. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 73


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿Qué es el solfeo?
a. Es entonar los nombres de las notas mientras se leen.
b. Es leer una partitura con un instrumento.
c. Es cantar una melodía leyendo el pentagrama.

¿Qué es el compás?
a. Es la división de la música en duraciones iguales.
b. Es la fracción que se coloca al inicio del pentagrama.
c. Es la separación de la música mediante sonidos.

2. RESPONDE SEGÚN SE INDICA:

¿Qué entiende por solfeo rítmico?
______________________________________________
______________________________________________
___________________________________________

Dibuja una escala musical empleando la figura de
duración Negra:






Escriba debajo del pentagrama la nota musical en la
que se encuentra cada figura de duración;





……|……...|…….|…….|……..|……|….|..…|….


Dibuje en el pentagrama las figuras de duración en la
nota que se indica: Blanca en Sol, Corchea en Mi,
Fusa en Re, Redonda en Fa, Semicorchea en La.





ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Empleando una flauta
dulce reproduce la nota
Do, esta se produce
cuando se tapan todos
los agujeros. Con la
mano izquierda se
tapan el agujero de
abajo (con el pulgar) y
los tres primeros de
arriba. La mano
derecha permite tapar
los otros cuatro
agujeros siguientes.
Luego reproduce las
notas Re y Mi
destapando el último y
antepenúltimo agujero
respectivamente.
Reproduce los sonidos
contabilizando los
tiempos de una
Redonda, Blanca y
Negra.
RECUERDA
Los tiempos o pulsos a
los que hacen
referencia las figuras
de duración puedes
marcarlos con golpes
de la punta del pie
sobre el piso.
Un golpe de pie
equivale a medio
tiempo o Corchea,
cuatro golpes, por
tanto, equivalen a una
Blanca.

74. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 74


La Voz

La voz humana es el sonido que el aire expelido de los
órganos respiratorios produce al salir de la laringe,
haciendo vibrar las cuerdas vocales.

La voz humana es un verdadero instrumento musical de
viento, que además de servir para comunicarnos
verbalmente, se emplea musicalmente para el canto, que
es la manifestación musical primaria del hombre.

Cuando la voz no ha sido cultivada se llama ―voz
natural‖. Mientras que, cuando se siguen estudios
técnicos, como el caso de los cantantes profesionales, se
llega a poseer una voz educada.

CLASIFICACIÓN DE LA VOZ

Para lograr una mejor comprensión de las voces, se las
puede dividir en tres grupos: voces masculinas, voces
femeninas y voces blancas; estas últimas son dulces y
claras que la cultivan los niños. Las voces masculinas y
femeninas, a su vez, se subdividen en:

















Las voces agudas (mujeres y niños) cantan una octava
más que las voces graves (hombres). Esta se pone en
evidencia cuando un grupo de personas, en donde haya
niños, mujeres y hombres, todos cantan la misma
melodía, se oye a los hombres una octava más abajo que
las mujeres y niños.
Ima Sumac. Extraordinaria
soprano peruana que desde los
años 50 conquistó con su voz.
VOCES
MASCULINAS
VOCES
FEMENINAS
Tenores
Barítonos
Bajos Contraltos
Mezzo Sopranos
Sopranos
El tono de la voz depende del
número de vibraciones, tensión y el
grueso de las cuerdas vocales. El
timbre de la voz varía según la
forma de la laringe y de las
cavidades de resonancia.
Juan Diego Flores, tenor peruano
nacido en Lima en 1973. Un digno
sucesor de Kraus.



Conocimiento 13

75. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 75


TÉCNICA VOCAL

La voz es "libre" cuando la emisión vocal es despojada
de toda contracción muscular del aparato fonador; es
decir, que hay naturalidad de la emisión vocal.

Para conseguir una fonación correcta tanto en la lectura,
como en la conversación, oratoria y el canto, es
recomendable evitar hablar y cantar empíricamente y
debe hacerse, más bien, impostando la voz.

IMPOSTACIÓN DE LA VOZ

Es la "ubicación de la voz". Se refiere a la concordancia
que debe existir en la emisión vocal, relacionando los
mecanismos laríngeos, la respiración y la acomodación
de las cavidades de resonancia. En la práctica la voz
impostada se le aprecia por las siguientes características:

Posee un timbre uniforme en todos los sonidos que
abarca (altos, bajos y medios).

Pronuncia clara y nítidamente las palabras y sonidos,
aún los emitidos suave o fuertemente (agudos, bajos
y otros).

















Domina todas las inflexiones, matices de intensidad
(suave, medio, fuerte y muy fuerte) y de expresión.

Tiene facilidad, naturalidad y flexibilidad en su
emisión, siendo capaz cualquier efecto de fuerza
(potencia) sin esforzarse ni gritar.
Gian Marco Javier Zignago Alcóver. Cantautor peruano
contemporáneo. Hijo de los también artistas: Regina Alcóver y el
desaparecido Joe Danova.
Andrea Bocelli, tenor, escritor y
productor musical italiano. Ha
grabado 4 óperas completas (La
Bohème, Il Trovatore, Werther
and Tosca), además de discos con
canciones clásicas y de música pop.

Impostar la voz es situarla en su
tesitura natural. Colóquela de
forma perfecta, regular y fluida, de
manera que le permita lucir todas
sus variables de tonos y riquezas
sonoras.
Las bases para una
buena impostación de la
voz se basa en la postura
del cuerpo, la respiración
diafragmática y la
abertura de la boca y la
garganta, pero aun así la
voz no tiene todavía el
volumen ni el color que
deseamos, carece del
brillo y solidez buscada.
Para lograr ese resultado
se debe trabajar con los
resonadores del canto
que son básicamente
órganos faciales como el
paladar óseo, los huesos
de la nariz, las cavidades
óseas, etc.

76. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 76




Mantiene la emisión vocal hablada o cantada durante
largo tiempo, sin fatigarse ni enronquecer.

Se le escucha perfectamente en cualquier local
cerrado (con mayor o menor resonancia de acuerdo a
su acústica) igual en las primeras filas que en las
últimas de la sala, sin perder calidad y sin ayuda de
altoparlantes.

EDUCACIÓN DE LA VOZ

Cada persona tiene su propia voz, pero tal como la tiene
necesita perfeccionarla. En muchos casos este
instrumento (la voz) debe ser educado y formado, hasta
recibir su máxima fuerza y agilidad, su profunda
expresión y su indestructibilidad.

En primer lugar es necesario estar informado sobre el
órgano vocal. Se debe conocer las condiciones que lo
puede llevar al máximo rendimiento.













La formación de la voz empieza con educación física en
general (excursiones, gimnasia, cultura física, baile, etc.).
No obstante, sus excesos provocan todo lo contrario, ya
que el sobreentrenamiento causa endurecimiento
muscular, pérdida de elasticidad en el diafragma y
tensión en el cuello, dando como resultado personas cuya
voz es dura, cascada, llamativa o chillona.

Un factor importante en la educación de la voz es la
respiración. Esta debe ser pasiva, sin retener demasiado
tiempo el aire, de modo que no se altere el ritmo, en tal
sentido, se debe practicar la respiración llevando el aire
al diafragma para favorecer y desarrollar el canto con
"voz de estómago".
Resonadores en el canto: Estos órganos intervienen para obtener una
adecuada resonancia vocal. Trabajar sobre ellos posibilita una mejor
impostación vocal.
EJERCICIOS
Vocalice con la boca
cerrada, pero enviando el
aire y el sonido hacia el
paladar, procurando
sentir las vibraciones que
se producen en este
resonador.
Vocalice con la boca
abierta, pero enviando el
aire en la misma
dirección e imaginando
que el sonido atraviesa el
paladar viajando por las
fosas nasales sin
detenerse allá y saliendo
por el entrecejo hacia el
punto de impresión.
Las cuerdas vocales son dos y están
situadas en la laringe. Tenemos un
gran número de músculos que
controlan la longitud de las
cuerdas vocales en vibración y por
consiguiente, controlan la
afinación.
La postura en el canto es
fundamental. La postura de la
izquierda fuerza la voz, mientras
que la de la derecha es la postura
fonatoria óptima.

77. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 77


MIDIENDO CONOCIMIENTO S

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿Cuáles son las clases de voces?
a. Voces masculinas y femeninas.
b. Voces de tenor y soprano.
c. Voces masculinas, femeninas y blancas.

¿Cómo se clasifican las voces femeninas?
a. Tenor, barítono y bajo.
b. Soprano, mezzo-soprano y contralto.
c. Graves, dulces y claras.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

¿Cómo se produce la voz humana?
______________________________________________
____________________________________________

¿Cómo actúan los resonadores para el canto?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________

¿Cómo se obtiene una adecuada impostación vocal?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________

¿Qué ejercicio conoces para la educación de la voz?
______________________________________________
______________________________________________
____________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) Las voces femeninas son soprano, mezzo-soprano
y contralto.
( ) Las voces de niños son llamadas voces blancas.
( ) Una adecuada impostación de voz domina todas
las inflexiones y matices de intensidad.
( ) La postura del cuerpo influye en el canto.
( ) Las cuerdas vocales son dos y están ubicadas en
la laringe.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Realice ejercicios de
respiración para el
canto tomando aire y
trasladándola al
diafragma. Luego de
retener el aire por unos
segundos déjelo salir
suavemente por la boca
tratando de controlar la
potencia y el tiempo
(entre 15 y 20
segundos).
Realice ejercicios de
impostación vocal
tomando aire y
llevándolo al estómago,
presione ligeramente el
diafragma y pronuncie
vocales durante 30 ó 40
segundos haciendo
resonar la cavidad
bucal.
RECUERDA
La posición del cuerpo
es fundamental para
una buena emisión
vocal. Al cantar
coloque sus pies en
línea con sus hombros,
uno ligeramente
delante del otro, la
columna debe estar
recta, los hombros y
brazos relajados y la
barbilla recta.

78. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 78



Los Instrumentos
Musicales

Los instrumentos mu-
sicales son objetos
compuestos por la
combinación de uno o
más sistemas reso-
nantes y los medios
para su excitación,
son construidos con
el propósito de pro-
ducir sonido en uno o
más tonos que puedan
ser combinados por
un intérprete para
producir música.

CLASES DE INSTRUMENTOS MUSICALES

Tradicionalmente, los instrumentos se dividen en tres
familias:

1. VIENTO: Los instrumentos de viento generan un
sonido cuando se hace vibrar una columna de aire
dentro de ellos. La frecuencia de la onda generada
está relacionada con la longitud de la columna de aire
y la forma del instrumento, mientras que la calidad
de tono del sonido generado se ve afectada por la
construcción del instrumento y el método de
producción del tono.

2. CUERDA: Estos generan un sonido cuando se hace
vibrar una cuerda. La frecuencia de la onda generada
y, por ello, la nota producida, depende generalmente
de la longitud de la porción que vibra de la cuerda, la
tensión de cada cuerda y el punto en el cual la cuerda
es tocada; la calidad del tono varía en función de
cómo ha sido construida la cavidad de resonancia.

3. PERCUSIÓN: Son los que crean sonido con o sin
afinación, cuando son golpeados, agitados o frotados.
La forma y el material de la parte del instrumento
que es golpeada y la forma de la cavidad de
resonancia, si la hay, determinan el sonido del
instrumento.
Algunos instrumentos de viento
son el saxo y la flauta dulce.
La guitarra, el violonchelo y el
arpa son algunos instrumentos
de cuerda.
Los timbales son instrumentos de
percusión.
Conocimiento 14

79. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 79


INSTRUMENTOS DE USO UNIVERSAL
Observe a continuación la siguiente clasificación de los
principales instrumentos de uso universal:













































INSTRUMENTOS DE VIENTO


Flautín, flauta, clarinete, oboe,
corno inglés, fagot.


Cornetín, trompeta, corno
francés, trombón, tuba, saxo.


INSTRUMENTOS DE CUERDAS

Violín, viola, violonchelo,
contrabajo.


Arpa, guitarra, mandolina.


Piano






INSTRUMENTOS DE PERCUSIÓN


Timbales, celesta, campanas,
xilófono, vibráfono.


Tambores, platillos,
castañuelas, maracas, claves,
sonajas.


De madera



De metal
Frotadas


Rasgadas


Percutidas

Determinados



Indeterminados
Piano
Xilófono
Maracas
Mandolina
Trombón

80. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 80


Para paliar las carencias de las que adolece la
clasificación tradicional, algunos musicólogos añaden a
ésta las siguientes categorías:

1. VOZ: La voz humana es un instrumento en sí
mismo. Un cantante genera sonidos cuando el flujo
de aire de sus pulmones hace vibrar las cuerdas
vocales. La frecuencia es controlada por la tensión de
las cuerdas vocales y la calidad del tono por la forma
del tracto vocal; un amplio rango de sonidos pueden
ser creados.















2. TECLADOS: Los instrumentos de teclado son
instrumentos de viento (órgano), cue rda
(clavicordio), percusión (piano) o electrónicos
(sintetizador) que son tocados utilizando un teclado,
de forma que cada tecla genera uno o más sonidos.
Muchos instrumentos de teclado tienen otros medios
(pedales en el caso del piano, registros en el caso del
órgano) para alterar esos sonidos.









3. ELECTRÓNICOS: Los instrumentos electrónicos
generan sonido por medios electrónicos.
Generalmente imitan a otros instrumentos en su
diseño, especialmente a los instrumentos de teclado.

En principio,
cualquier cosa que
produzca sonido
puede servir de
instrumento musical,
pero la expresión se
reserva,
generalmente, a
aquellos objetos que
tienen ese propósito
específico.

La colombiana Shakira ha logrado gran éxito internacional con el manejo
adecuado en la impostación de su voz.
La guitarra eléctrica produce sonidos al hacer vibrar las
cuerdas que la componen.
Carlos Santana es un guitarrista
mexicano de rock, latin rock y
jazz-rock.
Richard Clayderman (París, 1953).
Reconocido como uno de los
pianistas de música ligera más
exitosos a escala mundial, con más
de 70 millones de discos vendidos
siendo premiado con 267 de oro y
70 de platino y habiendo realizado
más de 600 conciertos alrededor
del mundo.

81. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 81


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿Cómo se clasifican los instrumentos musicales?
a. De viento, cuerda y percusión.
b. Frotados, rasgados y percutidos.
c. De metal y madera.

¿Cómo se clasifican los instrumentos de cuerda?
a. Frotados, rasgados y percutidos.
b. De madera y metal.
c. Determinados e indeterminados.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

¿Qué son los instrumentos musicales?
______________________________________________
____________________________________________

¿Cuál es la diferencia entre instrumentos de viento y
cuerda?
______________________________________________
______________________________________________

¿Cuáles son algunos instrumentos de percusión
indeterminados?
______________________________________________
______________________________________________

¿Cuál es otra forma de clasificar a los instrumentos
musicales?
______________________________________________
______________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) El piano es un instrumento de cuerda.
( ) Los instrumentos de percusión producen sonidos
al golpearlo, agitarlos o frotarlos.
( ) La voz es un instrumento en sí mismo.
( ) Los instrumentos electrónicos generan sonidos
por medios electrónicos.
( ) Los tambores, platillos, castañuelas, maracas,
claves, sonajas, son instrumentos de percusión.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Realiza prácticas de
interpretación musical
empleando algunos
instrumentos
musicales, puedes
empezar con
instrumentos de
percusión
acompañando el ritmo
de una determinada
canción;
posteriormente
empleando
instrumentos de cuerda
o viento aprende la
melodía y tócala frente
a tus compañeros.
RECUERDA
Si bien la melodía es
una secuencia de
sonidos musicales, esto
no implica que haya
música, pues se
requiere del ritmo para
que ordene los tiempos
y le dé sentido musical,
es por ello que estos
elementos siempre
estarán implícitos en
cualquier composición
musical.

82. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 82


















































Danza

83. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 83




Danza

Luego de haber ampliado sus conocimientos musicales,
ha llegado el momento de armonizar el sonido con el
movimiento, ingresamos al mundo de la danza.

La danza es la acción o manera de bailar. Se trata de la
ejecución de movimientos al ritmo de la música que
permite expresar sentimientos y emociones. Se estima
que la danza fue una de las primeras manifestaciones
artísticas de la historia de la humanidad.









Desde la prehistoria el ser humano ha tenido la necesidad
de comunicarse corporalmente, con movimientos que
expresaban sentimientos y estados de ánimo. Estos
primeros movimientos rítmicos sirvieron igualmente para
ritualizar acontecimientos importantes (nacimientos,
defunciones, bodas). El hombre descubrió que podía
hacer movimientos distintos a los que hacia cuando
cazaba, pescaba o recolectaba, podía imitar los
movimientos de sus presas y así lo siguió haciendo.












En principio, la danza tenía un componente ritual,
celebrada en ceremonias de fecundidad, caza o guerra, o
de diversa índole religiosa, donde la propia respiración y
los latidos del corazón sirvieron para otorgar una primera
cadencia a la danza.
Conocimiento 15

La danza es el arte de expresarse mediante
movimientos del cuerpo, generalmente
acompañados de ritmos musicales, con fines de
entretenimiento, artísticos o religiosos.

La danza, también es
una forma de
comunicación, ya que se
usa el lenguaje no verbal
entre los seres humanos,
donde el bailarín o
bailarina expresa
sentimientos y emociones
a través de sus
movimientos y gestos. Se
realiza mayormente con
música, ya sea una
canción, pieza musical o
sonidos y que no tiene
una duración específica.
Pintura mural egipcia. La danza
en sus inicios comenzó siendo
sagrada más tarde era propia de
los funerales y acabó siendo objeto
de diversión.
La Marinera es una danza típica
peruana. Adquiere su nombre
después de la Guerra con Chile, y
en homenaje a la marina peruana.

84. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 84


LA DANZA EN LA HISTORIA

La danza y su historia acompañaron al ser humano desde
los comienzos de la humanidad. Los primeros registros
existentes de la historia de la danza tienen más de 10.000
años de antigüedad, habiendo antiquísimas esculturas y
tallados en piedra que demuestran su existencia y sus
prácticas. Es una expresión tan primitiva como la
conformación de las primeras sociedades tribales, donde
la danza formaba parte de los rituales para la caza y la
supervivencia.

En el antiguo Egipto, la danza era ceremonial, se
representaban la vida, muerte y resurrección del dios
Osiris. Los filósofos que viajaban a Egipto llevaron a
Grecia esta danza ceremonial y en los rituales en honor a
los dioses del Panteón surgen las bases del teatro
contemporáneo. En Roma, en 150 a.C. la danza fue
prohibida, entonces surgió la pantomima como forma
muda de expresión.











Durante la Edad Media, fue prohibida. Entonces las
celebraciones paganas se incorporaron a la Iglesia,
reemplazándolas con fiestas cristianas. En el
Renacimiento, se crean grandes obras que devuelven a la
danza valor social. En el siglo XVI nació el ballet y se
instaló en Francia la primera Real Academia. Comienzan
a proliferar los bailes sociales.

En el siglo XX, aparece la escuela rusa revolucionando
el ballet y nacen las danzas modernas como reacción a la
rigidez de éste. Aparecen también la rumba, la salsa y el
chachachá inspirados en ritmos latinos y caribeños, y en
los años 50, el rock and roll y el Twist. En los años 70,
nace la danza posmoderna en contraposición a la
moderna. La evolución, importancia e historia de la
danza continúa hasta nuestros días.

La danza es una de las
bellas artes que utiliza el
cuerpo humano para
comunicar o expresar
ideas, emociones o
sentimientos. Nace con
la humanidad. Es un
fenómeno universal que
está presente en todas las
culturas, razas y
civilizaciones.
Pintura rupestre de la cueva de
Cogul (España) representa una
danza fálica, una danza
relacionada con la fertilidad.
Las pantomimas danzables de
Roma. Una solista sabía expresar
toda una cadena de estados de un
mito completo, iba acompañada de
una orquesta y un coro.
El Twist es un baile basado en el
rock and roll muy popular a
comienzos de la década de 1960,
llamado así a partir de una canción
que lo originó: The Twist,
interpretada por Chubby Checker.

85. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 85


CLASIFICACIÓN DE LA DANZA

Existen muchas formas de clasificar a las danzas, en este
caso lo haremos según los criterios de procedencia
geográfica e histórica. Si bien hay muchas danzas en los
países americanos, cuyo origen es tema de discusión, por
encontrarse dudas sobre si son autóctonas, o tienen raíces
africanas o hispánicas, lo cierto es que están
incorporadas al folklore, aunque se sigan estudiando sus
orígenes y aportes.

Las características geográficas de nuestro país permite
distinguir claramente tres regiones: la Costa, la Sierra y
la Selva. En cada una de estas regiones se practicas
danzas desde tiempos inmemoriales.

DANZAS DE LA COSTA

Las danzas costeñas nacen a partir de la convivencia de
hacendados españoles, plebeyos europeos, nativos
costeños y esclavos más libertos africanos y mulatos de
padres caribeños. Todo este mestizaje y encuentro étnico
se dio en los grandes pueblos que colindaban con las
haciendas costeñas más importantes de los siglos XVI y
XVII, además de los puertos de salida y entrada; y los
callejones costeños.

















Algunas de estas danzas son: marinera norteña, marinera
limeña, tondero, festejo, landó, alcatraz, lavanderas,
zamacueca, inga, zapateo, zamba landó, son de los
diablos, pesca de camarones, entre otras.
El festejo es un ritmo erótico-festivo típico representativo del mestizaje
negro peruano, que se mantiene vigente en Lima e Ica. Se caracteriza
por sus gestos, movimientos de brazos, los contorneos de cadera,
movimientos de polleras o faldas,
Pesca del Camarón. Danza propia
de Condesuyos, Arequipa. Tiene
hermoso vestuario y de igual
manera el uso de las materiales,
como las canastas o vaceadoras,
izangas, atarrayas, latas, máscaras
de buzo, chinguillos, icas, los que le
dan un atractivo especial.
La danza de las Lavanderas, es
practicada en Ica. Es uno de los
bailes emotivos donde las morenas
muestran movimiento de cintura y
cadera, movimientos pélvicos y
expresión de lavar. Utilizan sus
bateas como herramienta de
trabajo.
El Tondero. Danza considerada la
más tradicional del norte peruano
que hasta ahora se conserva en su
forma original.
Recrea el ritual amoroso de las
aves con un ingrediente sensual de
la cultura afroperuana.

86. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 86


DANZAS DE LA SIERRA

Las danzas andinas se caracteriza por sus rasgos de
ascendencia indígena, siendo de carácter rural aunque
también tiene influencia española, es más conservadora y
emplea melodías de épocas pre-hispánicas, sus
vestimentas poseen gran colorido. En sus coreografías se
reflejan la vivencia del hombre andino, su culto
religioso, su trabajo y agradecimiento a la ―pachamama‖
(madre tierra), etc.

Entre las danzas de la sierra están: danza de tijeras, sara
hallmay, huaylash antiguo, qachua umuto, sarqhi,
charaque tupay, ayarachi, waca waca, chonguinada,
huaylarsh moderno, kiñuta pukllay, qanchi, qajelo, wititi
y muchas más.

















DANZAS DE LA SELVA

Las danzas de la selva tienen un carácter predominante
mágico–religioso, se realizan bailando en forma
colectiva y en que los danzarines llevan en las manos un
arma, una rama o cualquier objeto que agitan con suma
elegancia y simpatía, generalmente se pintan el cuerpo
con mucha habilidad y esmero haciendo sentir su belleza
que es de origen neto incaico.

Destacan la danza de la boa, orgullo shipibo, ayahuasca,
buri - buriti, luto cacherine, saco largo, amazonas,
macanas, ani-sheati, apu cashi, pistha, amuesha, campas,
sitarakuy, pandillada.
El Huaylarsh es una danza muy conocida y difundida de la zona andina
central del Perú, de carácter festivo y agrícola, de allí proviene el fuerte
zapateo característico. La danza, en la que intervienen jóvenes de
ambos sexos, representa el vistoso galanteo del macho a la hembra.
La Chonguinada es una danza
grupal de la región Junín. El
vestuario posee joyas y adornos
con elementos brillantes; los
varones llevan una máscara que
representa a un europeo con la piel
blanca y ojos azules.
El Wititi. De Tapay (Colca
Arequipa) lugar de origen de esta
danza, nace como "Witiwiti",
sinónimo de danza romántica del
"ccatatanakuy" preludio amoroso
hacia el emparejamiento y el amor.
Movido típico, es una alegoría de la
tribu de los Yahuas en la cual las
mujeres representan la
sensualidad y la alegría, y los
hombres la agilidad y fuerza de la
gente selvática.
Danza Carapachos, de Monzón,
Huánuco. Representa las
costumbres que tenían las tribus
de los Carapachos, antes y después
de la cacería.

87. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 87


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿Cómo se clasifican la danza según su procedencia
geográfica?
a. Danzas de la Costa, la Sierra y la Selva.
b. Danzas Festivas, Ganaderas, Agrícolas.
c. Danzas Prehispánicas, Coloniales y de Fusión.

Las danzas de la Selva se caracterizan por:
a. Su carácter predominante mágico – religioso.
b. Su carácter rural y uso de melodías prehispánicas.
c. La integración europea, africana y nativos de Perú.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

¿Qué es la danza?
______________________________________________
____________________________________________

¿Cuáles son algunas danzas de la Costa?
______________________________________________
______________________________________________

¿Por qué se caracterizan las danzas de la Sierra?
______________________________________________
______________________________________________

¿Históricamente, cómo se inicia el arte de la danza?
______________________________________________
______________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) Los primeros registro de la historia de la danza
tienen más de 10000 años de antigüedad.
( ) En el antiguo Egipto la danza era ceremonial.
( ) En el siglo XVI nació el ballet y se instaló en
Francia la primera Real Academia.
( ) La danza es un fenómeno universal que está
presente en todas las culturas, razas y
civilizaciones.
( ) En el 150 a.C. en Roma se prohibió la danza
dando lugar al surgimiento de la pantomima.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Investiga y redacta una
ficha descriptiva de por
lo menos cinco danzas
de la Costa, cinco de la
Sierra y cinco de la
Selva.
Busca imágenes que
ilustren el vestuario de
las danzas que has
investigado.
Elabora un álbum con
las fichas y las
imágenes ordenándolas
según su procedencia
geográfica.
Escucha y compara la
música de cada danza
investigada y añade un
comentario al respecto
en tu álbum.
RECUERDA
La danza siempre ha
estado presente en la
vida del hombre. Es
una de las formas
primarias de
expresarse, sin
embargo para que
alcance la categoría de
arte merece una
preparación adecuada
tanto auditiva como
corporalmente.

88. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 88




Elementos de la Danza

Desde su aparición en la Tierra el hombre se ha
expresado a través de las artes, y de esta manera ha
manifestado alegrías, tristezas, deseos, emociones,
pedidos y agradecimientos. Así nos llegan desde tiempos
inmemoriales sus artes, y de su mano, sus costumbres, su
vida toda, y hasta parte de su historia. La danza no es
ajena a este fenómeno, y es posiblemente de las primeras
artes a través de la cual se comunica, y es importante
destacar que tal vez sea la más simbólica de las artes ya
que, al prescindir básicamente de la palabra, se acentúa
la necesidad de una buena transmisión gestual.

La danza es movimiento, un movimiento muy especial
que requiere de cinco elementos fundamentales, sin los
cuales ella no existiría. Ellos son: Ritmo, Forma,
Espacio, Tiempo, Energía.







De esta manera, se puede definir a la danza como el
desplazamiento efectuado en el espacio por una o todas
las partes del cuerpo del bailarín, diseñando una forma,
impulsado por una energía propia, con un ritmo
determinado, durante un tiempo de mayor o menor
duración.









El uso predominante de uno u otro de los elementos del
movimiento no es siempre parejo. En algunas danzas
predomina el ritmo, en otras el uso del espacio, etc.
También es importante destacar que de acuerdo al
carácter de ella se acentuará el uso de uno u otro
elemento.

Cuando la danza no se
manifiesta como el puro
bailar, o como el
equilibrio estético que es
el ballet clásico, sino que
se imprime una intención
determinada se
complementa con
“Elementos Adicionales
No Danzantes”. Éstos
son cuatro: Mímica,
Gesto, Simbolismo y
Canto.
El tango. Se puede decir que es la
danza más compleja que existe ya
que consta de la sensualidad y la
seducción, se puede bailar en
salones, teatros, entre otros. Este
género es proveniente de
Argentina.
La salsa es el baile creado por
gente de habla hispana del Caribe
para la música salsa el cual se baila
en parejas o en grupo. La salsa
mezcla influencias de baile
africanas y europeas mediante la
fusión de los siguientes bailes: son,
son montuno, rumba, guaracha.
Conocimiento 16

89. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 89


RITMO: Es la organización en el tiempo de pulsos y
acentos que perciben los oyentes como una estructura.
Ésta sucesión temporal se ordena en nuestra mente,
percibiendo de éste modo una forma. El ritmo está muy
asociado a los estados de ánimo; por ejemplo en la
música folclórica caribeña el ritmo es muy rápido,
intenso y excitativo, teniendo como fin alcanzar estados
de euforia.

FORMA: Hace referencia a la figura espacial que se
construye, ya sea con el cuerpo o con el conjunto de
danzarines en una figura coreográfica.

ESPACIO: Comprende las trayectorias del movimiento,
direcciones, niveles, planos y líneas de tensión espacial.

TIEMPO: Considera el pulso, acento, compás, etc.
manteniendo una relación directa con el movimiento, ya
que este debe actuar en concordancia con el ritmo.

ENERGÍA: Cada movimiento en la danza debe ser
ejecutado con un determinado nivel o grado de energía,
el cual puede medirse según sea suave, medio, fuerte,
etc. en relación a la danza que se esté ejecutando.







INTERRELACIÓN CUERPO –ESPACIO-TIEMPO

El espacio es el medio de relación, es el lugar donde el
yo se expresa y donde se comunica con los otros. El
espacio es un medio físico vivenciado por el propio
cuerpo cuyos límites son los límites físicos reales.

Al tratar de comprender el funcionamiento de los
órganos corporales internos, cuando realizan sus
actividades y funciones, percibimos a través de sus
movimientos su rítmica peculiar. Esto nos demuestra su
ánimo y viveza. Las interacciones espaciales están
íntimamente ligadas a las interacciones temporales en un
entramado donde espacio y tiempo se definen claramente
su inseparabilidad.
El ritmo en la danza es la
frecuencia de repetición, a
intervalos regulares y en ciertas
ocasiones irregulares de sonidos
fuertes y débiles, largos y breves,
altos y bajos, en una composición.
La forma en la danza implica la
perfecta armonía corporal de la
figura espacial que se construye
con el cuerpo y con los demás
danzarines.
El dominio del espacio es
fundamental en el desarrollo
coreográfico de una danza.
Los movimientos en la danza se
realizan con o sin acompañamiento
de sonidos pero deben tener una
duración determinada.

90. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 90


ANÁLISIS DEL MOVIMIENTO

El coreógrafo y teórico del movimiento Rudolf von
Laban desarrolló la teoría de ―análisis del movimiento‖,
la cual vincula las relaciones entre el movimiento y el
espacio que nos rodea; actualmente, es una herramienta
de vital importancia para bailarines y coreógrafos.

Las herramientas de análisis del movimiento están
organizadas de la siguiente manera:

EL CUERPO: Aquí se examina en qué parte del cuerpo
se inicia el movimiento y el desarrollo del mismo,
observando la mecánica del movimiento en función a la
anatomía del cuerpo.

LOS ESFUERZO S: En este punto se analizan las
dinámicas y cualidades del movimiento. Observa la
relación entre el tiempo (rápido o lento), el peso (liviano
o pesado), el espacio (directo o indirecto) y el flujo (libre
o contenido).

LA FORMA: Luego, se observan las formas que toma
el cuerpo en su interacción con el ambiente.

EL ESPACIO: Finalmente, se analizan las trayectorias
del movimiento, direcciones, niveles, planos y líneas de
tensión espacial.

RITMOS SALSA BALLET DISCO REGGAETÓN
CUERPO
¿En qué parte del cuerpo se inicia el
movimiento?
Pelvis
¿Qué partes del cuerpo participan de
esta acción / movimiento?
Pelvis,
tronco, pies

ESFUERZO
Tiempo: rápido o lento Rápido
Espacio: directo o indirecto Indirecto
Peso: liviano o pesado Liviano
Flujo: libre o continuado Libre
FORMA
Redondo
Extendido
Angosto
Enroscado X
ESPACIO
Nivel: alto, medio, bajo Medio
Plano: vertical, horizontal, sagital Todos
Trayectorias: recta, angular, circular y
curva
Curva
Rudolf Laban (austro-húngaro,
1879-1958) fue bailarín, coreógrafo
y teórico del movimiento.

La teoría “Análisis del
Movimiento” posibilita
un estudio en
profundidad de la danza
y permite, incluso,
describirla certeramente
de manera escrita, ya que
incluye el desarrollo de
un sistema de notación o
"escritura" del
movimiento conocido
como labanotation.

91. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 91


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿Cuáles son los elementos de la danza?
a. Ritmo, espacio, tiempo.
b. Ritmo, forma, espacio, tiempo, energía.
c. Cuerpo, esfuerzos, forma, espacio.

¿A qué se refiere el ritmo como elemento de la danza?
a. A las trayectoria del movimiento.
b. A un determinado nivel o grado de energía.
c. A la organización en el tiempo de pulsos y acentos.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

¿A qué se refiere el elemento tiempo en la danza?
______________________________________________
____________________________________________

¿Qué diferencia hay entre forma y espacio?
______________________________________________
______________________________________________

¿Cuál es la relación entre cuerpo, espacio y tiempo?
______________________________________________
______________________________________________

¿En qué consiste el ―análisis del movimiento‖?
______________________________________________
______________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) En el análisis del movimiento, se analiza dónde se
origina el movimiento y el desarrollo del mismo.
( ) La teoría del ―análisis del movimiento‖ fue
desarrollada por el coreógrafo Rudolf von Laban.
( ) El elemento forma de la danza hace referencia al
grado de energía impuesto en cada movimiento.
( ) Los elementos adicionales no danzantes son el
gesto, simbolismo, canto y mímica.
( ) El sistema de notación o ―escritura‖ del
movimiento diseñado por Rudolf von Laban es
conocido como labanotation.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Formen equipos de
trabajo de cinco o seis
integrantes y
seleccionen un tema
musical.
Escriban en varias
tarjetas de cartulina
una secuencia de
movimientos según la
canción seleccionada.
Se debe resaltar en
cada tarjeta los
elementos de la danza,
es decir, la forma que
se está estructurando
individual y
colectivamente, el ritmo
que deben llevar, el
espacio empleado, el
tiempo para cada
movimiento, etc.
RECUERDA
Los elementos de la
danza no actúan por
separado pues todos
coexisten en cada
danza, sin embargo
algunos pueden ser
más notorios que otros.
Para mejorar en este
análisis puedes
emplear la ficha de
análisis del
movimiento, llénala
observando las danzas
de tu preferencia.

92. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 92




Expresión Corporal

Pensar que el hombre no se exprese es imposible, la no
expresión equivale a la muerte, sólo un ser humano sin
vida deja de ser expresivo.

Se puede decir que el símbolo es a la expresión lo que la
palabra es al pensamiento, el hombre se expresa lo cual
significa que expresa lo que es y lo que vive. El hombre
se expresa en su cuerpo, de ahí que se hable de expresión
corporal.












La expresión corporal se refiere al movimiento, con el
propósito de favorecer los procesos de aprendizaje,
estructurar el esquema corporal, construir una apropiada
imagen de sí mismo, mejorar la comunicación y
desarrollar la creatividad.










Su objeto de estudio es la corporalidad comunicativa en
una relación: estar en movimiento en un tiempo, un
espacio y con una energía determinada. Las estrategias
para su aprendizaje se basan en el juego, la imitación, la
experimentación y la imaginación. Estos procesos son
los que se ponen en juego para el desarrollo de la
creatividad expresiva, aplicada a cualquiera de los
lenguajes.
La expresión corporal nos
posibilita una toma de conciencia,
el conocimiento de sí, de los
objetos, conocimiento del otro o de
los otros y también conocimiento
del mundo exterior.

Conocimiento 17

La Expresión corporal es una disciplina que permite
encontrar, mediante el estudio y la profundización
del empleo del cuerpo, un lenguaje propio. Este
lenguaje corporal puro, sin códigos preconcebidos,
es un modo de comunicación que encuentra su
propia semántica directa más allá de la expresión
verbal conceptualizada.
El propósito principal de la
Expresión Corporal es sentir
libertad en la ejecución de cada
movimiento artístico basado en los
sentimientos que quieren expresar.
Marta Schinca, catedrática emérita
de Técnica y Expresión del
Movimiento. Desarrolló el método
Schinca de Expresión Corporal.
El objeto de la Expresión Corporal
es la conducta motriz con finalidad
expresiva, comunicativa y estética.

93. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 93


MOVIMIENTO : Toda actividad humana está
acompañada de gestos o movimientos particulares, lo
cual permite hacer estudios que faciliten su desarrollo
técnico. Por ejemplo, en el volibol, se analiza la manera
de golpear el balón y se comparan profesionales con
estudiantes y se ve cuál es el error al realizar el
movimiento, siendo una manera de enseñanza con la
comparación. Del mismo modo, en la danza, al implicar
movimientos tan complejos, para lograr su dominio
pleno requiere un análisis de las posibilidades expresivas
corporales. Algunos tipos de movimientos del cuerpo son
la abducción, la aducción, la extensión, la flexión y la
rotación.

EQUILIBRIO: Es el sentido del eje corporal. Es el
encargado de soportar el cuerpo cuando por ejemplo se
hace un paso en el que se levanta una pierna o al mover
el torso. Para adquirir un buen equilibrio es fundamental
tener una buena colocación del cuerpo, por tanto, antes
de empezar a practicar ejercicios de equilibrio es
importante que se aprenda a colocar el cuerpo de una
manera adecuada: Los dos pies en el suelo, las piernas
estiradas, sin sacar la barriga, los hombros relajados en
su sitio y la cabeza mirando hacia delante fijando la
mirada.











RELAJACIÓN: Permite una desconexión con el
exterior en ese momento y centrarse en el interior de la
persona, en su propio y auténtico ser, siendo esta forma
la mejor manera de escucharse a sí mismo, observar sin
crítica y tomar conciencia para que el cuerpo y la mente
trabajen en perfecta sintonía. En el campo de la
expresión corporal, la relajación viene acompañada de
ejercicios que incorporan movimientos corporales,
generalmente acompañados de música instrumental
suave y el direccionamiento de un guía que genera
situaciones a las que responden los participantes.
A través del movimiento podemos
aprender cosas sobre nuestro
cuerpo, el espacio que nos rodea y
ayuda a conocernos mejor
nosotros mismos.
Postura de flor de loto: colocar el
empeine del pie derecho sobre el
muslo izquierdo y viceversa.
El yoga ayuda a desarrollar fuerza,
flexibilidad, una mente tranquila,
un corazón abierto.

EJERCICIOS DE
EQUILIBRIO
Levantando primero una
pierna del suelo y luego la
otra. Todos en círculo
cogidos de las manos para
más estabilidad, luego se
puede trabajar por parejas
donde solo tendrá un punto
de soporte, finalmente de
manera individual.
Con una pierna arriba,
poner los brazos a la
cintura, luego delante del
ombligo como si estuviesen
sosteniendo una pelota muy
grande, estirarlos hacia
arriba en forma de corona o
abrirlos a los lados.

94. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 94


EXPLORACIÓN DEL CUERPO Y SUS PARTES

El cuerpo siempre ha sido expresivo, o sea que se
expresa más con el movimiento que con el pensamiento,
por eso, se debe conocer la energía del movimiento y
explorar los sentidos y el espacio.

EXPLORACIÓN DE LOS SE NTIDOS

El trabajo fundamental en la exploración del cuerpo es el
descubrimiento de los sentidos y expresarlos de acuerdo
al tiempo y al momento adecuado. Los sentidos hay que
ejercitarlos por lo menos una vez a la semana. Para
desarrollar la expresión corporal, se puede practicar los
ejercicios siguientes en forma grupal:

1. Por parejas una persona lleva una tela que la colocará
en una articulación y es la que dirige, la otra no lleva
ninguna y debe seguir haciendo todos los ejercicios
que realice el primero. Los movimientos deben ser
acciones que habitualmente realizamos y debe
acompañarlas con una expresión, (atarse el zapato,
meter las manos en los bolsillos, sentarse, cruzar
piernas...). Se sugiere, que recuerden lo que han
hecho nada más levantarse, o cuando llegan a casa o
la relación con los hermanos.... Se recuerda que se
utilice el suelo. A los tres minutos se cambian los
papeles, y se pasa la tela.









2. Se trabaja por parejas, una de ellas con una tela
colocada en una articulación. Todos los participantes
se desplazan trotando suave por el gimnasio sin
molestarse, y al ritmo de la música, cuando ésta pare
las personas que llevan tela deben adoptar una
posición y quedarse como estatuas en un lugar del
gimnasio, respetando el espacio total y la que no
lleva debe buscar a su pareja e interpretar la posición
de su pareja y formar parte de esa acción. Se realizan
cuatro veces y luego cambian los papeles.
La expresión corporal permite el
aprendizaje de códigos y
significados corporales.
La expresión corporal desarrolla la
creatividad, expresividad,
imaginación y espontaneidad,
experimentando y concienciándose
de las distintas posibilidades
expresivas que ofrecen el cuerpo y
el movimiento.
Los ejercicios de expresión
corporal pueden ser trabajados
con grupos grandes y pequeños. Se
pueden acondicionar estrategias
para cada propósito aunque es
importante que el guía o instructor
defina y explique la finalidad de
cada trabajo para concienciar al
estudiante.

95. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 95


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿A qué hace referencia el movimiento en la expresión
corporal?
a. A la calidad de movimientos corporales.
b. Al sentido que actúa como eje corporal.
c. A la desconexión con el exterior de la persona.

¿A qué hace referencia el equilibrio en la expresión
corporal?
a. A las trayectoria del movimiento.
b. A un determinado nivel o grado de energía.
c. A la organización en el tiempo de pulsos y acentos.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

¿Qué es la expresión corporal?
______________________________________________
____________________________________________

¿Cómo actúa la expresión corporal en la danza?
______________________________________________
______________________________________________

¿Para qué sirve la relajación en la danza?
______________________________________________
______________________________________________

Describe un ejercicio de expresión corporal:
______________________________________________
______________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) La expresión corporal tiene como finalidad sentir
libertad en cada movimiento artístico corporal.
( ) A través del movimiento se puede aprender sobre
nuestro cuerpo, el espacio que nos rodea y ayuda
a conocernos mejor nosotros mismos.
( ) La expresión corporal desarrolla la creatividad,
expresividad, imaginación y espontaneidad.
( ) La expresión corporal permite el aprendizaje de
códigos y significados corporales.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Seleccionen ejercicios
de expresión corporal
para desarrollarlo con
todos los integrantes
del salón.
Iniciar la actividad
eligiendo a un guía,
esta labor puede ser
asumida por el propio
docente.
Realizar la actividad
durante el periodo de
tiempo planificado o
que corresponda al
ejercicio.
Dialogar sobre
aspectos relevantes del
ejercicio y opinar sobre
emociones y
situaciones.
RECUERDA
La Expresión Corporal
tiene como objeto de
estudio a la
corporalidad
comunicativa en una
relación: estar en
movimiento en un
tiempo, un espacio y
con una energía
determinada. Las
estrategias para su
aprendizaje se basan
en el juego, la
imitación, la
experimentación y la
imaginación.

96. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 96




Desarrollo Auditivo

El oído, es el sentido que se halla siempre implicado en
cualquier actividad de música viva (para cantar, para
tocar, danzar...). Por eso, la educación auditiva es un
aspecto básico de la educación musical en los niños.


3.
4.








La facultad perceptiva del oído se debe desarrollar en el
aula, mediante actividades de percepción, discriminación
y reconocimiento auditivo, añadiendo progresivamente
canciones y actividades instrumentales. A partir de la
discriminación auditiva se desarrolla el oído musical, al
permitir el reconocimiento, el análisis, la clasificación y
la ordenación de sonidos, ruidos, silencios, timbres,
duraciones, ritmos, intensidades o alturas.

Dos aspectos prevalecen durante todas las clases,
indistintamente de las actividades que se estén
realizando, y son el estímulo de la atención y el
desarrollo de la agudeza auditiva.









La audición musical debe ser una práctica y proceso
continuado, que debe dar comienzo desde edades muy
tempranas, a través de ejercicios sensoriales, que tengan
en muchos casos una respuesta motriz al estímulo
sonoro: danza espontánea, llevar el ritmo, acompañar la
melodía con sencillos dibujos...
El oído es el sentido más
directamente relacionado con el
arte musical. La música es sonido,
el sonido es vibración, y la
vibración es movimiento.


El Desarrollo Auditivo es el proceso mediante el
cual la persona logra un perfeccionamiento
sensorial del oído, principalmente musical, que le
permite discriminar ritmos, melodías, matices,
estructuras, etc. para asociarlos adecuadamente a
los movimientos y desplazamientos corporales.




Conocimiento 18
Estímulo
de la
Atención
Desarrollo
de la
Agudeza
Auditiva
El trabajo auditivo contribuye a
mejorar la concentración, la
atención y la discriminación
tímbrica, así como el sentido
rítmico, estético y musical.


Es importante conocer el
momento evolutivo de la
persona en cuanto a la
percepción sonora, por
ejemplo a la edad de 12
años se percibirá la
igualdad de métrica,
melodía o ritmo aun cuando
otros elementos hayan
cambiado.
La percepción de la
tonalidad se realiza en
torno a los 9 años y entre
los 10 y los 12 se produce el
reconocimiento melódico y
la distinción de intervalos
armónicos, siendo a los 10
años la edad aproximada el
desarrollo de la sensibilidad
por el poder de atracción
hacia la tónica.

97. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 97


ESCUCHA ACTIVA

Uno de los mayores retos a enfrentarse en el desarrollo
auditivo es el no saber escuchar. Existe la creencia
errónea de que se escucha de forma automática, pero no
es así. Escuchar requiere un esfuerzo superior al que se
hace al hablar y también del que se ejerce al escuchar sin
interpretar lo que se oye.











La escucha debe ser activa en un nivel elemental, en
donde el estudiante discrimine parámetros musicales de
forma básica, como ritmos, acentos, melodías o timbres,
entre otros. El oír es simplemente percibir vibraciones de
sonido. Mientras que escuchar es entender, comprender o
dar sentido a lo que se oye. La escucha efectiva tiene que
ser necesariamente activa por encima de lo pasivo.











Al plantear una audición musical, además de conocer los
elementos que la configuran y su disposición en la obra,
se debe apreciar su belleza, y experimentar su escucha
como algo placentero. Se debe aprovechar los procesos
que conlleva la audición activa, para trabajar otros
aspectos musicales como pueden ser: lenguaje musical,
expresión vocal y canto, expresión corporal,
acompañamiento instrumental, y relacionarla con otros
lenguajes estéticos como la pintura, la escultura, la
poesía, el cine y en general con el mundo de la imagen.

La escucha activa significa escuchar y entender lo
que se está percibiendo. La escucha activa se refiere
a la habilidad de escuchar no sólo lo que se emite
directamente, sino también los sentimientos, ideas o
pensamientos que subyacen a lo que se está
expresando.





Los pasos generales que se
han de seguir en el
desarrollo auditivo son:
1. Experimentar el sonido,
entrenarse para una
escucha correcta.
2. Despertar el amor al
sonido, el deseo de
reproducir lo que se ha
oído y familiarizarlo
con el campo melódico.
3. Desarrollar la memoria
auditiva, recurriendo a
la imaginación auditiva,
para crear e improvisar.
4. Potenciar la conciencia
sensorial, afectiva y
mental del mundo
sonoro.

Para desarrollar la escucha activa
se debe tener disposición
psicológica: prepararse
interiormente para escuchar.
La facultad perceptiva se debe
trabajar mediante actividades de
percepción, discriminación y
reconocimiento auditivo.
La audición activa mejora la
concentración, la atención y la
discriminación tímbrica, así como
el sentido rítmico, estético y
musical.

98. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 98


EXPRESIÓN MÚSICO -CORPORAL

Para trabajar la audición activa se pueden realizar
actividades dramatizadas con acompañamiento de
música, danzas y expresión corporal, recitado de
canciones, acompañamiento de audiciones con
instrumentos de pequeña percusión y corporales,
musicogramas, así como narraciones anecdóticas de
la obra o del compositor.

La Expresión Músico-Corporal consiste en acompañar
con movimientos y gestos corporales una audición.
Algunas actividades pueden ser:

1. MOVIMIENTO LIBRE : A partir de una obra
musical, realizar movimientos sin desplazamiento a
medida que la escuchan. Una variante puede ser la
de realizar los movimientos con desplazamiento
libre por un espacio determinado.











2. SALTA: Se coloca en el suelo una serie de aros. De
forma individual colocarse al principio del recorrido
y saltar marcando el pulso, el ritmo o el acento de la
música. Se puede colocar varios recorridos para
simultanear varios movimientos: mientras unos
marcan el pulso, otros marcarán el acento.

3. DANZAS: Se interiorizar la forma de una obra
musical. Se pide la conformación de equipos y
realizan una presentación libre relacionando sus
movimientos con las variaciones de sonido.

4. EXPRESIONES: Con todo el cuerpo, se deberá
interpretar una obra musical representando: los
distintos elementos que configuran la música y el
sonido: ritmo, movimiento de la línea melódica,
cadencias, textura, altura, intensidad, matices.
Musicograma de la canción ―El
Invierno‖. Un Musicograma es un
dibujo o gráfico que ayuda a
comprender la música, a mirarla y
a escucharla de forma activa.
La danza creativa parte de la
creación de secuencias
improvisadas de movimiento; es el
acto de dibujar libremente en el
espacio, con el cuerpo como
instrumento.
Otro ejercicio práctico consiste en
identificar a los compañeros por el
timbre de su voz. Éstos cambian el
timbre o lo hacen cantando.

Se puede aprovechar los sonidos
del entorno. Identificar con los ojos
cerrados, comparar los resultados
con los compañeros, reproducir
los sonidos y clasificarlos de
diferentes maneras.

99. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 99


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿En qué consiste el desarrollo auditivo?
a. En el perfeccionamiento sensorial del oído.
b. En saber apreciar la música.
c. En la percepción auditiva musical.

¿En qué consiste la escucha activa?
a. En escuchar y entender lo que se está percibiendo.
b. En escuchar pasivamente la sonoridad del ambiente.
c. En actuar según lo que se escucha.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

¿Qué importancia tiene el desarrollo auditivo en la
danza?
______________________________________________
____________________________________________

¿Cuál es la finalidad de la escucha activa?
______________________________________________
______________________________________________

¿En qué consiste la expresión músico-corporal?
______________________________________________
______________________________________________

¿Qué es un musicograma?
______________________________________________
______________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) A la edad de 12 años se percibe la igualdad de
métrica, melodía o ritmo.
( ) El oído es el sentido más directamente
relacionado con el arte musical.
( ) La audición activa mejora la concentración, la
atención y la discriminación tímbrica.
( ) Para desarrollar la escucha activa se debe tener
disposición psicológica.
( ) La percepción de la tonalidad se realiza en torno a
los 9 años de edad.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Seleccionar el espacio
adecuado para realizar
ejercicios de escucha
activa y de expresión
músico-corporal.
Realizar las dinámicas
y al culminar realizar
diálogos que conlleven
a la interpretación de
cada ejercicio
resaltando los avances
en cuanto al desarrollo
auditivo.

RECUERDA
Al plantear una
audición musical,
además de conocer los
elementos que la
configuran y su
disposición en la obra,
se debe apreciar su
belleza, y experimentar
su escucha como algo
placentero.

100. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 100




Figuras Coreográficas

La coreografía es la composición de la danza o escritura
de la danza. Es el arte de crear estructuras en las que
suceden movimientos, esas estructuras son denominadas
figuras coreográficas.











CLASES DE COREOGRAFÍA

1. COREOGRAFÍA MONÓLOGA: Esta depende de
una sola persona, puede ser instruida por otra pero la
que lo lleva al escenario es quien danzará.

2. COREOGRAFÍA GRUPAL: Esta es la danza más
usada en todo el mundo. Se construyen por el
llamado Coreógrafo, quien corrige los movimientos
que se actuarán.

3. COREOGRAFÍA EXPRESIVA: Es aquella en la
que se recurre a expresiones interjectivas y otras
manifestaciones dancísticas.











4. COREOGRAFÍA DISTRIBUTIVA: Esta es muy
utilizada en estas épocas. se recurre a una división
mientras que las otras personas bailan, el principal
hace actos pero vuelve a recurrir a ellos.
Conocimiento 19

Las figuras coreográficas son las estructuras
corporales que realizan los bailarines al ejecutar o
interpretar una danza. Aunque generalmente se le
atribuye a movimientos generados por las piernas y
los pies, en realidad intervienen todas las partes del
cuerpo en su construcción.



Las personas que realizan la
coreografía son llamados
coreógrafos. Merce Cunningham
(1919 - 2009) fue un bailarín y
coreógrafo estadounidense.
Las coreografías grupales son de 6
a 10 personas, están basadas en la
persona principal que actúa con
escasa diferencia a los otros.
La coreografía monóloga es una de
las de menor uso de entre las
modernas y se aplican a base de las
obras literarias y óperas.

101. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 101


ELEMENTOS DEL DISEÑO COREOGRÁFICO

DESPLAZAMIENTOS : Sirven para entrar o salir del
escenario y para concretar ubicaciones y formas. Los
desplazamientos deben ser claros en su desarrollo.

LÍNEAS: Diagonales, horizontales y verticales. Las
líneas más dinámicas son las diagonales, en especial las
que se acercan al proscenio, por recorrer todo el espacio,
posteriormente en fuerza le siguen las que van del foro al
frente y las menos dinámicas son las horizontales.

FORMACIONES : El diseño grupal es una parte
fundamental en la producción coreográfica. El sentido o
efecto que se quiere comunicar está dado en cierta
medida por la manera en que se presenten las
formaciones y las formas coreográficas.









ELEMENTOS DEL MOVIMIENTO

ENERGÍA: Propulsa, inicia o produce cambios en el
movimiento o posición del cuerpo. Generalmente se
habla de pares opuestos: fuerte-débil. Teniendo en cuenta
la fluidez: continua-discontinua.

FORMA: Es la imagen que el bailarín describe con su
cuerpo. También es el formato que un grupo de
bailarines compone en una agrupación. Ej. Círculo,
rombo, triángulo, media luna, etc.

TIEMPO: Se marca estableciendo la velocidad, el
acento, el pulso y el ritmo.

ESPACIO: El espacio es de los principales elementos
de la danza, junto con el cuerpo. Puede clasificarse en
personal, parcial, total y social.
Todas las acciones motrices están
ligadas a la energía, dado que es
necesaria para iniciar, controlar y
parar el movimiento.
Al diseñar una forma con el cuerpo
se debe cuidar que los bailarines se
adapten unos a otros sin que se
tapen los de atrás, a menos de que
la intención visual así lo requiera.

La cualidad del movimiento está
determinada por la manera en que
es utilizada la energía, cuando se
mueven distintas partes del cuerpo
en el tiempo y el espacio.
El conocimiento del grado de
energía permite transformar el
movimiento, logrando que sea más
expresivo, eficaz y estético.

102. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 102


PLANIGRAFÍA EN LA DANZA

Es un sistema de escritura con figuras determinadas que
indican los recorridos y las figuras geométricas que
deben realizar los bailarines con su cuerpo en la
superficie plana (escenario). Y los bailes abrazados que,
por lo general, no tienen en cuenta las figuras
planigráficas, sus desplazamientos son libres,
espontáneos y sin continuidad.

Se condideran tres clases, denominadas danzas
independientes, dependientes e interdependientes.

1. INDEPENDIENTES: Los participantes bailan en
forma individual o por parejas y se desplazan
libremente en el espacio disponible, sin coordinar sus
movimientos con los demás.

2. DEPENDIENTES: Los participantes coordinan sus
movimientos, figuras y desplazamientos; esta
característica corresponde con mayor frecuencia a las
danzas con coreografía definida.

3. INTERDEPENDIENTES: En éstas se alternan las
dos situaciones, o sea que poseen coreografía
definida, movimientos, figuras y desplazamientos
coordinados que se alternan con situaciones libres,
movimientos independientes, aunque con
dependencia planigráfica o viceversa. La cumbia, por
ejemplo, presenta dependencia planigráfica e
independencia en los movimientos corporales.
















CHACARERA DOBLE . Pareja Suelta / Independiente. Introducción: 8 C. Baile:
48 C. 2 partes. Segunda: Lo mismo pero la mujer ocupa el lugar del varón y
viceversa.
Coreografía independiente, los
danzantes bailan en forma
individual de modo que se
evidencia la libertad de
movimiento.
En las danzas dependientes los
danzarines coordinan la creación
de figuras coreográficas.

La idea coreográfica es
la que guía el proceso de
creación, es decir, un
coreógrafo no puede
simplemente crear sin
tener un camino que
seguir. El primer paso,
dirían los expertos es
delimitar el fin de la
composición
coreográfica. El montaje
debe ser coherente con la
idea general que se
pretende expresar, por
ello, clarificarla es parte
determinante de la
construcción.

Según se agrupen los bailarines en
el espacio escénico se producirá
determinado efecto en el
espectador.

103. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 103


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿Qué es la coreografía?
a. Es la composición o estructura de la danza.
b. Es el conjunto de movimientos en la danza.
c. Es el conjunto de personas que ejecutan una danza.

¿Cuáles son las clases de coreografía?
a. Monóloga, grupal, expresiva y distributiva.
b. Individual y colectiva.
c. De festividad, agraria, ritual y ganadera.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

¿A qué se denomina figuras coreográficas?
______________________________________________
____________________________________________

¿Qué diferencia hay entre desplazamientos, líneas y
formaciones?
______________________________________________
______________________________________________

¿Qué es la planigrafía de la danza?
______________________________________________
______________________________________________

¿En qué consiste una planigrafía interdependiente?
______________________________________________
______________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) Las personas que realizan la coreografía son
llamados coreógrafos.
( ) La coreografía monóloga es una de las de menor
uso de entre las danzas modernas.
( ) Las coreografías grupales son de 6 a 10 personas.
( ) En la coreografía independiente, los danzantes
bailan en forma individual de modo que se
evidencia la libertad de movimiento.
( ) En las danzas dependientes los danzarines
coordinan la creación de figuras coreográficas.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Observa una danza
mediante un video y
dibuja su planigrafía
representando
adecuadamente a los
danzarines y los
movimientos y
desplazamientos.
Realicen una selección
de dos planigrafías de
todas las realizadas y
formando dos equipos
de trabajo ensayar y
presentar la
coreografía.

RECUERDA
Las figuras
coreográficas son las
estructuras corporales
que realizan los
bailarines al ejecutar o
interpretar una danza.
Aunque generalmente
se le atribuye a
movimientos generados
por las piernas y los
pies, en realidad
intervienen todas las
partes del cuerpo en su
construcción.

104. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 104


















































Teatro

105. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 105



El Teatro

Hemos ingresado ahora a una de las artes más completas:
el teatro. Y es que el arte dramático no sólo comprende
la actuación, sino que combina, en una representación
teatral, al arte visual, al arte musical y en muchos casos a
la danza y la poesía.







ORIGEN DEL TEATRO

Los orígenes del teatro se encuentran en antiguos ritos de
origen prehistórico, donde el ser humano empezó a ser
consciente de la importancia de la comunicación para las
relaciones sociales.

Ciertas ceremonias religiosas tenían ya desde su origen
cierto componente de escenificación teatral. En los ritos
de caza, el hombre primitivo imitaba a animales: del rito
se pasó al mito, del brujo al actor.

En África, los ritos religiosos mezclaban el movimiento
y la comunicación gestual con la música y la danza, y
objetos identitarios como las máscaras, que servían para
expresar roles o estados de ánimo.









En la América precolombina se desarrolló una forma de
teatro en las culturas maya, inca y azteca: el maya estaba
relacionado con fiestas agrícolas, e ilustraba historias del
Popol Vuh; el azteca desarrolló notablemente la mímica,
y tenía dos vertientes, una religiosa y otra burlesca; el
inca, escrito en quechua, servía a intereses del estado.
Muchos pueblos primitivos han
usado las máscaras y caretas para
realizar sus rituales, y éstas
representaban deidades, seres
mitológicos o espíritus malignos.
Conocimiento 20

El Teatro es el arte de componer y representar obras
dramáticas frente a una audiencia combinando
discurso, gesto, música, sonido y espectáculo.

El Popol Vuh es una recopilación
de narraciones míticas, legendarias
e históricas del pueblo k’iche’, el
pueblo maya guatemalteco con
mayor cantidad de población.
La palabra teatro proviene del
griego theatrón que significa 'lugar
para contemplar', es la rama del
arte escénico relacionada con la
actuación, que representa historias
frente a una audiencia usando una
combinación de discurso, gestos,
escenografía, música, sonido y
espectáculo.

106. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 106


EL TEATRO EN LA ANTIGÜEDAD

En Grecia nació el teatro entendido como «arte
dramático». El teatro griego evolucionó de antiguos
rituales religiosos (komos); el ritual pasó a mito y, a
través de la «mímesis», se añadió la palabra, surgiendo la
tragedia. A la vez, el público pasó de participar en el rito
a ser un observador de la tragedia, la cual tenía un
componente educativo, de transmisión de valores, a la
vez que de purgación de los sentimientos («catarsis»).

Más adelante surgió la comedia, con un primer
componente de sátira y crítica política y social,
derivando más tarde a temas costumbristas y personajes
arquetípicos. Apareció entonces también la mímica y la
farsa. Los principales dramaturgos griegos fueron:
Esquilo, Sófocles y Eurípides en tragedia, mientras que
en comedia destacaron Aristófanes y Menandro.





















El teatro romano recibió la influencia del griego, aunque
originalmente derivó de antiguos espectáculos etruscos,
que mezclaban el arte escénico con la música y la danza:
tenemos así los ludiones, actores que bailaban al ritmo de
las tibiae –una especie de aulos–; más tarde, al añadirse
la música vocal, surgieron los histriones –que significa
«bailarines» en etrusco–, que mezclaban canto y mimo
(las saturae, origen de la sátira).
Escena de una obra teatral griega.
Sófocles (495-406 a.C.). Poeta
trágico de la Antigua Grecia.
Autor de obras como "Antígona" o
"Edipo Rey".
Eurípides (480 - 406 a. C.). Fue
uno de los tres grandes poetas
trágicos griegos de la antigüedad.

Comedia latina de asunto griego.
Recibía este nombre porque los
actores se cubrían con el "pallium"
o manto griego.
El nombre ―tragedia‖ se deriva de
los cantos de un coro que llevaban
máscaras con cuernos de cabra.

107. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 107


Al parecer, fue Livio Andrónico –de origen griego–
quien en el siglo III a.C. introdujo en estos espectáculos
la narración de una historia. El ocio romano se dividía
entre ludi circenses (circo) y ludi scaenici (teatro),
predominando en este último el mimo, la danza y el
canto (pantomima). Como autores destacaron Plauto y
Terencio.
















En Oriente destacó el teatro indio, que tiene su origen en
el Nāṭya-śāstra, libro sagrado de Brahma comunicado a
los hombres por el rishi Bharata Muni, donde se habla de
canto, danza y mímica. Generalmente, la temática es de
signo mitológico, sobre las historias de los dioses y
héroes indios.













La representación es básicamente actoral, sin decorados,
destacando únicamente el vestuario y el maquillaje.
Había diversas modalidades: Śakuntalā, de siete actos;
Mricchakaṭikā, de diez actos. Como dramaturgos
destacaron Kālidāsa y Śūdraka.
Tito Maccio Plauto (254 a. C. -
184 a. C.). Comediógrafo Latino.
Entre sus obras destacan
“Asinaria”, “Anfitrión”, “El
Soldado Fanfarrón”, entre otras.
El Teatro romano de Caesaraugusta (siglo I d. C.). Era el edificio más
popular de la ciudad y uno de los más monumentales, tenía capacidad
para unos seis mil espectadores y seguía el modelo del teatro Marcelo
de Roma.
Escena del Samudra Mathanam (cuento indú).
Kālidāsa o Kalidás fue un poeta y
dramaturgo indio hinduista, que
floreció aproximadamente en el
siglo VI de nuestra era.
Según el antiguo texto épico
sánscrito Majábharata,
Shakuntalá (obra de Kālidāsa) era
la hija de la apsarás Menakā, que
sedujo por una noche al sabio
Vishwá Mitra.

“El Eunuco” de Terencio. En esta
obra encontramos los típicos
personajes del soldado fanfarrón,
la cortesana, la esclava, y el eunuco
que da título a la obra y pie al
enredo que en ella se crea.

Fue la que tuvo en su día mayor
éxito.

108. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 108


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿Cuáles son las principales partes de un teatro?
a. Graderío, escenario, pórtico posterior.
b. Escenario, escenografía, público.
c. Graderío, escenario, escenografía.

¿Cuáles fueron los principales dramaturgos del
género de tragedia en la antigua Grecia?
a. Esquilo, Sófocles y Eurípides.
b. Aristófanes y Menandro.
c. Plauto y Terencio.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

¿Qué es el teatro?
______________________________________________
____________________________________________

¿Cómo se originó el teatro?
______________________________________________
______________________________________________

¿Cómo fue el teatro en la América precolombina?
______________________________________________
______________________________________________

¿Cómo surge el teatro griego?
______________________________________________
______________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) La palabra teatro significa lugar para contemplar.
( ) Las máscaras fueron usadas desde la prehistoria.
( ) El teatro inca servía a los interés del estado.
( ) El nombre ―tragedia‖ se deriva de los cantos de
un coro que llevaban máscaras con cuernos de
cabra.
( ) En Oriente destacó el teatro indio, que tiene su
origen en el Nāṭya-śāstra.
( ) Como dramaturgos del teatro indio destacaron
Kālidāsa y Śūdraka.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Investiga más sobre el
teatro griego y romano.
Selecciona una
estructura del modelo
de teatro romano y
dibuja detalladamente
su arquitectura en tu
cuaderno de dibujo.
Investiga también
sobre la forma teatral
que se practicaba en el
Imperio Incaico y
realiza una ilustración
que refleje tu
investigación.

RECUERDA
Durante el Imperio
Incaico se recitaban
relatos míticos y
legendarios
acompañados de
música y canto. Sus
relatos épicos estaban
escoltados de mucha
ritualidad. A otros se
los escenificaba y
dramatizaba
conformando un
auténtico teatro.
Procuraban
representarlo todo.

109. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 109


Elementos Técnicos
Del Teatro

El teatro, es el arte de concebir obras dramáticas que
tienen como principal característica el ser representada
en un escenario frente a un público; es decir que, el texto
escrito por un dramaturgo se convierte en un verdadero
espectáculo cuya escenificación implica el uso adecuado
de ciertos elementos técnicos.








ELEMENTOS BÁSICOS DEL T EATRO

Los elementos básicos y fundamentales que conforman
el teatro son: el texto (diálogo), el actor y el público:

1. EL TEXTO: Es la obra, el valioso aporte de la
literatura al complejo hecho teatral. La obra de teatro
se describe para ser representada, para que unos
personajes creados por un dramaturgo sean
interpretados por los actores.











En algunos casos el texto menciona acotaciones que
indican lo que el autor nos aconseja para el montaje y
pueden variar de acuerdo a este. Hay acotaciones de
fugar, de luces, de vestuario, de movimiento, de
actuación y otros. A veces los mismos actores anotan
en el texto acotaciones para el mejor desarrollo de su
actuación.

Los elementos técnicos del teatro son aquellos
componentes que ayudan a crear el ambiente
adecuado para el montaje de una obra teatral.

Conocimiento 21

Texto, actor y público
integrados constituyen
los elementos esenciales
que definen y
singularizan el teatro
frente a las demás artes,
cada uno de estos tres
factores, por sí solo no
producen el hecho teatral
Por ejemplo, el texto y el
actor sin público pueden
dar origen a una
producción
cinematográfica o, a un
programa de televisión,
pero no al teatro.



William Shakespeare (1564 -
1616). Fue un dramaturgo, actor y
poeta inglés. Es considerado el
escritor más importante en lengua
inglesa.

El texto proporciona las palabras
que los personajes dicen y señala
los lugares donde actúan.

110. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 110


2. EL ACTOR: Es aquel que interpreta un personaje a
través del texto, constituye uno de los elementos
esenciales en el teatro, y sin duda el más
característico. Los actores deben tener mucha
sensibilidad, buena voz, mejor memoria y una
correcta dicción. Aparte de estas cualidades, el buen
actor necesita tener presente dos circunstancias
relacionadas con su trabajo:

Los actores casi nunca se limitan a simple
interpretación de los papeles de una obra, sino
que realizan versiones muy personales, sobre
todo cuando se trata de obras cuyo argumento no
corresponde a nuestro tiempo.

El actor no puede olvidar que su actuación debe
estar en armonía con las de sus compañeros de
escena.




















3. EL PÚBLICO: Todo el trabajo de creación y
representación que ejecutan respectivamente
dramaturgos o autores, directores y actores, tienen
como último destino el de ser contemplados por un
público, sin cuya presencia y participación no hay
teatro posible. Es el público el que va a tener la
apreciación final de la obra de teatro que se esté
realizando, por el cual ellos entran en un ambiente de
acción, suspenso encanto o cualquier otro.
En los últimos 30 años, ha habido una proliferación de grupos teatrales en el
país, especialmente en la ciudad de Lima. Los más importantes son el Grupo
Ensayo (dirigido por Luis Peirano y Alberto Isola, pero ya disuelto) y el
Grupo Yuyachkani, todavía en actividad.

Los actores dan vida a los
personajes que se encuentran
contenidos en el texto.
Los actores deben tener mucha
sensibilidad, buena voz, mejor
memoria y una correcta dicción.
Los actores casi nunca se limitan a
simple interpretación de los
papeles de una obra, sino que
realizan versiones muy personales.
El actor no puede olvidar que su
actuación debe estar en armonía
con las de sus compañeros.

111. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 111


ELEMENTOS TÉCNICOS DEL TEATRO

Una obra teatral se puede realzar por medio del
vestuario, el maquillaje, los decorados, los accesorios, la
iluminación, la música y los efectos especiales. Estos
elementos se usan para ayudar a crear una ilusión de
lugares, tiempos, personajes diferentes, o para enfatizar
una cualidad especial de la representación y diferenciarla
de la experiencia cotidiana.

1. ESCENARIO: El lugar donde se lleva a cabo la
muestra teatral.

2. ESCENOGRAFÍA: Corresponde a la ambientación
del escenario el cual permite caracterizar el espacio
donde se lleva a cabo la historia que se narra en la
obra de teatro.











3. ILUMINACIÓN: El uso de la luz artificial permite
caracterizar la atmósfera o el tiempo en el que se
desarrolla la acción. Sirve también para producir
algunos efectos especiales.

4. SONIDO: Mediante la música se puede producir
ciertos efectos emotivos y a través de sonidos
onomatopéyicos se puede caracterizar algunos
fenómenos naturales, incluso, artificiales.

5. VESTUARIO: Describe la condición y naturaleza
de cada personaje, llegando incluso a enfatizar su
personalidad.

6. MAQUILLAJE: Enfatiza los caracteres físicos de
cada personaje hasta los psicológicos.

7. UTILERÍA: Corresponde a los objetos que son
necesarios usar en la narración de los hechos.
Para representar las obras de
Esquilo y Sófocles se erigieron
grandes teatros de piedra en la
antigua Grecia, entre los que cabe
citar el aún conservado de
Epidauro en el siglo V a.C., capaz
de albergar unas 12.000 personas.

El vestuario constituye uno de los
recursos escénicos más
importantes en la representación
de obras teatrales. Da claves
acerca del personaje por ejemplo:
su edad, época a la que pertenece,
su personalidad, etc.

La utilería escénica o de escena es
aquella que representa el área
física en la que están los actores, es
el decorado de una escena en la
que permanecen durante la
duración de dicha escena. Puede
ser desde una alfombra en la
escena, un televisor, un teléfono
fijo, una cortina, sillones, etc.

112. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 112


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿Cuáles son los elementos básicos del teatro?
a. El texto, el actor y el público.
b. Escenario, escenografía, iluminación.
c. Sonido, vestuario, maquillaje utilería.

¿Qué es la escenografía?
a. El arte del decorado escénico.
b. El lugar donde se desarrolla la obra teatral.
c. Los objetos necesarios para ser usados en la obra.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

¿Qué son los elementos técnicos del teatro?
______________________________________________
____________________________________________

¿Cuáles son los elementos técnicos del teatro?
______________________________________________
______________________________________________

¿Qué diferencia hay entre maquillaje y utilería?
______________________________________________
______________________________________________

¿Qué caracteriza a la iluminación y el sonido?
______________________________________________
______________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) El texto teatral posee parlamentos y acotaciones.
( ) El actor se limita a la simple interpretación.
( ) El público es quien tiene la apreciación final de
una puesta en escena.
( ) La utilería escénica es aquella que representa el
área física en la que están los actores.
( ) El vestuario describe la condición y naturaleza de
cada personaje.
( ) La iluminación sirve para producir algunos
efectos especiales.
( ) El maquillaje enfatiza el carácter del personaje.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Escribe un pequeño
texto teatral.
Dibuja el vestuario de
cada personaje y sus
rasgos físicos y
psicológicos.
Diseña y dibuja una
escenografía con los
respectivos elementos
de utilería que
correspondan a la obra
que has escrito.

RECUERDA
La escenografía o
pintura de escena tiene
sus raíces en el teatro
griego. Los griegos
usaron el periacto,
artificio especial que
empleaban en sus
teatros para cambiar
decoraciones. Consistía
en un aparato
prismático de
revolución con un
paisaje diferente
pintado en cada una de
sus tres caras. Había
un periacto en cada
lado del escenario, y al
girar quedaba
cambiada la
decoración.

113. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 113




Expresión Corporal

El teatro está considerado como el arte total ya que
utiliza todos los lenguajes (lenguaje verbal y no verbal,
lenguaje plástico, rítmico-musical, etc.). La expresión
corporal o lenguaje del cuerpo es una de las formas
básicas para la comunicación humana.

Los elementos básicos de las actividades corporales de
expresión son: el cuerpo, el movimiento y el sentimiento.











1. EL CUERPO: El cuerpo en expresión, se estudia
como mínimo, desde tres enfoques:

ANATÓMICO: A partir de un desglose
anatómico, cada parte tiene una funcionalidad y a
su vez unas posibilidades expresivas y unos
mensajes específicos. Ej.: Cerrar el puño con el
dedo pulgar extendido y hacia arriba, conlleva un
mensaje totalmente diferente al mismo gesto con
el pulgar hacia abajo.
ACTITUD POSTURAL: Es el estudio del
mensaje emitido por una persona a partir de una
postura adoptada espontáneamente. Ej.: Se
entiende que una persona con piernas y brazos
cruzados, muestra una actitud más supuestamente
distante a un orador, que otra persona en actitud
de apertura.
ICONOGRAFÍA (ESTATUAS): Es el estudio
de las posibilidades de "dibujar" el espacio con la
postura adoptada voluntariamente. Este apartado
está íntimamente relacionado con la función
estética del movimiento. Ej.: Estatuas realizadas
por un grupo de alumnos con su cuerpo,
complementándose entre sí.

La expresión corporal ha
tomado sus técnicas y
procedimientos de las
más diversas
procedencias: mimo,
técnica actoral, danza,
psicodrama, yoga,
acrobacia, técnicas de
meditación y gimnásticas
orientales, kinesiterapia,
dinámica de grupos, etc.
Su difusión y éxito se
debe a una toma de
conciencia generalizada
de que todo el mundo es
capaz de expresarse
corporalmente, de que no
se necesitan accesorios
ni soportes.


Conocimiento 22
El medio para la Expresión
Corporal es el propio cuerpo, por
tanto, no está reservada
únicamente para aquellos iniciados
que hayan adquirido un
determinado nivel de competencia.
La expresión corporal o lenguaje
del cuerpo es una de las formas
básicas para la comunicación
humana.

114. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 114


2. EL MOVIMIENTO: Existen unos factores básicos
que condicionan las calidades del movimiento. Estos
son espacio, tiempo e intensidad. La combinación de
estos factores deriva en ocho acciones básicas:
presionar, golpear, retorcer, hendir, deslizar, teclear,
flotar y sacudir, acciones que son sobre las que se
sustenta cualquier actividad humana. Vea esos
factores:

ESPACIO: El espacio es "donde se visualiza el
movimiento". Atendiendo a criterios espaciales se
puede proponer, reconocer y experimentar
distintos:
 Niveles de trabajo: superior, medio y bajo.
 Direcciones: arriba-abajo; derecha-izquierda;
delante-detrás.
 Amplitudes: amplio-reducido. Ejemplo: el
movimiento de la gimnasta rítmica ganará en
belleza si esta busca la amplitud.















TIEMPO: El tiempo es otro de los factores
determinantes en la creación de movimientos,
ofreciendo multitud de posibilidades:
 En cuanto a la velocidad: movimientos
rápidos-lentos.
 En cuanto a la predominancia de un ritmo
externo o del nuestro propio.
 Súbito o sostenido.
 Continuidad: continuo o a intervalos. Ej. A
partir de una postura, contraer distintas partes
del cuerpo en función de los "golpes" de una
música (movimiento-pausa-movimiento-
pausa).
Cada movimiento se realiza en un
espacio determinado.

Se deben reconocer los
movimientos rápidos, lentos, etc.
para saber aprovecharlos al
momento de realizar una
representación.

Trasládese en diferentes
ubicaciones: adelante, atrás, a los
costados... para dominar el espacio
escénico.

115. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 115


INTENSIDAD: A este factor fundamentalmente
debe el movimiento, su carga expresiva. Decimos
que un movimiento está más o menos cargado de
energía cuando queremos reflejar su intensidad.
Algunas variables de movimientos:

 Energía: débil / fuerte; suave / brusco.
 Grado de intensidad: constante / progresiva-
mente desacelerado o acelerado.
 Fluidez: fluidos / conducidos. Ejemplo:
Desplazarse y a la señal, dejarse caer como
"derretidos por el sol".



















3. EL SENTIMIENTO: La expresión corporal es una
de las áreas en las que el sentimiento, la emoción, la
afectividad, toman el rango de contenido ya que
respecto de ellos se deberá ser capaz de emerger
sentimientos auténticos y no la "teatralización" o
dramatización de situaciones reales. Algunos
ejemplos de tareas:

 Con música suave y relajante, por parejas uno
intenta a través del contacto con las manos del
compañero, transmitir alguna de las emociones
básicas.
 Con música suave y relajante; grupos de cuatro
en círculo; las manos se mueven en función de la
música intentando no separarse unas de las otras
y sin acuerdo verbal previo.
El actor tiene que tener la capacidad de transmitir sentimientos auténticos.
En esta fotografía se puede distinguir una emoción la cual es proyectada al
espectador.



La experimentación de
todos los elementos y
otros más y las posibles
combinaciones entre
espacio - tiempo -
intensidad, constituye el
eje de trabajo de las
calidades de movimiento,
es decir, de las tareas de
las sesiones de expresión
corporal.


Un movimiento está más o menos
cargado de energía cuando se
refleja su intensidad.
A través de la emoción se deberá
ser capaz de emerger sentimientos
auténticos.
Se debe evitar la ―teatralización‖
de sentimientos pues resta
autenticidad interpretativa.

116. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 116


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿Cuáles son los elementos de la expresión corporal?
a. El cuerpo, el movimiento y el sentimiento.
b. El espacio, el tiempo y la intensidad.
c. La anatomía, la postura y la iconografía.

¿Cómo divide la variable energía de la intensidad a
los movimientos?
a. Débil / fuerte; suave / brusco.
b. Constante/progresivamente, desacelerado/acelerado.
c. Fluidos / conducidos.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

¿Qué importancia tiene la expresión corporal en el
teatro?
______________________________________________
____________________________________________

¿Cuáles son los tres enfoques de estudio del cuerpo?
______________________________________________
______________________________________________

¿A qué se refiere la intensidad?
______________________________________________
______________________________________________

¿A qué se refiere el sentimiento?
______________________________________________
______________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) La expresión corporal es una de las formas
básicas para la comunicación humana.
( ) Un movimiento está más o menos cargado de
energía cuando se refleja su intensidad.
( ) Se debe evitar la ―teatralización‖ de sentimientos
pues resta autenticidad interpretativa.
( ) Los niveles de trabajo del espacio son: superior,
medio y bajo.
( ) La expresión corporal es el lenguaje del cuerpo.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Formen tres equipos de
trabajo en el aula y
cada uno seleccione un
elemento básico de la
expresión corporal.
Realice cada equipo
una selección y
práctica de ejercicios
de expresión corporal
que tengan una directa
relación el elemento
seleccionado.
Realicen una
presentación ante los
equipos de los
ejercicios trabajados,
luego los otros equipos
deberán practicar y
presentar ejercicios de
otro elemento.

RECUERDA
La expresión corporal
y/o lenguaje del cuerpo
es una de las formas
básicas para la
comunicación
humana. Con material
educativo, la expresión
corporal se refiere al
movimiento, con el
propósito de favorecer
los procesos de
aprendizaje,
estructurar el esquema
corporal, construir una
apropiada imagen de sí
mismo, mejorar la
comunicación y
desarrollar la
creatividad.

117. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 117




Expresión Vocal

Como ya lo habrá notado, el teatro además de ser un
espectáculo que es apreciado por la vista, también es
concebido por el sentido del oído; por lo tanto, quienes
realizan las dramatizaciones deben pasar por una
preparación no sólo corporal, sino por un trabajo del
aparato fonador.























LA ORATORIA: Es el arte de hablar, exponer con
orden, método y elocuencia los pensamientos e ideas
para infiltrarlos en quienes escuchan un mensaje.
Mediante la práctica de la oratoria y la locución se puede
lograr una voz idónea para el teatro.
Existen una serie de ejercicios vocales que favorecen la
potencia pero no se debe descuidar el timbre de la voz.
Recuerde que para lograr una adecuada personalidad en
el escenario debe considerar los elementos
fisiocomunicacionales, es decir: el sistema respiratorio
(laringe) con una voz agradable; el sistema nervioso
(cerebro) con una fluida cultura general; el sistema
sensorial (lengua) para brindar un lenguaje ameno y; el
sistema muscular (diafragma) que le proporcione
comodidad muscular.
EL APARATO FONADOR es el conjunto de órganos que colaboran en la
emisión del sonido articulado. Se divide en tres grupos: órganos de la
respiración, de la fonación y de la articulación.


Más allá de persuadir, para lograr
ser un orador se requiere realizar
una serie de ejercicios vocales, son
estos los apropiados para el teatro.

Al representar una obra, no basta
gritar o hablar fuerte, pues ello
resta autenticidad al papel
representado.

Con el dominio de la voz, el
público apreciará mejor el
contenido de la obra.

VÁLVULA FILTRO
SISTEMA VOCAL
ENERGÍA
AÉREA
Diafragma
Conocimiento 23

118. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 118


EJERCICIOS DE EXPRESIÓN VOCAL
Los siguientes ejercicios deben ser realizados previo
análisis y aceptación de algunos errores que se hayan
estado cometiendo al momento de hablar:

EJERCICIOS DE RESPIRACIÓN: Aspire profun-
damente y mida el tiempo que puede leer hasta necesitar
aire nuevamente, o, también, prolongue una vocal (Ej.
aaaaaaaaaaaaaaaaaa...) y cronometre su duración hasta
que se quede sin aire. Probablemente serán 10, 15 o 20
segundos de duración. Esto quiere decir que no entró
suficiente aire porque no ha acostumbrado a su
reservorio (músculos abdominales y pulmones), a
acumularlo. Entonces, entrene su pecho para la
respiración abdominal:

Por la nariz, aspire lentamente, cuidando de que el
aire que toma empuje los músculos del abdomen.
Sienta cómo su estómago tiende a levantarse. Usted
no solamente está llenando sus pulmones sino
también la cavidad abdominal.

Luego, también lentamente, expela el aire como si
estuviera soplando suavemente.

EJERCICIOS DE VOCALIZACIÓN: La supresión o
la alteración de letras y sílabas en las palabras obedecen
a una mala vocalización o articulación de los sonidos.

Abra la boca (todo lo que pueda), manténgala así
unos diez segundos y vuélvala a cerrar. Al principio
puede doler un poco a los lados de la cara. No se
preocupe, sólo es la falta de costumbre y de
entrenamiento muscular.

Tome aire, llévelo al diafragma y pronuncie las
vocales separadas: a - e - i - o - u.

Luego cada vocal en forma prolongada e intermitente
(cortada): ―aaaaaaaaaaaa a - a - a - a - a -
aaaaaaaaaaaaa - a - a - a - a - a - a - a " "eeeeeeeeeeee
e - e - e - e - e - e - e - eeeeeeeeeee... etc.".

Seguidamente, combine las vocales; ligándolas: "a - i
- o aaaaaaaaaaaiiiiiiiiiiiiaaaaaaaaaaaa a - i - a e - u - e
eeeeeeeeeeee uuuuuuuuuuuueeeeeeeeeeee e - u - e".
Normalmente al respirar el aire
inhalado es llevado a los pulmones,
lo que debe procurar es que éste se
traslade al estómago.

La duración de los ejercicios debe
ser de unos quince minutos
aproximadamente y de diaria
realización.

La representación de cada
personaje requiere de un timbre de
voz especial, para lograrlo es
recomendable la impostación
vocal.

119. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 119


EJERCICIOS DE MODULACIÓN: Bien realizados,
pocos ejercicios pueden ayudar a darle color y calor a su
voz. Pruebe con estos tres:

Lea un párrafo con voz natural (volumen regular);
luego, Vuélvalo a leer muy quedo (casi susurrando);
y, después, léalo con toda intensidad de voz. Proceda
igual con frases musicales o con canciones.










Tome una poesía e interprétela: (dígala con
sentimiento). Inspírese y recite un poema con las
inflexiones de voz necesarias para captar su mensaje.
Seguidamente, vuélvala a leer; pero, esta vez,
alterando el volumen de su voz: un verso suave y un
verso fuerte. También hágalo con canciones.

Tome diversas frases interrogativas (?), admirativas
(!) y de suspenso (...). Léalas o dígalas con el sentido
que indican los signos respectivos. Por ejemplo:

 ¡Basta, detengamos la injusticia!
 La besó apasionadamente, y, entonces ...
 ¿Cuánto tiempo hace que no besas a tu madre?

Como otro ejemplo, se puede expresar muchas cosas
con las mismas palabras:

 ¡Qué profesional! (Admiración que aprueba la
gran calidad)
 ¡Qué profesional! (Admiración que critica la
mala calidad)
 ¡Qué profesional ... ! (Frase burlona)
 ¿Qué profesional? (Pregunta a qué profesional se
refiere)
 ¿Qué ... profesional? (Doble pregunta que
expresa duda)
 ¿Qué ... profesional! (Pregunta y afirmación
admirativa) etc.
La resonancia en el escenario
proporciona una gran ayuda
durante los diálogos y monólogos.

Cada emisión vocal debe ser
modulada, no se debe gritar pues
esto daña la garganta.

Se puede lograr una variedad de
connotaciones o sentidos a una
palabra solamente con cambiar la
entonación o modulación de su voz.

Uno de los componentes más
importantes de hablar en público
es el sonido de tu voz.

120. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 120


CUALIDADES DE LA VOZ

El paralenguaje está constituido por el conjunto de
cualidades no verbales de la voz, como volumen, timbre,
tono, duración y velocidad; y por los elementos
prosódicos o de pronunciación, como pausas, acento,
entonación y ritmo; además de las llamadas
vocalizaciones, que consisten en sonidos o ruidos que
salen por la boca, pero que no son palabras y
desempeñan un importante papel comunicativo, como los
suspiros, bufidos, carraspeo, bostezos, silbidos, risas, etc.










1. LA INTENSIDAD: Está relacionado directamente
con la cantidad del aire que se expulsa al hablar y
puede ser alto/bajo/normal. El volumen más
adecuado es aquel que permite oír con claridad a
todos los oyentes que intervienen en una situación de
comunicación oral.

2. EL TONO: Depende de la cuerdas vocales, que
hacen posible la emisión con más o menos dificultad
de los sonidos. Se puede distinguir ente tono
grave/agudo/normal.

3. EL TIMBRE: Es el matiz personal de la voz que
depende de la proximidad de las cuerdas vocales en
sí y diferencia unas veces de otras. Puede ser
armonioso o brillante/resonante. Aunque el timbre es
un factor fisiológico de cada hablante, puede
mejorarse mediante ejercicios de articulación.

4. LA VELOCIDAD: Es la rapidez en la emisión de
los sonidos por parte del hablante. Esta puede ser
lenta/rápida/normal. El hablante competente debe
adecuar la velocidad de su discurso a la intención de
comunicación y a la capacidad de escucha del
oyente;
El paralenguaje es donde se hace
énfasis al componente vocal de un
discurso, una vez que le hemos
eliminado su contenido. No es
importante el qué se dice, sino el
cómo se dice.
Las expresiones verbales deben
combinarse con gestos o
movimientos corporales.
Las cualidades de la voz sirven,
para asentir, mostrar desacuerdo,
para pedir o mantener el turno de
palabra o para mostrar
admiración o desprecio hacia el
interlocutor.

El hablante debe variar
el tono, adecuándolo a la
intención de
comunicación dentro de
los matices que su
registro le permite:
subirlo en preguntas o
afirmaciones
importantes, bajarlo para
darle un aire
confidencial a lo que se
dice, etc.
Para remarcar el
discurso o enfatizar se
utilizará una velocidad
lenta; pero, para agilizar
el discurso, se utilizará
mayor velocidad de
emisión.

121. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 121


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿Cuáles son los grupos de órganos del aparato
fonador?
a. De la respiración, de la fonación y de la articulación.
b. Válvula filtro, sistema vocal y energía aérea.
c. Diafragma, faringe, laringe.

¿Cuáles son las cualidades de la voz?
a. Grave, aguda, afónica, dulce.
b. Intensidad, tono, timbre, velocidad.
c. Fuerte, débil, suave, apagada.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

¿Para qué sirve el aparato fonador?
______________________________________________
____________________________________________

¿Qué es la oratoria?
______________________________________________
______________________________________________

¿Qué diferencia hay entre vocalización y modulación
de la voz?
______________________________________________
______________________________________________

¿En qué consiste el tono como cualidad de la voz?
______________________________________________
______________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) Gritar resta autenticidad al personaje de un actor.
( ) Los ejercicios de respiración y vocalización
deben hacer durante unos 15 minutos y a diario.
( ) La resonancia en el escenario proporciona una
gran ayuda durante los diálogos y monólogos.
( ) Cada emisión vocal debe ser modulada, no se
debe gritar pues esto daña la garganta.
( ) Las expresiones verbales deben combinarse con
gestos o movimientos corporales.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Escribir en la pizarra
la frase “yo bebo sopa,
sopa yo bebo”.
Repetirla en coro unas
cuatro a cinco veces
hasta que este
aprendida.
Borrar el texto y
volverlo a repetir para
verificar que este
aprendido.
Incrementar la
velocidad al momento
de repetirlo.
Practicar en voz baja y
de forma individual y
luego de unos minutos
exponer la frase varias
veces y en voz alta con
una sola respiración.

RECUERDA
Para lograr una
adecuada personalidad
en el escenario debe
considerar los
elementos
fisiocomunicacionales,
es decir: el sistema
respiratorio (laringe)
con una voz agradable;
el sistema nervioso
(cerebro) con una
fluida cultura general;
el sistema sensorial
(lengua) para brindar
un lenguaje ameno y;
el sistema muscular
(diafragma) que le
proporcione comodidad
muscular.

122. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 122




Juegos de Iniciación
Dramática

Para incursionar en la actuación teatral es recomendable
emplear una serie de dinámicas de iniciación dramática
que permitan ejecutar la expresión lúdica; desarrollar la
facultad de imitación; experimentar las posibilidades
básicas del propio juego (movimiento, sonido, ruido,
mueca, ademán...); afianzar el dominio personal; y,
desarrollar la memoria.







El juego dramático se desarrolla a través de varias
posibilidades: el juego puede ser libre, es decir, es el que
realiza un individuo o un grupo de personas sin ninguna
dirección. Es la improvisación la materia que coge
importancia en este apartado:

Juego dramático organizado informalmente: la
persona encargada de nuestro aprendizaje debe
marcarnos unas pautas a seguir, para coordinar y
organizar la acción.










Juego dramático organizado formalmente: en él
habría que disponer de un espacio amplio que
posibilite el movimiento, ser sabedores de una obra
de teatro; conociendo su argumento, repartir sus
personajes entre los individuos participantes de la
actividad, los ensayos oportunos para así poder
adecuar la obra a nuestras necesidades y poderla
representar dentro de nuestras capacidades.
Juego de desinhibición ―la
palmada‖: En círculo se manda
una palmada y se va variando el
orden, después una palabra, un
gesto, todo junto.
Las dinámicas de dramatización se
llevan a partir de una motivación,
con la cual se improvisan diálogos
y acciones entre personajes
creados o dados en cuentos,
leyendas, poesías, canciones, etc.

Conocimiento 24

El juego dramático es un sistema de acción lúdica
en la que se combinan básicamente dos sistemas de
comunicación: el lingüístico y la expresión corporal.

Trabajo de coordinación con
pelota: Se lanza una pelota y con
ella grita nuestro nombre: primero
con delicadeza hasta llegar a
lograr una mayor intensidad.

Inventamos con picas: Se va
transformando el objeto en
diferentes útiles, se deja que la
imaginación haga que el objeto
pierda su función real y se
convierta en otra cosa.

123. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 123


RECOMENDACIONES PARA LA
INICIACIÓN DRAMÁTICA

Para lograr desarrollar una adecuada preparación en el
arte dramático, usted, inicialmente, debe experimentar un
proceso creativo, inventando situaciones, personajes y
acciones. Para ello, recuerde lo siguiente:

Dialogue acerca de los personajes y de cómo
caracterizarlos, al igual que las acciones que se van a
escoger.

Cree un ambiente físico y actitudinal propicio para
explorar libremente movimientos y gestos.



















Participe voluntariamente de las dinámicas sugeridas
por el instructor.

Seleccione si desea participar como creador del
argumento, como actor, escenógrafo, utilero o el
encargado de crear o seleccionar la música.

Siéntase compenetrado con el personaje a
representar.

Dialogue y comente las emociones que le suscitaron
y proponga alternativas de solución a ciertas
dificultades que se hayan presentado.
Parte importante de la vivencia de la dramatixzación es el poder "culminar un
producto" y ponerlo en escena.
Recuerde que el objetivo no es alcanzar una representación teatral perfecta, sino
tener la oportunidad de pensar con independencia, de desenvolverse sin
inhibiciones, disfrutar la experiencia, desarrollar la expresividad, la sensibilidad
y la imaginación.
Johana San Miguel y Carlos
Carlín, reconocidos actores de
teatro peruano.
Nacido en Lima en 1960, César de
María es, sin lugar a dudas, uno de
los dramaturgos más importantes
del teatro peruano contemporáneo.

Un elemento importante es el
poder confiar en el otro. Un buen
ejercicio es permitir que otro guíe
nuestro camino.

124. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 124


EJERCICIOS Y JUEGOS DRAMÁTICOS

Los ejercicios dramáticos son actividades orientadas a
desarrollar la creatividad, desinhibición, concentración y
capacidad expresiva tanto verbal como no verbal. Entre
los muchos juegos existentes puede practicar los que
siguen:

1. FORMAS DE CAMINAR: Se camina hacia atrás
con los brazos hacia arriba, o de costado con los
brazos estirados a los lados, renguear, etc.

2. REPRESENTANDO FORMAS: Se representa con
el cuerpo diferentes objetos o elementos de la
naturaleza en el menor tiempo posible, por ejemplo:
"ser una plancha", "ser el Sol", "ser una flor", etc.










3. JUEGO DE LA GANZÚA: Se expone un objeto a
todos los participantes y se procede a indicar una
nueva utilidad para ese objeto pasando el mismo por
cada participante con un tiempo máximo de diez
segundos.

4. JUEGO DEL DIBUJO IMPROVISADO: Consiste
en realizar un dibujo en la pizarra y las demás
personas deben continuarlo hasta dar mejores
significados y en competencia.

5. JUEGO DE LA CADENA: Un participante de un
grupo narra un cuento, historia o chiste y debe
continuarlo otro participante de otro grupo y, así,
sucesivamente con todos los grupos.

6. JUEGO DE IMPROVISACIONES: Puede ser en
dúos o en grupos. Un participante le dice a otro: ríete,
o expresa sorpresa o susto, o frío, o gran felicidad,
etc. Los que recibieron la orden tienen que ser
bastante expresivos con el rostro o el cuerpo.


Se pueden hacer juegos
de expresión corporal
con palabras o con
acciones de la vida
diaria, poniendo énfasis
en aquellas partes del
cuerpo que precisan
ganar mayor
sensibilidad, flexibilidad
o fuerza, luego se va
progresando a frases y
oraciones que plantean
una problemática de la
realidad.
El mimo o la pantomima deben ser
tomados como una experiencia
creativa, formativa, sin imponer
movimientos estereotipados; sino
por el contrario, como motivación
para crear el ambiente necesario
para explorar cómo expresarse.

EL ESPEJO: Este juego se realiza
en parejas. Uno será el que imita
todos los movimientos del otro
(actuando como bebés, como
robots, como lombrices, etc.).

125. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 125


7. EL JUEGO DE ROLES: El juego de interpretación
de roles consiste, tal como dice su nombre, en
desempeñar un determinado rol o personalidad
concreta. Cuando una persona ―hace el rol de X‖
significa que está realizando un papel que
normalmente no hace.


















Para jugar al rol se deben reunir por lo menos dos
personas, en una o más sesiones de juego. Una es
siempre el director de juego, encargado de dirigir el hilo
argumental. Las demás son jugadores que interpretarán
su propio personaje. Aunque se puede jugar con la
simple comunicación entre director de juego y jugadores,
una partida típica consta de los siguientes elementos:

Mesa, donde se sientan los jugadores.
Hojas de papel, lápices y otros elementos para tomar
apuntes, dibujos,...
Dados, que aportan el azar objetivo a los eventos que
se suceden en la partida.
Libros para consultar normas, aventuras
prefabricadas o datos interesantes.
Hojas de personaje, una por jugador, en el que se
describe al mismo y todo aquello que pueda ser de su
interés (historial, descripción, ropa que lleva, armas,
capacidad para usarlas, idiomas que domina y otras
habilidades u objetos en su poder).
Elementos accesorios, como mapas o maquetas.
Elementos de decoración, desde figuras a disfraces
para ambientar mejor el juego.
En los juegos de rol cada jugador interpreta un personaje ficticio, con una serie
de características propias que le definen.


Los jugadores tienen
siempre como objetivo
interpretar las acciones
conscientes de sus
personajes en el hilo
argumental que se va
relatando. Normalmente
el objetivo es cumplir
entre todos la misión que
ha propuesto el director
del juego, aunque el
juego se puede matizar
con diferentes enfoques,
por ejemplo acumular
riquezas, resolver
enigmas o bien conseguir
el mayor grado de
realismo.


Durante el juego cada jugador
decidirá qué acciones lleva a cabo
su personaje.


Para jugar al rol se deben reunir
por lo menos dos personas, en una
o más sesiones de juego.

126. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 126


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿Qué sistemas de comunicación combina el juego
dramático?
a. La expresión corporal y el lenguaje.
b. La mímica y el gesto.
c. El lenguaje verbal y no verbal.

¿En qué consiste el juego dramático organizado
formalmente?
a. Se marca la pauta a seguir por parte del instructor.
b. En conocer y preparar la presentación teatral.
c. En improvisar la presentación.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

¿Qué son los juegos dramáticos?
______________________________________________
____________________________________________

¿Para qué sirven los juegos dramáticos en el teatro?
______________________________________________
______________________________________________

¿Qué recomendación para la iniciación dramática le
parece más importante, por qué?
______________________________________________
______________________________________________

¿En qué consiste el juego de roles?
______________________________________________
______________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) Se debe crear un ambiente físico y actitudinal
propicio para explorar libremente los gestos.
( ) Se debe participar voluntariamente de las
dinámicas sugeridas por el instructor.
( ) El actor debe sentirse compenetrado con el
personaje a representar.
( ) Se debe dialogar acerca de los personajes y de
cómo caracterizarlos.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Formen cuatro equipos
de trabajo.
Elaboren un cuadro de
doble entrada
consignando para un
extremo los nombres de
los cuatro equipos de
trabajo. En el otro
extremo se anotarán
los puntajes adquiridos
por cada equipo.
Realicen diversos
juegos dramáticos
previamente
seleccionados por
equipos y anoten el
puntaje, 4 para el que
lo hizo mejor, 3, 2 y 1
para los demás.

RECUERDA
Lo juegos dramáticos
deben permitir la
ejecución de la
expresión lúdica;
desarrollar la facultad
de imitación;
experimentar las
posibilidades básicas
del propio juego
(movimiento, sonido,
ruido, mueca,
ademán...); afianzar el
dominio personal; y,
desarrollar la memoria.

127. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 127




Cuento Vivo

El desarrollo de habilidades para el arte dramático está
comprendido de múltiples estrategias que aseguran el
acercamiento y dominio de este arte. El cuento vivo es
una de las dinámicas más apropiadas para el desarrollo
del dominio vocal, gestual y temporal en el espacio
escénico.










Esta estrategia de animación se puede desarrollar de
muchas maneras, siendo la base la incorporación de una
historia real o imaginaria (un cuento) el mismo que debe
ser representado corporalmente a medida que se es
narrado oralmente.














El cuento es transmitido en origen tanto por vía oral
como escrita; aunque en un principio, lo más común era
por tradición oral. Además, puede dar cuenta de hechos
reales o fantásticos pero siempre partiendo de la base de
ser un acto de ficción, o mezcla de ficción con hechos
reales y personajes reales. Suele contener pocos
personajes que participan en una sola acción central, y
hay quienes opinan que un final impactante es requisito
indispensable de este género.
El arte dramático genera la
oportunidad de adentrarse en
fantásticas historias y propiciar
extraordinarias enseñanzas.

Conocimiento 23

El Cuento Vivo es la dinámica de animación en el
arte dramático que relaciona la temporalidad, el
espacio, la oralidad narrativa y gestualidad como
proceso del desarrollo de habilidades expresivas
corporales y dramáticas.


Un cuento es una
narración breve creada
por uno o varios autores,
basada en hechos reales
o imaginarios, inspirada
o no en anteriores
escritos o leyendas, cuya
trama es protagonizada
por un grupo reducido de
personajes y con un
argumento relativamente
sencillo y, por lo tanto,
fácil de entender.


El cuento vivo pretende vincular la
historia con gestos y acciones
simultáneas a la narración.

El cuento vivo desarrolla tanto la
expresión vocal como corporal.

128. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 128


REALIZANDO UN CUENTO VIVO

Este ejemplo, tiene como propósito animar al grupo de
trabajo por lo que se puede tomar como modelo para
recrear otras dinámicas con semejante metodología.

Para empezar, los estudiantes deben sentarse en el suelo
o en silletas formando un círculo, de modo que el centro
se convierta en el escenario donde se producirán las
acciones a dramatizar.

Luego de estar correctamente ubicados, el coordinador
empieza a narrar un relato sobre cualquier suceso, donde
incorpore personajes y animales en determinadas
actitudes y acciones. Se explica que cuando el
coordinador señale a cualquier compañero, éste debe
actuar como el animal o persona sobre la cual el
coordinador está haciendo referencia en su relato.














Por ejemplo: Paseando por el parque vi a un niño
tomando un helado (señala a alguien).... Estaba todo
lleno de helado y se chupaba las manos, vino entonces su
mamá (señala a otra persona), y se enfadó mucho... El
niño se puso a llorar y tiró su helado... Un perro (señala a
otra persona) pasó corriendo y comenzó a chupar el
helado en el piso...

Al finalizar la narración se debe resaltar el desempeño de
los estudiantes que participaron y pedirles que expliquen
cómo se sintieron al representar el papel que se le asignó.
Del mismo modo los demás estudiantes pueden
participar opinando sobre la representación de sus
compañeros para ir corrigiendo aspectos dramáticos y
corporales.

Una vez iniciado el
cuento el coordinador
puede hacer que le relato
se vaya construyendo
colectivamente de
manera espontánea,
dándole la palabra a otro
compañero para que lo
continúe.
Es recomendable realizar este tipo
de dinámicas con ropa ligera y
descalzo pues facilita el trabajo de
expresión corporal.

Se debe representar
adecuadamente al personaje que le
corresponde a cada participante
seleccionado, poniendo énfasis en
cada expresión.

Hay que estar atento al desarrollo
de la historia para que al momento
de actuar se pueda asumir los roles
dramáticos exactos y se pueda
construir un buen cuento vivo.

129. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 129


NARRACIÓN DE CUENTOS

Contar cuentos es todo un arte, es una costumbre tan
antigua que se pierde en la memoria del tiempo y a decir
de la narradora e investigadora norteamericana Ruth
Sawyer "es una de las artes tradicionales, que hunde sus
raíces en los orígenes mismos de la expresión
articulada."










La palabra viva, con todas las cualidades mesurables de
la voz —tono, timbre, amplitud, registro…— y los
gestos, son los instrumentos del narrador oral para la
comunicación con su público. Al referir a la palabra con
el calificativo de "viva", se le confiere una categoría
especial como expresión del arte de contar cuentos. La
narración de cuentos existe como arte "solo mientras se
narra", en el momento mismo del arte de narrar, con el
valor inapreciable de lo efímero.













En clase se debe promover el arte de narrar cuentos para
desarrollar las habilidades de expresión oral, poniendo en
práctica la impostación, las inflexiones, el manejo de las
cualidades de la voz, etc. Por su parte, cada frase debe ir
acompañada de un gesto, ya sea únicamente del rostro o
de todo el cuerpo, no es necesario gesticular demasiado
para transmitir lo que se quiere decir.

La cuentería es el arte
oral de contar, u oralidad
narradora artística, que
consiste en comunicar y
expresar por medio de la
palabra, la voz y el gesto
vivos, cuentos y otros
géneros imaginarios que
el cuentero inventa y/o
reinventa en el aquí y
ahora con un público
considerado interlocutor,
y que por ser
comunicación no son
literales respecto a la
fuente.
La narración de cuentos es
reconocida como arte viviente en
un estudio realizado por Ruth
Sawyer.

Narrar cuentos artísticamente es conferir
espontaneidad a una serie de sucesos para que el
público reciba el relato pleno de vida, siempre como
algo nuevo, ocurrido ante la vista con "la fuerza y el
interés de todo aquello que se ha sentido o vivido".
Haydée Arteaga Rojas. Destacada narradora oral cubana,
conocida como "La Señora de los Cuentos".
Ruth Sawyer (1880 - 1970),
narradora y escritora
norteamericana de ficción y no
ficción para niños y adultos.
Recibió el Premio Wilder Ingalls
Laura en 1965 por su destacada
trayectoria en la literatura infantil.

130. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 130


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿Qué es el Cuento Vivo?
a. Es un ejercicio dramático.
b. Es una dinámica de animación.
c. Es una actuación corta.

¿Qué cualidades desarrolla el Cuento Vivo?
a. La expresión vocal y corporal.
b. La creatividad e improvisación.
c. La fluidez verbal y cognitiva.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

¿En qué consiste el Cuento Vivo?
______________________________________________
____________________________________________

¿Cómo se realiza un Cuento Vivo?
______________________________________________
______________________________________________

¿Qué es la cuentería?
______________________________________________
______________________________________________

¿Qué cualidades de la voz se emplea en la narración
de cuentos?
______________________________________________
______________________________________________

3. MARCA VERDAD ERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) El cuento vivo pretende vincular la historia con
gestos y acciones simultáneas a la narración.
( ) La narración de cuentos es reconocida como arte
viviente.
( ) Ruth Sawyer fue narradora y escritora
norteamericana de ficción para niños y adultos.
( ) Haydée Arteaga Rojas es conocida como "La
Señora de los Cuentos".
( ) El cuento vivo desarrolla tanto la expresión vocal
como corporal.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Escribe un cuento
corto describiendo a los
personajes de manera
que puedan ser
identificados con
algunos gestos, timbre
y forma de hablar.
Practica una
presentación de
narración de cuento
poniendo énfasis al
contar la historia y
haciendo las diversas
voces y gestos de los
personajes.
RECUERDA
El arte dramático
genera la oportunidad
de adentrarse en
fantásticas historias y
propiciar
extraordinarias
enseñanzas.
El Cuento Vivo es la
dinámica de animación
en el arte dramático
que relaciona la
temporalidad, el
espacio, la oralidad
narrativa y gestualidad
como proceso del
desarrollo de
habilidades expresivas
corporales y
dramáticas.

131. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 131




Representaciones del
Teatro de Títeres

Es momento de poner a prueba sus habilidades para crear
y representar obras mediante un espectáculo de títeres.
Una marioneta o un títere es una figurilla o muñeco de
trapo, madera o cualquier otro material, usado para
representar obras de teatro.








El movimiento de los títeres o marionetas se efectúa con
la ayuda de muelles, cuerdas, guantes, alambres, hilos,
palos y demás utensilios adaptados a cada tipo de
marioneta o títere.













EL MUNDO DE LAS MARIONETAS

Los profesionales de las actuaciones con marionetas se
llamaron desde un principio titiriteros, porque manejaban
el títere. Los titiriteros actuaban por lo general al aire
libre, en corrales, o en los interiores de los mesones. En
el Siglo de Oro español (de mediados del siglo XVI a
mediados del siglo XVII) la palabra titiritero amplió su
campo semántico y empezó a aludir no sólo a los artistas
de marionetas sino a los saltimbanquis, acróbatas,
prestidigitadores y volantineros. Ser titiritero en esta
época implicaba cualquiera de estas actividades.
Los guiñoles son muñecos
accionados a mano. Constan de
cabeza y manos acopladas a un
vestido que se adapta como un
guante a la mano del operador.

Las marionetas son muñecos
accionados por hilos que mueve el
operador desde la parta superior
del escenario, oculta al público.

Los títeres de guante son aquellos
muñecos que se manipulan
colocando la mano en su interior.

Conocimiento 25

Una marioneta o un títere es una figurilla o muñeco
que se gobierna de manera que parezca que su
movimiento es autónomo.

132. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 132


CLASES DE TÍTERES

1. TÍTERE DE GUANTE: Se mueve a través de la
mano, introduciéndola en el interior del muñeco. Se
requiere mucha especialización para realizar un buen
espectáculo. Un tipo de títere que se podría
considerar como una variación es aquel en que se
puede abrir y cerrar su boca, gracias a que es de
mayor tamaño y tiene la boca articulada; con la otra
mano se mueve uno de los brazos del títere. Para
mover el otro brazo se necesita un ayudante.

2. TÍTERE DE PEANA: Son aquellos que están
sujetos a través de una varilla colocada en su parte
inferior a un soporte de madera, al cual que se le
denomina "peana". El movimiento de sus
extremidades se consigue acompañado de varillas.
Existen títeres de peana simple, generalmente para
manipular personajes humanos, y títeres de doble
peana para animales.














3. TÍTERE DE HILOS: Son muñecos accionados por
hilos que mueve el operador desde la parta superior
del escenario, oculta al público. Pese a haberlas de
construcción sencilla, la mayoría resultan más
difíciles de fabricar y manipular que los demás
muñecos. Danzan con primor, desafían las leyes de la
gravedad y vuelan por el aire, realizan trucos y
transmutaciones y asumen papeles dramáticos. La
forma de los muñecos varía de lo realista a lo
fantástico. Normalmente, su tamaño es de un tercio o
un cuarto del cuerpo humano (el de los animales
ofrece aún más variantes), si bien a veces alcanzan
tallas gigantes de 2 o 3 metros.
La ventriloquia es el arte de
modificar la voz para imitar otras
voces u otros sonidos.
Títere de peana (varilla interior).
Títere de hilos.

133. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 133


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿Qué es un títere o marioneta?
a. Un muñeco manejado simulando movimiento propio.
b. Un elemento manipulado por otro.
c. Una forma de teatro de feria.

¿Cuáles son las clases de títeres?
a. De guante, de peana y de hilos.
b. Marioneta y títere.
c. De madera y de tela.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

¿Con qué accesorios se pueden mover los títeres?
______________________________________________
____________________________________________

¿A quiénes se llama titiriteros?
______________________________________________
______________________________________________

¿Qué diferencia hay entre el títere de guante y el de
peana?
______________________________________________
______________________________________________

¿En qué consisten los títeres de hilos?
______________________________________________
______________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) Los guiñoles son muñecos accionados a mano.
( ) Las marionetas son muñecos accionados por hilos
desde una parte oculta al público.
( ) La ventriloquia es el arte de modificar la voz para
imitar otras voces u otros sonidos.
( ) El movimiento de las extremidades del títere de
peana se consigue con varillas.
( ) Normalmente, el tamaño de los títeres de hilos es
de un tercio o un cuarto del cuerpo humano.
( ) El titiritero es quien maneja los títeres.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Elabora un escenario
para títeres de guante.
Este escenario debe
tener una altura
aproximada de 1.50 x
1.00 m de ancho, en la
parte superior debe
haber una abertura de
unos 80 x 60 cm. con
una tela que cubra este
espacio. Se puede
adherir a los extremos
dos trozos de cartón de
la misma altura.
Píntalo y decóralo.
RECUERDA
Se teatro de títeres al
espectáculo realizado
con títeres o muñecos
para manipular
También puede hacer
referencia al local o
espacio donde se
representan las
funciones.

134. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 134




Confección y Manejo de
Títeres

Otra forma de propiciar la libre expresión es mediante la
elaboración de títeres o marionetas. Para esto, se debe
reconocer algunos tipos ya existentes y en base a ellos se
podrá identificar que materiales serán útiles para elaborar
el títere y personaje que desee, sin que haya la necesidad
de copiar algún modelo.

Entre algunos materiales están las cajas de cartón, bolsas
de diferentes colores y tamaños, telas, alambres, lanas,
botones, etc.










La palabra marioneta indica sobre todo el habla de los
personajillos que representan. En francés, une marionette
era un clérigo que en las representaciones religiosas
donde aparecía la virgen, aportaba su voz haciéndola
aguda para que pareciese femenina.

Las marionetas hablan siempre con una voz aguda,
chillona y falsa; salvo los personajes malvados que
hablan con voz grave pero igualmente falsa. Se suele
usar indistintamente el nombre de marioneta y el de
títere.

El uso de los muñecos o títeres era conocido entre los
griegos, que las llamaban neurópata, palabra que
significa objeto puesto en movimiento por cuerdecitas y
la cual expresaba la naturaleza de la cosa. Aristóteles
habla de ellos cuando dice que si aquellos que hacen
mover figuritas de madera tiran el hilo que corresponde a
éste o al otro de sus miembros, éste obedece al momento.
Se ve, continúa, cómo mueven la cabeza, los ojos, las
manos; en una palabra, parece una persona viva y
animada.
Para la elaboración de títeres se
puede emplear materiales
alternativos y de reciclaje.

Conocimiento 25
Muchos diseños son sencillos de
elaborar, sin embargo se debe
tener cuidado en el uso de
materiales punzantes como tijeras
y agujas.

Este diseño sencillo está elaborado
con tela de fieltro o paño. Se corta
dos formas iguales para el cuerpo y
se las cose con hilo y aguja dejando
el espacio para introducir la mano.
Luego, también de tela, se hacen
los detalles.

135. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 135


CONFECCIÓN DE TÍTERES

El primer paso es decidir qué tipo de marioneta o títere
queremos construir. En nuestro caso haremos una
sencilla marioneta con un calcetín. Para ello lo primero
que haremos es reunir todo el material necesario para
crear el títere. Utilizaremos un calcetín, tijeras,
rotuladores, pegamento, hilo y cartulinas. Una vez
reunido todo el material comenzaremos la construcción
de la marioneta.

Lo primero que vamos a hacer es crear los ojos para la
marioneta, para ello podemos utilizar unos ojos de algún
muñeco viejo o podemos hacerlos nosotros mismos con
un trozo de cartulina y los rotuladores. Simplemente
recortaremos dos óvalos de cartulina del mismo tamaño
y pintaremos el ojo en su interior.

Una vez que tengamos los ojos, nos ponemos el calcetín
en la mano y situamos los ojos en la posición que los
deseemos colocar. Una vez que tengamos la posición de
los ojos en nuestro títere, aplicaremos pegamento para
dejarlos fijados a la marioneta.

Ahora ayudándonos de los rotuladores o pinturas de
colores, pintaremos la nariz de nuestra marioneta, e
incluso podemos pintarle los labios para darle un aspecto
más real. También se puede emplear lana para
confeccionar un tipo distinto de nariz.

Para la boca, se debe hacer un corte en el borde el
calcetín considerando el tamaño de nuestra mano al
introducirla. Luego se corta en tela un óvalo de
semejante tamaño y dándole la vuelta al calcetín se
procede a coser con aguja e hilo.








Para darle un toque especial a nuestra marioneta,
podemos coserle unos hilos a modo de cabello a nuestra
marioneta. La incorporación del pelo a cualquier títere
les da un carácter más cómico y divertido.
Sencillo modelo de títere de guante
elaborado con un calcetín.

Se debe cortar la parte interna del
calcetín para hacer la abertura de
la boca.

Para darle mayor estabilidad a la
boca se debe cortar un óvalo en
cartón y adherirlo a la boca junto
a una tela.

La decoración es importante para
el acabado final, ya que de ella
depende que el títere adquiera una
personalidad. Se pueden hacer
variaciones en el tamaño de los
ojos, el color y tipo de cabello, etc.

136. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 136


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIV A
CORRECTA:

¿Cómo es la voz de una marioneta usualmente?
a. Voz aguda, chillona y falsa.
b. Grave y falsa.
c. De forma habitual sin modificaciones.

¿Con qué materiales se puede confeccionar un títere?
a. Cartón, bolsas, telas, lanas, alambres.
b. Hilos, plástico, botones, cartulinas.
c. Las opciones a y b.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

¿Qué modelo de títere te parece más complejo de
fabricar, por qué?
______________________________________________
____________________________________________

¿Con qué materiales fabricarías un títere de guante?
______________________________________________
______________________________________________

¿Cómo se debe hacer la representación de un
espectáculo de títeres?
______________________________________________
______________________________________________

¿Cómo interviene el uso de la voz en un espectáculo
de títeres?
______________________________________________
______________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) Para la elaboración de títeres se puede emplear
materiales alternativos y de reciclaje.
( ) Un modelo sencillo de títere de guante se puede
elaborar empleando un calcetín.
( ) Al hacer hablar un personaje de títere, este debe
mover la boca conforme a lo que dice.
( ) Los diseños a elaborar deben ser auténticos,
evitando copiar modelos ya existentes.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Escribe una historia
para presentarla en un
espectáculo de títeres.
La historia debe
considerar no muchos
personajes de manera
que pueda hacerlo una
sola persona o máximo
dos.
Asígnale un tipo de voz
a cada personaje y
practícalo hasta que
este completamente
aprendido.
Presenta el espectáculo
ante tus compañeros de
clase.

RECUERDA
Los títeres de sombra, o
por lo general de
varillas, son figuras
planas articuladas (de
cuyas articulaciones
salen finas varillas
para su manipulación),
traslúcidas, opacas o
coloreadas. El titiritero
se sitúa tras una
pantalla blanca
iluminada por una luz
posterior, y pegando la
figura a la tela le
trasmite movimientos
que los espectadores
verán como sombras
chinescas.

137. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 137




Apreciación Estética
Teatral

La estética en la escena teatral es un aspecto primordial
de la apreciación del arte escénico y un elemento
inseparable del propio teatro como arte. La estética como
parte sustantiva de la definición de arte, implica, por
fuerza, concretarse en el hecho artístico.

No es posible hablar de arte sin referirse a la estética, y
en la medida que el teatro es arte, lo teatral: el
espectáculo, la escena, implica su referencia estética. Sin
embargo, sólo en contadas ocasiones la escena teatral
evidencia el aspecto estético.

Esto se debe a varias razones: El aspecto comercial es la
razón principal de que el teatro no alcance su aspecto
estético; la falta de preparación o educación artística de
los involucrados en la realización del producto teatral, es
otra de las razones más comunes. Y por supuesto, la falta
de talento y vocación artística en el ámbito teatral, que se
traduce en mucha demanda y poca o nula calidad
profesional en las nuevas generaciones que pretenden
dedicarse al quehacer escénico.











En virtud de lo anterior, es necesario fomentar la
educación estética entre las nuevas generaciones que
aspiran a convertirse en artistas de la escena; educar y
desarrollar su sensibilidad, su buen gusto, su percepción,
y su capacidad de expresión. Inducir al presunto artista
teatral a ser realmente creativo, sensual, imaginativo.
Entonces, sólo entonces, podremos llamarlo arte; y el
público, que forma parte sustancial del evento teatral,
podrá llenarse con plenitud de ese placer que sólo el arte
puede proporcionar: el placer estético.
La estética es la ciencia que estudia
la belleza y la teoría fundamental y
filosófica del arte.
Conocimiento 25

La estética es la ciencia
de las condiciones de lo
bello en el arte y en la
naturaleza. El término
fue utilizado por primera
vez por A. Baumgarten
en 1750, entendiéndola
como la ciencia del
conocimiento sensible,
que tiene por objeto
determinar la esencia de
lo bello.
La estética es parte sustancial del
arte, por lo tanto debe estar
presente en la escena teatral.

138. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 138


ELEMENTOS DE LA APRECIACIÓN
ESTÉTICA TEATRAL

El teatro, más que ninguna otra forma de arte, sufre de
ser condenada o alabada de forma inmediata. Y es que la
apreciación del teatro como una forma de arte no es una
reacción espontánea: Hay que aprender a apreciarlo. Tal
sucede con las grandes obras maestras de la pintura,
escultura, música o literatura, no causan ninguna
impresión en los ojos u oídos no entrenados. Es por esto
que el público se debe capacitar para poder apreciar el
teatro como una forma de arte.


















El arte tiene la capacidad expresiva de manifestar
hermosura, fealdad, seriedad, ridículo, tragedia, comedia,
simetría, asimetría. Por ello las obras de teatro pueden
tener estas formas expresivas en su desarrollo, sin perder
su valor estético como obra artística.

El gusto no es apreciación, es una respuesta personal que
revela preferencias subjetivas. La apreciación pretende
ser objetiva. Por lo tanto, no es válido en una
apreciación, expresar si la obra teatral es de nuestro
agrado o no, ya que este tipo de respuestas puede reflejar
una distorsión. Por ejemplo, si se aprecia una obra teatral
cuyo tema central es la violencia y el agrado es por los
temas románticos, no se puede decir que le desagradó la
obra por tratar un tema diferente a las preferencias. Se
puede describir la temática dramatizada omitiendo
palabras referidas al gusto personal.

Apreciar un espectáculo
teatral implica identificar
cómo se desarrolló la
actuación, cómo es el
comportamiento de los
personajes, el análisis del
tema, así como las
características de los
elementos expresivos.

Representación de la obra ―Pinocho‖ por el elenco de
teatro español La Bicicleta.

Así como los actores se preparan
para presentar una obra teatral, el
público debe estar capacitado para
poder apreciarla objetivamente.
El teatro posee formas expresivas
en su desarrollo sin perder su valor
estético.
La apreciación debe ser objetiva,
aun por encima de los gustos
personales de quien realiza la
valoración.

139. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 139


Apreciar un espectáculo teatral implica identificar cómo
se desarrolló la actuación, cómo es el comportamiento de
los personajes, el análisis del tema, así como las
características de los elementos expresivos. Y ¿qué es lo
que se aprecia del teatro? Pues la experiencia total como
resultado de la suma de sus componentes. Estos son
algunos componentes relacionados con el arte de la
apreciación teatral:

1. CONCEPTO: Es la idea o ideas detrás de las
imágenes de una puesta en escena y que es el soporte
creativo y unificador del creador escénico.

2. PROPUESTA: Es la forma como el director
interpreta la obra y crea su propio mundo a través del
planteamiento que crea en el espacio escénico. La
propuesta destaca fundamentalmente el estudio del
subtexto de la obra.












3. ELEMENTOS VISUALES: La estética visual de
una obra la componen la escenografía, vestuario e
iluminación, cada una con sus propios códigos y
valores de intensidad, colores, texturas, líneas,
movimiento, calidez, etc.

4. ESPACIO SONORO: Es la combinación de sonidos
y música creado especialmente para un montaje
escénico específico según la propuesta del director.

5. INTERPRETACIÓN: Los actores son responsables
de interpretar fundamentalmente el subtexto de una
obra según los parámetros conceptuales propuestos.
Incluye el diálogo (no la forma como se dicen las
líneas ya sea de forma enérgica, emocional o
divertida), la creación del personaje y los objetivos
del mismo.
Al apreciar una obra teatral se
analiza el desarrollo de la
actuación, el comportamiento de
los personajes, el tema y los
elementos expresivos.
Debe haber interpretación y
creación para que la propuesta
tenga nivel de ―arte‖.
La iluminación aísla objetos, fija la
atención en las escenas o
personajes, crea ambientes
acordes a la historia.

Apreciar obras teatrales
adecuadamente es un
proceso que se desarrolla
con la práctica, por eso
es recomendable
observar muchas y
variadas presentaciones.

140. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 140


REPRESENTACIÓN DE OBRAS TEATRALES
Mediante el arte dramático la persona puede
desenvolverse sin inhibiciones, pensar con
independencia, disfrutar las experiencias, desarrollar su
expresividad, su sensibilidad y su imaginación. Una
representación teatral perfecta sólo se logra dejando de
pensar en ello. Procure cumplir con las recomendaciones
y poner mucho de su parte (intensión, creatividad) y el
resultado será más que satisfactorio.

BLANCA NIEVES
(Adaptación)
(Se escucha música, e ingresa Blanca Nieves en actitud
triste por la muerte de su padre)
BLANCA: ¡Oh! Que desdicha siento al saber que mi
padre a muerto. Y ahora tendré que soportar a mi
madrastra como la persona que gobierne el reino. ¡Dios
mío! Te pido que le des sabiduría para que reine con
prudencia y justicia (sale de escena llorando).
(Ingresa la madrastra en actitud prepotente).
MADRASTRA: ¡Por fin acabé con la vida del rey! Nadie
sospechará que yo lo hice, Ahora el reino es mío, de mi
solita. (Da dos palmadas) ¡Espejo mágico! (Ingresa el
espejo).
ESPEJO: ¡Mande usted su majestad!
MADRASTRA: Espejo dime ¿quién es la más poderosa
de todos los reinos?
ESPEJO: Barack Obama, su majestad. ¡No, no! Perdón,
es usted.
MADRASTRA: ¿Y quién es la más hermosa de todos los
reinos?
ESPEJO: ¡Shakira, pues! ¡No, no! Es usted. Aunque no,
es Blanca Nieves.
MADRASTRA: ¿Cómo que Blanca Nieves, si ella
todavía es una niña?
ESPEJO: ¡Era una niña! Hoy acaba de cumplir 18 años,
recuérdele que tiene que sacar su DNI.
MADRASTRA: No puede ser. Primero tuve que matar al
padre y ahora a la hija -que complicado es ser madrastra.
¿Qué puedo hacer? (camina pensativa)... ¡Ya sé! ¡Luis
Guillermo! (Ingresa el leñador!
LUIS: ¡Mande usted su majestad!
MADRASTRA: Luis Guillermo, ¿conoces a Blanca
Nieves?
LUIS: Si claro, es mi amiga.
MADRASTRA: Pues entonces ve y tráeme su corazón.

141. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 141


LUIS: Me está pidiendo que la asesine.
MADRASTRA: Tómalo como quieras, sólo ve y hazlo
(sale de escena junto al espejo).
LUIS: ¿Qué puedo hacer? No puedo matar a mi propia
amiga, ¿qué voy hacer? (camina pensativo). ¡Ya sé!
¡Blanca Nieves, Blanca Nieves!
BLANCA: ¿Qué pasa Luis Guillermo? ¿Por qué estás
gritando?
LUIS: Amiga te tengo una mala noticia, tu madrastra me
ha pedido que le entregue tu corazón.
BLANCA: O sea que ¿tendrás que matarme?
LUIS: Si amiga, pero se ha ocurrido una buena idea
¡huye lo más lejos del reino perdiéndote en el bosque!
¡Corre! ¡Por ahí no... por ahí tampoco... por ahí sí!
(Blanca Nieves sale corriendo de escena. Luis Guillermo
alista su rifle, apunta y dispara. Sale de escena sacando
su cuchillo e ingresa luego con un corazón
ensangrentado en la mano. Ingresa la madrastra).
MADRASTRA: ¿Qué pasó oí un disparo?
LUIS: Acabo de cumplir con su mandato.
MADRASTRA: ¿Ya mataste a Blanca Nieves? ¡Qué
eficaz! (El leñador sale de escena procurando no ser
visto). ¡Espejo mágico!
ESPEJO: ¡Mande usted su majestad!
MADRASTRA: Espejo dime ¿quién es la más poderosa
de todos los reinos?
ESPEJO: Alan García, su majestad. ¡No, no! Perdón, es
usted.
MADRASTRA: ¿Y quién es la más hermosa de todos los
reinos?
ESPEJO: ¡La Tigresa del Oriente, pues! ¡No, no! Es
usted. Aunque no, es Blanca Nieves.
MADRASTRA: ¿Cómo que Blanca Nieves? ¡Si ella ya
está muerta! Mira ahí está su corazón.
ESPEJO: ¡Ah, ah! No está muerta, Luis Guillermo te ha
engañado, ese es el corazón de un venado.
MADRASTRA: ¡No puede ser! ¡Luis Guillermo yo te
mato! No puede ser. Para acabar con Blanca Nieves
tengo que hacerlo yo misma. Espejo pásame la olla, la
cocina, el agua y los condimentos. (Prende la cocina y
prepara una pócima) Haber espejo, pásame: uñas de gato
panzón, pelos de gato cimarrón, miel de abeja soltera,
ojos de gallo ciego y un poquito de ajino-men -sopa
instantánea en tres minutos-. Espejo pásame las
manzanas (sumerge las manzanas en la pócima) ¡con
esto acabaré con Blanca Nieves! Pero no puedo ir así,
espejo pásame un vaso (se sirve la pócima y se

142. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 142


transforma en una anciana). ¡Ahora sí! ¡Vamos espejo a
acabar con Blanca Nieves! (Sale de escena junto al
espejo)
(Aparece Blanca Nieves cansada de haber corrido por el
bosque y llega a la casa de los enanos del bosque).
BLANCA: ¡Oh! Que cansada que estoy. Creo que ya
estoy alucinando, estoy viendo las cosas pequeñas (toca
los objetos de la casita). De verdad son pequeñas, pero
¿quién vivirá aquí? Bueno no importa estoy muy
cansada, creo que me voy a dormir (se acuesta en una
camita. Se escucha que se acercan los enanos cantando).
ENANOS: (Cantando) Somos los enanos, enanos,
enanos...
GENIO: ¡Alto! Alguien está durmiendo en nuestra cama.
ENANOS: ¡Ah, sí, sí, sí! ¡Ahhhhhhhhhhh...! (Corren
despavoridos y se ubican a un costado de la camita en la
que duerme Blanca Nieves. Tontín se acerca a Blanca
Nieves y la mueve ligeramente para despertarla).
BLANCA: (Asustada) ¿Quiénes son ustedes?
GENIO: Nosotros somos los enanos del bosque y ¿tú
quién eres?
BLANCA: Yo soy la princesa Blanca Nieves y estoy
aquí porque mi madrastra quiso matarme y lo único que
hice fue correr y llegué aquí.
GRUÑÓN: ¡Odio a las princesas! Mejor vamos a comer.
ENANOS: ¡Si, a comer! (Se van comer sentados en las
silletas. Genio recoge los platos y se los entrega a Blanca
Nieves).
GENIO: ¡A ver si lavas los platos! (Sale de escena).
GRUÑÓN: ¡A ver si barres la casa! (Sale de escena).
TONTÍN: ¡A ver si...! (Sale de escena corriendo).
BLANCA: Que amables. Bueno todo lo que hay que
hacer por un cuarto donde dormir.
(se pone a barrer la habitación. Ingresa la madrastra)
MADRASTRA: ¡Hola hijita! Vengo a traerte estas
riquísimas manzanas.
BLANCA: ¡Oh, gracias! Pero no tengo plata estoy aguja.
MADRASTRA: No te preocupes hijita, te la regalo, pero
cómela.
BLANCA: ¡Enserio, gracias buena mujer!
MADRASTRA: ¡Sí, pero come!
BLANCA: ¡Gracias! ¿Pero está dulce?
MADRASTRA: ¡Sí, pero come!
BLANCA: ¡Gracias! ¿Pero está lavada?
MADRASTRA: ¡Sí, pero come!
BLANCA: ¡Gracias! ¿Pero es peruana?

143. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 143


MADRASTRA: ¡Ya pues, come! (Blanca Nieves come
la manzana y se va sintiendo mal y cae sobre la cama).
¡Por fin acabé con Blanca Nieves! Mejor me voy antes
que vengan esos enanos odiosos (sale de escena. Se
escucha a los enanos que llegan cantando).
ENANOS: (Cantando) Somos los enanos, enanos,
enanos...
GENIO: ¡Alto! Blanca Nieves sí que para durmiendo.
ENANOS: ¡Ah, sí, sí, sí!
GENIO: ¡No miren! No está dormida, está hechizada por
haber comido esa manzana.
ENANOS: ¿Hechizada? ¡Nooooooo!
GRUÑÓN: ¡Odio los hechizos , y la única forma que
despierte es que venga un príncipe y la despierte ¡odio a
los príncipes! (Los enanos lloran. Ingresa el príncipe de
Inglaterra).
PRÍNCIPE: ¡Abran campo! Soy el príncipe de Inglaterra
y me dirijo al palacio de todos los reinos.
GRUÑÓN: ¡Bah! Dice que es un príncipe.
PRÍNCIPE: Claro que soy un príncipe, mira aquí están
mis documentos.
ENANOS: ¡Ah, sí, sí, sí!
GENIO: Que bueno que vino señor príncipe. La princesa
Blanca Nieves esta hechizada por haber comido una
manzana.
PRÍNCIPE: (Mirando a Blanca Nieves) ¿De veras es una
princesa?
BLANCA: Claro, aquí están mis documentos.
PRÍNCIPE: ¡Ah, bien! Pues abran campo que voy a
entrar en acción (se acomoda el peinado y le da un beso a
Blanca Nieves. Ella despierta lentamente).
BLANCA: ¿Dónde estoy, quién soy, de dónde vengo y
adónde voy?
PRÍNCIPE: Princesa Blanca Nieves os he despertado de
su tormentoso sueño.
BLANCA: ¿Y quién te ha dicho que era tormentoso,
acaso no sabías que estaba soñando con Cristian Meier?
PRÍNCIPE: Pero princesa ahora vas a estar bien.
ENANOS: ¡Que se casen, que se casen...!
PRÍNCIPE: (Se arrodilla) Princesa Blanca Nieves
aceptas casarte conmigo.
BLANCA: ¿Tienes carro?
PRÍNCIPE: Hasta avión tengo.
BLANCA: Me caso (se oye música de matrimonio y se
van de escena cogidos del brazo seguidos por los
enanos).
FIN

144. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 144


MIDIENDO CONOCIMIENTOS

1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:

¿A qué se refiere el concepto como elemento de la
apreciación estética teatral?
a. Es la idea general que engloba la obra teatral.
b. Es la forma como el director interpreta la obra.
c. Es la combinación de sonidos y música.

¿ A qué se refiere la propuesta como elemento de la
apreciación estética teatral?
a. Es la idea general que engloba la obra teatral.
b. Es la forma como el director interpreta la obra.
c. Es la combinación de sonidos y música.

2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:

¿Qué es la estética teatral?
______________________________________________
____________________________________________

¿Qué entiende por apreciación estética teatral?
______________________________________________
______________________________________________

¿Qué se requiere para poder apreciar estéticamente
una obra de teatro?
______________________________________________
______________________________________________

¿A qué se refiere el análisis de elementos visuales en la
apreciación estética teatral?
______________________________________________
______________________________________________

3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:

( ) La estética es la ciencia que estudia la belleza y la
teoría fundamental y filosófica del arte.
( ) El público debe estar capacitado para poder
apreciarla objetivamente.
( ) El teatro posee formas expresivas en su desarrollo
sin perder su valor estético.
( ) La apreciación teatral debe ser objetiva.

ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA

Elabora un esquema de
apreciación teatral con
espacios para escribir
en cada elementos de la
apreciación estética
teatral.
Observen un video de
una obra de teatro que
sugiera su profesor.
Completen la ficha de
análisis una vez
culminada la
proyección del video.
Compartan sus
opiniones y respuestas.
RECUERDA
Es necesario fomentar
la educación estética
entre las nuevas
generaciones que
aspiran a convertirse
en artistas de la
escena; educar y
desarrollar su
sensibilidad, su buen
gusto, su percepción, y
su capacidad de
expresión. Inducir al
presunto artista teatral
a ser realmente
creativo, sensual e
imaginativo.

145. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 145







Presentación 04
Introducción 05
Contenidos 06

ARTES VISUALES
Artes visuales. Concepto, clasificación. 08
Disciplinas artísticas. 10
Elementos constitutivos de las artes visuales: línea, color, forma. 13
Materiales no convencionales. Reciclables. Naturales. 22
Dibujo básico. Lineal y geométrico. 28
Estudio básico de los colores: primarios, secundarios, terciarios. 34
Técnicas creativas. Bidimensionales: dactilopintura, estarcido, esgrafiado. 39
Tridimensionales: modelado, tallado. 42

MÚSICA
El sonido: Clases y cualidades. 49
Música: Concepto y origen. 53
Elementos de la música: Ritmo - melodía. 58
El pentagrama: Líneas adicionales superiores e inferiores. 62
Claves o llaves. 63
Caligrafía Musical. 64
Las figuras de duración y sus silencios. 66
Ubicación de las notas musicales en el pentagrama. 68
Solfeo hablado y rítmico: ejercicios. 70
La voz: clasificación. 74
Técnica vocal: postura, respiración y dicción. Repertorio. 75
Instrumentos musicales. 78

DANZA
Danza. Conceptualización y clasificación. 83
Elementos de la danza. Cuerpo y espacio. Tiempo. 88
Expresión corporal. Movimiento, equilibrio y relajación. 92
Desarrollo auditivo. Escucha activa. 96
Figuras coreográficas. 100

TEATRO
El Teatro. Concepto. Historia del teatro. 105
Elementos técnicos del Teatro. 109
Expresión corporal. 113
Expresión vocal. Cualidades de la voz. 117
Juegos de iniciación dramática. Ejercicios plásticos y vocales. 122
Cuento vivo. Narración de cuentos. 127
Representaciones del teatro de Títeres. 131
Confección y manejo de títeres. 134
Apreciación estética teatral. 137








ÍNDICE

146. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 146






Educación por el Arte, Orientaciones para el Trabajo Pedagógico, Ministerio de
Educación, 2006
Historia del Dibujo, la Pintura y el Grabado, Serie 1 para estudiantes de
Secundaria, Fascículo 1, Ministerio de Educación 2007
Historia de la Escultura y Arquitectura, Serie 1 para estudiantes de Secundaria,
Fascículo 2, Ministerio de Educación 2007
Historia de la Música en el Perú, Serie 1 para estudiantes de Secundaria,
Fascículo 2, Ministerio de Educación 2007
Historia de la Música del Mundo, Serie 1 para estudiantes de Secundaria,
Fascículo 3, Ministerio de Educación 2007
Historia del Teatro, Serie 1 para estudiantes de Secundaria, Fascículo 4,
Ministerio de Educación 2007
Historia de la Danza, Serie 1 para estudiantes de Secundaria, Fascículo 5,
Ministerio de Educación 2007
Historia de las Artes Mediáticas, Serie 1 para estudiantes de Secundaria,
Fascículo 6, Ministerio de Educación 2007
Arte en el Perú, Serie 2 para estudiantes de Secundaria, Fascículo 1, Ministerio
de Educación 2007
Ritos y Fiestas: Origen de la danza y el Teatro en el Perú, Serie 2 para
estudiantes de Secundaria, Fascículo 1, Ministerio de Educación 2007
Educación Artística, F. Acevedo Mijares
Dibujo y Pintura, Ediciones Nueva Lente
Creación Artística y Creación Espiritual, Omraam Mikhaël Aïvanhov, 1997
Metodología del Dibujo, Ernesto Fabregart
Ilustración Creadora, Andrew Loomis
Arte y Percepción Visual, Rudolf Arheim
Historia del Arte, Varios Autores
Cómo Dibujar y Pintar, Ernest Blum
Las bandas sonoras como base de la audición activa: experiencias educativas
para el desarrollo musical infantil, Hernández, J. R., Hernández, J. A. y De
Moya, M. V. 2011
Las Competencias Artísticas en la Enseñanza del Arte, Silvia Fernández* y
Gerardo Chavero, 2012
Artes Visuales, Willy Galdos Frías
Educación Artística, Félix Huamán
Arte y Creatividad, Edgar Urday Manrique
Diccionario Enciclopédico Sopena
Cómo Hacer Teatro en mi Escuela, Guillermo Romero Peralta
Educación Musical, Aquiles Hinostroza
Música, Armando Chávez Pinto, 1986
Mi Mundo del Arte, René Pacheco Melgar, 1982
Música, Fernando Muñoz Gómez, 1972
Música, Dr. Francisco Pulgar Vidal, Undécima Edición, 1975







BIBLIOGRAFÍA

147. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 147



























































Bienaventurados los que me han
comprendido. Tanto peor para
aquellos que no han querido
comprenderme: no quedará ni
rastro de ellos, porque la
Inteligencia cósmica no piensa
tolerar por más tiempo energú-
menos que no actúan según sus
leyes. Hay que armonizarse con la
inteligencia cósmica, vibrar al
unísono con ella y crear la
verdadera belleza.

Omraam Mikhaël Aïvanhov

148. "ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 148