Cronología del Arte- edades (resumen)
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Dec 05, 2012
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Recopilación y resumen breve de la historia del arte, desde la prehistoria hasta la edad contemporánea.
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Movimiento del Arte
El objetivo del área de artes en la escuela no es exclusivamente para formar artistas, sus objetivos se dirigen a cultivar las aptitudes
que permitan apreciar y disfrutar del mundo.
El conocer sobre las expresiones artísticas nos permite desarrollar habilidades interpretativas y ayuda a apropiarnos
concientemente del mundo que nos rodea.
Nos ayuda a desarrollar una compleja red de acciones que permite encontrar un sentido de pertenecía
El arte se ha transformado en una forma de expresión cultural, propia de cada tiempo y espacio en la historia humana y ha servido
como evidencia del que hacer humano en sus respectivos momentos.
Ha sido menester expresar la historia del ser humano a través de obras pictóricas, musicales, esculturales y arquitectónicas.
Transformando el arte en una forma de comunicar poco convencional en sus inicios, pero que ha perdurado a través de los siglos
Es por esto que surgen los estilos en el área artística, que están sujeto a la interpretación del mundo desde perspectivas
multifuncionales
Las expresiones artísticas hoy en día, junto con los restos arqueológicos de orden genético, se han transformado en las únicas formas
de conocer al hombre antiguo, de observar el pasado, de conocer nuestras raíces.
La historia del arte es influenciada por la cultura que lo acoge, siendo determinado por los movimientos culturales a la cual se vea
sujetas
Una etapa crucial que define y a la vez trasciende al arte es la edad contemporánea, parte fundamental en la historia del arte por la
connotación ideológica que esta significa, esbozada en la corriente impresionista, sienta un verdadero hito en la manera en que se
concebía hasta entonces el arte.
Conociendo la historia a través del arte: Principales características.
Prehistoria
Escenas de caza.
ÉPOCA PALEOLÍTICA
Las manifestaciones pictóricas de esta época son llamadas pinturas rupestres. Estas pinturas se han paredes de cuevas y cavernas,
alcanzando grandes dimensiones. La pintura rupestre responde a la expresión de una cultura cazadora, se le atribuye un carácter
mágico – religioso porque se presume fueron realizadas como rituales para conseguir buena cacería. Las figuras que pintaban eran
de animales. El arte rupestre tiene tres fases:
a) Auriñaciense, en esta fase las figuras aparecen hechas con trazos burdos, los animales los realizan de perfil y las figuras se
presentan aisladas
b) Solutrense, en donde se observan ciertas figuras moldeadas, interviene el color y los perfiles parecen paralelos.
c) Magdaleniense, en ella se presentan escenas de caza, de lucha, y se observa una asociación de la figura humana con la figura
animal en las representaciones, hay variada policromía y el empleo del claroscuro como elemento expresivo.
• Pintura: Las primeras manifestaciones pictóricas provienen de la época paleolítica o de la Piedra Tallada, a esta se le denominó
Pintura Rupestre.
• Escultura: Del Auriñaciense datan las primeras esculturas de forma humana. Son figuras femeninas, en hueso, marfil o piedra, de
pequeño tamaño, relacionadas con el culto a la fecundidad.
• Arquitectura: En el Neolítico o Edad de Piedra Pulimentada, la pintura y la escultura pierden importancia y en cambio se desarrolla
al final del período una arquitectura de enormes piedras que recibe el nombre de Arquitectura Megalítica, formados por bloques
inmensos de piedras, estos monumentos son de varios tipos: Menhir, Trilito, Dolmen y Cromlech.
EPOCA ANTIGUA
En esta época encontramos principalmente a los siguientes exponentes
ARTE EGIPCIO.- v La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio excelente para transmitir un
mensaje estético.
El objetivo del área de artes en la escuela no es exclusivamente para formar artistas, sus objetivos se dirigen a cultivar las aptitudes
que permitan apreciar y disfrutar del mundo.
El conocer sobre las expresiones artísticas nos permite desarrollar habilidades interpretativas y ayuda a apropiarnos
concientemente del mundo que nos rodea.
Nos ayuda a desarrollar una compleja red de acciones que permite encontrar un sentido de pertenecía
El arte se ha transformado en una forma de expresión cultural, propia de cada tiempo y espacio en la historia humana y ha servido
como evidencia del que hacer humano en sus respectivos momentos.
Ha sido menester expresar la historia del ser humano a través de obras pictóricas, musicales, esculturales y arquitectónicas.
Transformando el arte en una forma de comunicar poco convencional en sus inicios, pero que ha perdurado a través de los siglos
Es por esto que surgen los estilos en el área artística, que están sujeto a la interpretación del mundo desde perspectivas
multifuncionales
Las expresiones artísticas hoy en día, junto con los restos arqueológicos de orden genético, se han transformado en las únicas formas
de conocer al hombre antiguo, de observar el pasado, de conocer nuestras raíces.
La historia del arte es influenciada por la cultura que lo acoge, siendo determinado por los movimientos culturales a la cual se vea
sujetas
Una etapa crucial que define y a la vez trasciende al arte es la edad contemporánea, parte fundamental en la historia del arte por la
connotación ideológica que esta significa, esbozada en la corriente impresionista, sienta un verdadero hito en la manera en que se
concebía hasta entonces el arte.
Conociendo la historia a través del arte: Principales características.
Prehistoria
Escenas de caza.
ÉPOCA PALEOLÍTICA
Las manifestaciones pictóricas de esta época son llamadas pinturas rupestres. Estas pinturas se han paredes de cuevas y cavernas,
alcanzando grandes dimensiones. La pintura rupestre responde a la expresión de una cultura cazadora, se le atribuye un carácter
mágico – religioso porque se presume fueron realizadas como rituales para conseguir buena cacería. Las figuras que pintaban eran
de animales. El arte rupestre tiene tres fases:
a) Auriñaciense, en esta fase las figuras aparecen hechas con trazos burdos, los animales los realizan de perfil y las figuras se
presentan aisladas
b) Solutrense, en donde se observan ciertas figuras moldeadas, interviene el color y los perfiles parecen paralelos.
c) Magdaleniense, en ella se presentan escenas de caza, de lucha, y se observa una asociación de la figura humana con la figura
animal en las representaciones, hay variada policromía y el empleo del claroscuro como elemento expresivo.
• Pintura: Las primeras manifestaciones pictóricas provienen de la época paleolítica o de la Piedra Tallada, a esta se le denominó
Pintura Rupestre.
• Escultura: Del Auriñaciense datan las primeras esculturas de forma humana. Son figuras femeninas, en hueso, marfil o piedra, de
pequeño tamaño, relacionadas con el culto a la fecundidad.
• Arquitectura: En el Neolítico o Edad de Piedra Pulimentada, la pintura y la escultura pierden importancia y en cambio se desarrolla
al final del período una arquitectura de enormes piedras que recibe el nombre de Arquitectura Megalítica, formados por bloques
inmensos de piedras, estos monumentos son de varios tipos: Menhir, Trilito, Dolmen y Cromlech.
EPOCA ANTIGUA
En esta época encontramos principalmente a los siguientes exponentes
ARTE EGIPCIO.- v La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio excelente para transmitir un
mensaje estético.
• Arquitectura: Una de las grandes creaciones del genio egipcio es la arquitectura, arte en que dejaron monumentos que asombran
por su grandeza, hermosura y por la habilidad de los ingenieros constructores. Entre sus obras se destacan los Monumentos
Funerarios: Mastabas, Hipogeos y Pirámides, y los Monumentos de Culto: Speos y Templos.
• Pintura: crean un ambiente cargado de religiosidad; en ella se observa la pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio
compositivo y una gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica, natural y contemplativa. La representación de la figura
humana se caracterizó por los siguientes rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos,
vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de la figura. Representación de escenas de la vida real. Carácter decorativo en atención
a que ella es empleada en las paredes de templos, tumbas y palacios.
• Escultura: A lo largo de su historia, la escultura egipcia pasó por distintas etapas en cada una, por causas políticas y religiosas
cambió de dirección, desde la inspiración naturalista a la construcción idealizada de la figura. Se destacan: el Cheik-el-Beled, el
Escriba Sentado, Rahotep y Nefret, la cabeza de Nefertiti, los Colosos de Memmón y la gran Esfinge de Gizeh, entre muchos otros.
ARTE GRIEGO
Floreció entre los siglos VII y II antes de C., en Grecia y otros territorios del Mediterráneo habitados por los griegos. Se caracterizó
por su interés por reflejar la expresividad genuina en la figura humana; por ello, desarrollaron una gran perfección en el dibujo. La
sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad dominan todas sus formas artísticas; así, los griegos alcanzaron sus mayores logros en la
cerámica, la escultura y la arquitectura.
Pero en este pequeño país nacieron las primeras ideas que dieron forma a la cultura occidental, de tal modo que nuestros
conocimientos y modos de pensar son una consecuencia de la filosofía, la ciencia y el arte de los griegos.
• Arquitectura: El elemento sustentador de sus monumentales obras fueron las columnas. El sistema de construcción utilizado fue el
adintelado. Se destacan por orden jerárquico, los templos como exponentes principales, luego, los teatros, las acrópolis, los
propileos, los estadios, los gimnasios y las palestras, las ágoras y los monumentos funerarios. Los diferentes tipos y formas de
columnas dieron origen a los famosos órdenes arquitectónicos griegos: Dórico, Jónico y Corintio.
• Escultura: El escultor tiene libertad de expresión, sin embargo, toda ella busca y logra la perfección humana, por tanto es una
escultura dedicada a exaltar la fuerza física, la perfección de los rasgos, el movimiento y la expresión de la divinidad. Su tema
central gira en torno a la figura humana. La escultura griega pasa por 3 períodos épocas o fases evolutivas, con características
propias en cada una de ellas. Estas son:
a) Arcaica: Se caracterizó por ser una época en donde los escultores buscan un estilo y una técnica propios.
b) Clásica: esta época significó el período de mayor auge en todas las manifestaciones artísticas y literarias. Los escultores logran la
perfección de sus técnicas, así como las mejores piezas escultóricas, en donde se observa la magnificencia de la figura humana
c) Helenísta: esta época corresponde al fin del arte griego, las obras de esta época toma modelos de las anteriores,
perfeccionándolos, demostrando una gran capacidad de realización, entra la figura del niño como tema
• PINTURA: Muy poco es lo que se conoce de los pintores griegos, su obra se ha perdido casi toda, y lo que ha quedado son copias
y fragmentos que no dan una idea clara de cómo era aquella pintura.
ARTE ROMANO
Resulta de las influencias etruscas y griegas, alcanzó su mayor esplendor en la época del Imperio. Se desarrolló en Italia desde el
año 200 antes de C., hasta el siglo IV después de C., algunos lo consideran inferior al arte griego, pero en realidad fue más variado,
más flexible y en ciertos aspectos se acerca más al arte moderno; así, su influencia en el arte de la Edad Media y del Renacimiento
fue notable.
• ARQUITECTURA: Su finalidad es utilitaria, está concebida en función de las necesidades privadas y públicas. Expresa la
voluntad de poder y de mando del Estado romano, que se erige como rector de la vida privada y pública de sus ciudadanos. Es
monumental, hecha pensando en la glorificación de Roma y para resistir el paso y el peso del tiempo. Más que la belleza busca la
majestad y la robustez, por lo que se muestra en grandes masas sólidas y pesadas. Alterna dos sistemas conocidos: el de la columna
y dintel (copiado de los griegos), y el arco y bóveda (tomado de los etruscos). Sus principales monumentos fueron: el templo, la
basílica, las termas, los teatros, los anfiteatros, los circos, etc.
• LA ESCULTURA: Se mueve entre los polos contrarios de idealismo y realismo y su tema casi central es el retrato. En sus
comienzos, la influencia etrusca se hace presente en algunos bronces, luego la influencia griega a través de los escultores helénicos
que vivían en Roma o en la Magna Grecia, así como de las obras descubiertas en suelo griego y llevadas a Roma, impulsa la
corriente idealista. El enfrentamiento de ambas tendencias se advierte en obras del período republicano.
• PINTURA: La conocemos a través de los frescos hallados en la ciudad de Pompeya, que suelen ser copias griegas o caprichos
decorativos de gracia picaresca como cupidos, pájaros, cintas, flores, etc. Los temas son históricos, mitológicos paisajísticos y
marineros. Lo interesante de la pintura romana es la técnica de manchas de color al temple, aplicadas con brochazos sueltos, sin
detallar, a la manera impresionista y con efectistas toques de sombra y luz. También en la pintura domina el gusto realista por lo que
los temas preferidos, son el retrato, la caricatura y el paisaje.
ARTE ROMÁNICO
Entre los siglos XI y XIII, es decir, durante el período que se conoce como Baja Edad Media, se forma en Europa un arte al que se le
da el nombre de Románico. Este nombre hace referencia a la fuente en que tiene su origen, que es el arte de Roma, el arte romano,
del que toma tipos de edificios y técnicas constructivas. Este estilo o arte se ha denominado románico, por la semejanza con el
vocablo romance, el cual designa los idiomas derivados del latín.
por su grandeza, hermosura y por la habilidad de los ingenieros constructores. Entre sus obras se destacan los Monumentos
Funerarios: Mastabas, Hipogeos y Pirámides, y los Monumentos de Culto: Speos y Templos.
• Pintura: crean un ambiente cargado de religiosidad; en ella se observa la pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio
compositivo y una gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica, natural y contemplativa. La representación de la figura
humana se caracterizó por los siguientes rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos,
vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de la figura. Representación de escenas de la vida real. Carácter decorativo en atención
a que ella es empleada en las paredes de templos, tumbas y palacios.
• Escultura: A lo largo de su historia, la escultura egipcia pasó por distintas etapas en cada una, por causas políticas y religiosas
cambió de dirección, desde la inspiración naturalista a la construcción idealizada de la figura. Se destacan: el Cheik-el-Beled, el
Escriba Sentado, Rahotep y Nefret, la cabeza de Nefertiti, los Colosos de Memmón y la gran Esfinge de Gizeh, entre muchos otros.
ARTE GRIEGO
Floreció entre los siglos VII y II antes de C., en Grecia y otros territorios del Mediterráneo habitados por los griegos. Se caracterizó
por su interés por reflejar la expresividad genuina en la figura humana; por ello, desarrollaron una gran perfección en el dibujo. La
sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad dominan todas sus formas artísticas; así, los griegos alcanzaron sus mayores logros en la
cerámica, la escultura y la arquitectura.
Pero en este pequeño país nacieron las primeras ideas que dieron forma a la cultura occidental, de tal modo que nuestros
conocimientos y modos de pensar son una consecuencia de la filosofía, la ciencia y el arte de los griegos.
• Arquitectura: El elemento sustentador de sus monumentales obras fueron las columnas. El sistema de construcción utilizado fue el
adintelado. Se destacan por orden jerárquico, los templos como exponentes principales, luego, los teatros, las acrópolis, los
propileos, los estadios, los gimnasios y las palestras, las ágoras y los monumentos funerarios. Los diferentes tipos y formas de
columnas dieron origen a los famosos órdenes arquitectónicos griegos: Dórico, Jónico y Corintio.
• Escultura: El escultor tiene libertad de expresión, sin embargo, toda ella busca y logra la perfección humana, por tanto es una
escultura dedicada a exaltar la fuerza física, la perfección de los rasgos, el movimiento y la expresión de la divinidad. Su tema
central gira en torno a la figura humana. La escultura griega pasa por 3 períodos épocas o fases evolutivas, con características
propias en cada una de ellas. Estas son:
a) Arcaica: Se caracterizó por ser una época en donde los escultores buscan un estilo y una técnica propios.
b) Clásica: esta época significó el período de mayor auge en todas las manifestaciones artísticas y literarias. Los escultores logran la
perfección de sus técnicas, así como las mejores piezas escultóricas, en donde se observa la magnificencia de la figura humana
c) Helenísta: esta época corresponde al fin del arte griego, las obras de esta época toma modelos de las anteriores,
perfeccionándolos, demostrando una gran capacidad de realización, entra la figura del niño como tema
• PINTURA: Muy poco es lo que se conoce de los pintores griegos, su obra se ha perdido casi toda, y lo que ha quedado son copias
y fragmentos que no dan una idea clara de cómo era aquella pintura.
ARTE ROMANO
Resulta de las influencias etruscas y griegas, alcanzó su mayor esplendor en la época del Imperio. Se desarrolló en Italia desde el
año 200 antes de C., hasta el siglo IV después de C., algunos lo consideran inferior al arte griego, pero en realidad fue más variado,
más flexible y en ciertos aspectos se acerca más al arte moderno; así, su influencia en el arte de la Edad Media y del Renacimiento
fue notable.
• ARQUITECTURA: Su finalidad es utilitaria, está concebida en función de las necesidades privadas y públicas. Expresa la
voluntad de poder y de mando del Estado romano, que se erige como rector de la vida privada y pública de sus ciudadanos. Es
monumental, hecha pensando en la glorificación de Roma y para resistir el paso y el peso del tiempo. Más que la belleza busca la
majestad y la robustez, por lo que se muestra en grandes masas sólidas y pesadas. Alterna dos sistemas conocidos: el de la columna
y dintel (copiado de los griegos), y el arco y bóveda (tomado de los etruscos). Sus principales monumentos fueron: el templo, la
basílica, las termas, los teatros, los anfiteatros, los circos, etc.
• LA ESCULTURA: Se mueve entre los polos contrarios de idealismo y realismo y su tema casi central es el retrato. En sus
comienzos, la influencia etrusca se hace presente en algunos bronces, luego la influencia griega a través de los escultores helénicos
que vivían en Roma o en la Magna Grecia, así como de las obras descubiertas en suelo griego y llevadas a Roma, impulsa la
corriente idealista. El enfrentamiento de ambas tendencias se advierte en obras del período republicano.
• PINTURA: La conocemos a través de los frescos hallados en la ciudad de Pompeya, que suelen ser copias griegas o caprichos
decorativos de gracia picaresca como cupidos, pájaros, cintas, flores, etc. Los temas son históricos, mitológicos paisajísticos y
marineros. Lo interesante de la pintura romana es la técnica de manchas de color al temple, aplicadas con brochazos sueltos, sin
detallar, a la manera impresionista y con efectistas toques de sombra y luz. También en la pintura domina el gusto realista por lo que
los temas preferidos, son el retrato, la caricatura y el paisaje.
ARTE ROMÁNICO
Entre los siglos XI y XIII, es decir, durante el período que se conoce como Baja Edad Media, se forma en Europa un arte al que se le
da el nombre de Románico. Este nombre hace referencia a la fuente en que tiene su origen, que es el arte de Roma, el arte romano,
del que toma tipos de edificios y técnicas constructivas. Este estilo o arte se ha denominado románico, por la semejanza con el
vocablo romance, el cual designa los idiomas derivados del latín.
• Arquitectura: Es una arquitectura religiosa, de creación monástica, porque son los monasterios y los conventos los que la impulsan.
Su edificio tipo es la Iglesia. Expresa el ideal de austeridad y recogimiento, de disciplina y penitencia. Desde el punto de vista
técnico, pertenece al grupo de arquitecturas de arco y bóveda, por ser estos sus elementos funcionales básicos.
• Escultura: Está subordinada a la arquitectura, que determina los lugares y espacios que deben cubrirse con relieves o estatuas. Su
finalidad no es artística sino didáctica: dar a conocer a los fieles las figuras y verdades sagradas para su instrucción religiosa.
Arte en la edad media
En el desarrollo de la historia denominamos Edad Media a los diez siglos que corren entre los años 476 y 1453; o sea desde la caída
del Imperio Romano de Occidente hasta la caída del Imperio Romano de Oriente. El arte de la Edad Media es esencialmente
religioso, dado al espíritu eminentemente cristiano que definía al hombre medieval, nada puede extrañarnos que la culminación de
tal obra artística sea la construcción destinada a honrar a Dios: aunque haya producido obras maestras de carácter profano; la época
medieval podemos dividirla en cuatro, ya que fue un largo período en las que se produjeron distintos estilos de arte;
1. Paleocristiano, cuya pintura se inicia en las catacumbas, está llena de simbolismo y cabe destacar la realización de los muy
famosos mosaicos, los cuales eran de un gran colorido y los temas eran litúrgicos, figuras de Cristo, apóstoles, la cruz, etc.
2. Arte Bizantino.- en la época de Constantino; en cuanto al dibujo y la pintura, adquiere características propias, los artistas
realizaban excelentes mosaicos centrados en la representación de acontecimientos bíblicos en las cuales se observa que las figuras
representadas poseen un hieratismo bastante acentuado que siempre están colocadas de frente. . La técnica empleada es la del
Fresco, notables ejemplos son las iglesias románicas catalanas, de fulgentes colores y motivos abstractos de significado simbólico; y
las iglesias italianas, donde las escenas religiosas pintadas muestran ya cierto empeño en copiar la naturaleza con
3. El Románico, denominado así por la semejanza con el vocablo "romance" que designa a los idiomas derivados del latín, se
encargó de decorar el interior de muchas basílicas e iglesias. Durante este período se pinta sobre ábsides y bóvedas figuras
estilizadas, llenas de incesante movimiento y colorido; la pintura románica empleó las técnicas pictóricas al fresco y al temple; los
temas solían ser figuras de ángeles, santos, apóstoles, corderos, etc., también realizaron pintura sobre madera (frontales) y muchas
ilustraciones de biblias y evangelios.
4. Arte o estilo Gótico, conjuntamente con tres connotados fenómenos de la Edad Media: a) la formación de la clase burguesa, b) el
desarrollo comercial y c) la industrialización.
La pintura gótica fue expresiva y realista, manifestando el naturalismo en sus composiciones. El paisaje se introduce como
modalidad pictórica y en los dibujos las figuras se presentan estilizadas y poco modeladas. Esta pintura casi desaparece por
completo de las catedrales, puesto que los grandes vitrales llenan los espacios y de esta manera queda reducida a miniaturas de
libros, tapices y retablos.
1. Arte paleocristiano
Se denomina arte paleocristiano al estilo artístico que se desarrolla durante los cinco primeros siglos de nuestra era, desde la
aparición del cristianismo, durante la dominación romana, hasta la invasión de los pueblos bárbaros, aunque en Oriente tiene su
continuación, tras la escisión del Imperio, en el llamado arte bizantino.
En Occidente, Roma es el centro y símbolo de la cristiandad, por lo que en ella se producen las primeras manifestaciones artísticas
de los primitivos cristianos o paleocristianos, recibiendo un gran influjo del arte romano tanto en la arquitectura como en las artes
figurativas
• Arquitectura
Con la gran creciente fe cristiana se vio la necesidad de construir cementerios o catacumbas las cuales se organizaban en varias
partes:
a) Estrechas galerías (ambulacrum) con nichos longitudinales (loculi) en las paredes para el enterramiento de los cadáveres.
b) En algunos enterramientos se destacaba la notabilidad de la persona enterrada, cobijando su tumba bajo un arco semicircular
Después del Edicto de Milán, a partir del año 313, la basílica es la construcción eclesiástica más característica del mundo cristiano.
La pintura y escultura estaban íntimamente ligada a las catacumbas en cuyas paredes existen pinturas con temas litúrgicos y en la
escultura encontramos los sarcófagos.
2. Arte Bizantino
Bizancio ofrece los rasgos de una monarquía exótica, teocrática y despótica; fastuosa y bárbara, cuyas costumbres, gustos y
estructuras pertenecen más al mundo asiático que al grecolatino, lo cual se refleja en su arte.
• Arquitectura: Está inspirada en las arquitecturas de los países con que Bizancio estuvo más en contacto o que formaban parte de su
misma tradición histórica y cultural. Por eso en sus construcciones encontraremos elementos tomados de los romanos, de los
griegos, de Siria o de Persia, combinados con otros de su propia invención. Entre los más importantes tenemos: la cúpula, las
trompas y pechinas, la bóveda, el arco, los contrafuertes, las columnas y las torres. La construcción más importante de la
arquitectura bizantina es la Iglesia.
• Pintura: Presenta dos modalidades muy interesantes: la mural, destinada a la decoración del interior del templo; y la de caballete,
Su edificio tipo es la Iglesia. Expresa el ideal de austeridad y recogimiento, de disciplina y penitencia. Desde el punto de vista
técnico, pertenece al grupo de arquitecturas de arco y bóveda, por ser estos sus elementos funcionales básicos.
• Escultura: Está subordinada a la arquitectura, que determina los lugares y espacios que deben cubrirse con relieves o estatuas. Su
finalidad no es artística sino didáctica: dar a conocer a los fieles las figuras y verdades sagradas para su instrucción religiosa.
Arte en la edad media
En el desarrollo de la historia denominamos Edad Media a los diez siglos que corren entre los años 476 y 1453; o sea desde la caída
del Imperio Romano de Occidente hasta la caída del Imperio Romano de Oriente. El arte de la Edad Media es esencialmente
religioso, dado al espíritu eminentemente cristiano que definía al hombre medieval, nada puede extrañarnos que la culminación de
tal obra artística sea la construcción destinada a honrar a Dios: aunque haya producido obras maestras de carácter profano; la época
medieval podemos dividirla en cuatro, ya que fue un largo período en las que se produjeron distintos estilos de arte;
1. Paleocristiano, cuya pintura se inicia en las catacumbas, está llena de simbolismo y cabe destacar la realización de los muy
famosos mosaicos, los cuales eran de un gran colorido y los temas eran litúrgicos, figuras de Cristo, apóstoles, la cruz, etc.
2. Arte Bizantino.- en la época de Constantino; en cuanto al dibujo y la pintura, adquiere características propias, los artistas
realizaban excelentes mosaicos centrados en la representación de acontecimientos bíblicos en las cuales se observa que las figuras
representadas poseen un hieratismo bastante acentuado que siempre están colocadas de frente. . La técnica empleada es la del
Fresco, notables ejemplos son las iglesias románicas catalanas, de fulgentes colores y motivos abstractos de significado simbólico; y
las iglesias italianas, donde las escenas religiosas pintadas muestran ya cierto empeño en copiar la naturaleza con
3. El Románico, denominado así por la semejanza con el vocablo "romance" que designa a los idiomas derivados del latín, se
encargó de decorar el interior de muchas basílicas e iglesias. Durante este período se pinta sobre ábsides y bóvedas figuras
estilizadas, llenas de incesante movimiento y colorido; la pintura románica empleó las técnicas pictóricas al fresco y al temple; los
temas solían ser figuras de ángeles, santos, apóstoles, corderos, etc., también realizaron pintura sobre madera (frontales) y muchas
ilustraciones de biblias y evangelios.
4. Arte o estilo Gótico, conjuntamente con tres connotados fenómenos de la Edad Media: a) la formación de la clase burguesa, b) el
desarrollo comercial y c) la industrialización.
La pintura gótica fue expresiva y realista, manifestando el naturalismo en sus composiciones. El paisaje se introduce como
modalidad pictórica y en los dibujos las figuras se presentan estilizadas y poco modeladas. Esta pintura casi desaparece por
completo de las catedrales, puesto que los grandes vitrales llenan los espacios y de esta manera queda reducida a miniaturas de
libros, tapices y retablos.
1. Arte paleocristiano
Se denomina arte paleocristiano al estilo artístico que se desarrolla durante los cinco primeros siglos de nuestra era, desde la
aparición del cristianismo, durante la dominación romana, hasta la invasión de los pueblos bárbaros, aunque en Oriente tiene su
continuación, tras la escisión del Imperio, en el llamado arte bizantino.
En Occidente, Roma es el centro y símbolo de la cristiandad, por lo que en ella se producen las primeras manifestaciones artísticas
de los primitivos cristianos o paleocristianos, recibiendo un gran influjo del arte romano tanto en la arquitectura como en las artes
figurativas
• Arquitectura
Con la gran creciente fe cristiana se vio la necesidad de construir cementerios o catacumbas las cuales se organizaban en varias
partes:
a) Estrechas galerías (ambulacrum) con nichos longitudinales (loculi) en las paredes para el enterramiento de los cadáveres.
b) En algunos enterramientos se destacaba la notabilidad de la persona enterrada, cobijando su tumba bajo un arco semicircular
Después del Edicto de Milán, a partir del año 313, la basílica es la construcción eclesiástica más característica del mundo cristiano.
La pintura y escultura estaban íntimamente ligada a las catacumbas en cuyas paredes existen pinturas con temas litúrgicos y en la
escultura encontramos los sarcófagos.
2. Arte Bizantino
Bizancio ofrece los rasgos de una monarquía exótica, teocrática y despótica; fastuosa y bárbara, cuyas costumbres, gustos y
estructuras pertenecen más al mundo asiático que al grecolatino, lo cual se refleja en su arte.
• Arquitectura: Está inspirada en las arquitecturas de los países con que Bizancio estuvo más en contacto o que formaban parte de su
misma tradición histórica y cultural. Por eso en sus construcciones encontraremos elementos tomados de los romanos, de los
griegos, de Siria o de Persia, combinados con otros de su propia invención. Entre los más importantes tenemos: la cúpula, las
trompas y pechinas, la bóveda, el arco, los contrafuertes, las columnas y las torres. La construcción más importante de la
arquitectura bizantina es la Iglesia.
• Pintura: Presenta dos modalidades muy interesantes: la mural, destinada a la decoración del interior del templo; y la de caballete,
que produce pequeñas piezas sobre tablas de madera, llamadas Iconos, es decir, imágenes.
• Los mosaicos: Consistía en la composición de grandes escenas, generalmente religiosas, pero no pintada sino hecha con pequeñas
piezas de cerámica o de mármol de colores (llamadas teselas), que se iban pegando a una base debidamente preparada, sobre la que
se había hecho el dibujo previo de las figuras que se querían representar.
• Escultura: En los primeros tiempos, la escultura bizantina es una prolongación del arte helenístico que produce retratos de gran
vigor.
3. Arte románico
Entre los siglos XI y XIII, es decir, durante el período que se conoce como Baja Edad Media, se forma en Europa un arte al que se le
da el nombre de Románico. Este nombre hace referencia a la fuente en que tiene su origen, que es el arte de Roma.
• Arquitectura: Su edificio tipo es la Iglesia. Desde el punto de vista técnico, pertenece al grupo de arquitecturas de arco y bóveda,
por ser estos sus elementos funcionales básicos.
• Escultura: Está subordinada a la arquitectura, que determina los lugares y espacios que deben cubrirse con relieves o estatuas. Su
finalidad no es artística sino didáctica: dar a conocer a los fieles las figuras y verdades sagradas para su instrucción religiosa.
• Pintura: La pintura románica tiene un desarrollo notable, pues las vastas extensiones de pared lisa eran apropiadas a la decoración
pictórica; por ello, también la pintura era un arte subordinada a la construcción.
4. Arte gótico
La evolución final de lo románico desemboca en la obra llamada gótica entre los siglos XII y XV, florece en Europa poderosamente
original y el más brillante del medievo, que, una vez desarrollada especialmente en Francia, abarca en su expansión los países de
Alemania, España y Portugal, Inglaterra, Flandes (hoy Bélgica) y Suecia.
Fue llamado, un tanto despectivamente Gótico, en el sentido de bárbaro, por suponerse que sus creadores era los pueblos
germánicos llamados Godos. También se conoce este arte como Ojival, por la forma apuntada (en ojiva) de sus arcos y bóvedas, que
recuerdan una punta de lanza de filos curvos. Los primeros monumentos góticos se levantaron cerca de París, en la región llamada
Isla de Francia. Aquí se construye en el año 1140 el coro de la abadía de Saint Denis, y en el 1163, se da comienzo a la catedral de
Nuestra Señora de París, obras en las que se resaltan los elementos propios del estilo. De Francia pasó a todos los demás países de
Europa, en cada uno de los cuales adoptó variantes locales, pero con mantenimiento de sus rasgos esenciales.
Fases del gótico
- LANCEOLADO (siglos XVII y XVIII): Robusto, pesado y sencillo. Bóveda de cuatro paños de perfil en punta de lanza
- RADIANTE (siglos XVIII y XIV): Esbelto, ligero, muy adornado con esculturas, bóvedas de varios paños y formas.
- FLAMÍGERO O LLAMEANTE (siglo XV): Arcos con ondulaciones de flama. Columnas muy delgadas. Gran altura de naves y
torres. Ornamentación escultórica apretada. Uso del arco conopial y de la bóveda en forma de estrella.
ARQUITECTURA: A nivel arquitectónico, el estilo gótico nació en torno a 1140 en Francia, siendo considerada como el primer
monumento de este movimiento la basílica de la abadía real de Saint-Denis o San Dionisio (edificada por el abad Suger, consejero
de Luis VII de Francia), además se construyeron casas particulares, palacios, edificios públicos, castillos, puentes, fortalezas e
iglesias. Pero en realidad, la obra máxima de estos siglos fue la catedral, arquitectura extraordinaria que nunca deja de asombrar a
quien la contempla.
ESCULTURA: La escultura gótica evolucionó desde un estilo alargado y rígido, aún en parte románico, hacia un sentimiento
espacial y naturalista a finales del siglo XII y principios del siglo XIII. Las características de la escultura se pueden observar en los
santos, vírgenes, ángeles, reyes, profetas y figuras alegóricas que llenan el interior y exterior de la construcción, por ejemplo la
decoración escultórica de la catedral de Chartres cuenta con más de ocho mil figuras. Se destacan como escultores: Giovanni Pisano,
Nicola Pisano, Andrea Pisano, Klaus Sluter, Gil de Siloe y William Torell.
Pintura: Un estilo de pintura que pueda llamarse «gótico» no apareció hasta alrededor de 1200, o casi 50 años después del comienzo
de la arquitectura y la escultura góticas. En aquellos países donde el estilo gótico alcanzó mayor desarrollo, la pintura mural fue
perdiendo importancia, sustituida por las vidrieras, y a partir del siglo XIV aparece la pintura sobre tabla, consistente en pequeños
altares portátiles y retablos, formados por uno o varios paneles. Tratan temas religiosos, con gran finura de detalles en la figura
humana, pero sin profundidad. Se destacan: Jean Fouquet, Juan Van Eyck, Rogerio Van Der Weyden, Giotto, entre otros.
La pintura, esto es, la representación de imágenes sobre una superficie, durante el periodo gótico, se practicaba en cuatro técnicas
principales:
• Frescos. La pintura mural o frescos siguieron usándose como el principal medio para la narración pictórica en las paredes de las
iglesias en el Sur de Europa, como una continuación de las tradiciones cristiana y románica anteriores.
• Vidrieras. En el norte de Europa, las vidrieras fueron el arte preferido hasta el siglo XV.
• Pintura sobre tabla. Comenzaron en Italia en el siglo XIII y se extendieron por toda Europa, de manera que para el siglo XV se
había convertido en la forma predominante, suplantando incluso a las vidrieras.
• Miniaturas. Los manuscritos iluminados representaron la más completa documentación de la pintura gótica.
• Los mosaicos: Consistía en la composición de grandes escenas, generalmente religiosas, pero no pintada sino hecha con pequeñas
piezas de cerámica o de mármol de colores (llamadas teselas), que se iban pegando a una base debidamente preparada, sobre la que
se había hecho el dibujo previo de las figuras que se querían representar.
• Escultura: En los primeros tiempos, la escultura bizantina es una prolongación del arte helenístico que produce retratos de gran
vigor.
3. Arte románico
Entre los siglos XI y XIII, es decir, durante el período que se conoce como Baja Edad Media, se forma en Europa un arte al que se le
da el nombre de Románico. Este nombre hace referencia a la fuente en que tiene su origen, que es el arte de Roma.
• Arquitectura: Su edificio tipo es la Iglesia. Desde el punto de vista técnico, pertenece al grupo de arquitecturas de arco y bóveda,
por ser estos sus elementos funcionales básicos.
• Escultura: Está subordinada a la arquitectura, que determina los lugares y espacios que deben cubrirse con relieves o estatuas. Su
finalidad no es artística sino didáctica: dar a conocer a los fieles las figuras y verdades sagradas para su instrucción religiosa.
• Pintura: La pintura románica tiene un desarrollo notable, pues las vastas extensiones de pared lisa eran apropiadas a la decoración
pictórica; por ello, también la pintura era un arte subordinada a la construcción.
4. Arte gótico
La evolución final de lo románico desemboca en la obra llamada gótica entre los siglos XII y XV, florece en Europa poderosamente
original y el más brillante del medievo, que, una vez desarrollada especialmente en Francia, abarca en su expansión los países de
Alemania, España y Portugal, Inglaterra, Flandes (hoy Bélgica) y Suecia.
Fue llamado, un tanto despectivamente Gótico, en el sentido de bárbaro, por suponerse que sus creadores era los pueblos
germánicos llamados Godos. También se conoce este arte como Ojival, por la forma apuntada (en ojiva) de sus arcos y bóvedas, que
recuerdan una punta de lanza de filos curvos. Los primeros monumentos góticos se levantaron cerca de París, en la región llamada
Isla de Francia. Aquí se construye en el año 1140 el coro de la abadía de Saint Denis, y en el 1163, se da comienzo a la catedral de
Nuestra Señora de París, obras en las que se resaltan los elementos propios del estilo. De Francia pasó a todos los demás países de
Europa, en cada uno de los cuales adoptó variantes locales, pero con mantenimiento de sus rasgos esenciales.
Fases del gótico
- LANCEOLADO (siglos XVII y XVIII): Robusto, pesado y sencillo. Bóveda de cuatro paños de perfil en punta de lanza
- RADIANTE (siglos XVIII y XIV): Esbelto, ligero, muy adornado con esculturas, bóvedas de varios paños y formas.
- FLAMÍGERO O LLAMEANTE (siglo XV): Arcos con ondulaciones de flama. Columnas muy delgadas. Gran altura de naves y
torres. Ornamentación escultórica apretada. Uso del arco conopial y de la bóveda en forma de estrella.
ARQUITECTURA: A nivel arquitectónico, el estilo gótico nació en torno a 1140 en Francia, siendo considerada como el primer
monumento de este movimiento la basílica de la abadía real de Saint-Denis o San Dionisio (edificada por el abad Suger, consejero
de Luis VII de Francia), además se construyeron casas particulares, palacios, edificios públicos, castillos, puentes, fortalezas e
iglesias. Pero en realidad, la obra máxima de estos siglos fue la catedral, arquitectura extraordinaria que nunca deja de asombrar a
quien la contempla.
ESCULTURA: La escultura gótica evolucionó desde un estilo alargado y rígido, aún en parte románico, hacia un sentimiento
espacial y naturalista a finales del siglo XII y principios del siglo XIII. Las características de la escultura se pueden observar en los
santos, vírgenes, ángeles, reyes, profetas y figuras alegóricas que llenan el interior y exterior de la construcción, por ejemplo la
decoración escultórica de la catedral de Chartres cuenta con más de ocho mil figuras. Se destacan como escultores: Giovanni Pisano,
Nicola Pisano, Andrea Pisano, Klaus Sluter, Gil de Siloe y William Torell.
Pintura: Un estilo de pintura que pueda llamarse «gótico» no apareció hasta alrededor de 1200, o casi 50 años después del comienzo
de la arquitectura y la escultura góticas. En aquellos países donde el estilo gótico alcanzó mayor desarrollo, la pintura mural fue
perdiendo importancia, sustituida por las vidrieras, y a partir del siglo XIV aparece la pintura sobre tabla, consistente en pequeños
altares portátiles y retablos, formados por uno o varios paneles. Tratan temas religiosos, con gran finura de detalles en la figura
humana, pero sin profundidad. Se destacan: Jean Fouquet, Juan Van Eyck, Rogerio Van Der Weyden, Giotto, entre otros.
La pintura, esto es, la representación de imágenes sobre una superficie, durante el periodo gótico, se practicaba en cuatro técnicas
principales:
• Frescos. La pintura mural o frescos siguieron usándose como el principal medio para la narración pictórica en las paredes de las
iglesias en el Sur de Europa, como una continuación de las tradiciones cristiana y románica anteriores.
• Vidrieras. En el norte de Europa, las vidrieras fueron el arte preferido hasta el siglo XV.
• Pintura sobre tabla. Comenzaron en Italia en el siglo XIII y se extendieron por toda Europa, de manera que para el siglo XV se
había convertido en la forma predominante, suplantando incluso a las vidrieras.
• Miniaturas. Los manuscritos iluminados representaron la más completa documentación de la pintura gótica.
Arte de la edad moderna
(Siglos XV al XVIII)
Renacimiento
Se llama Renacimiento al gran movimiento artístico y filosófico que se produce en Europa, en Italia en primer lugar, a fines del
siglo XV, y que muestra como principal característica, que se manifiesta particularmente en las artes, su admiración por la
antigüedad clásica, que toma como modelo. El nombre de Renacimiento alude a lo que este movimiento quiso ser: un renacer o
volver a nacer de la cultura grecolatina.
El Renacimiento comenzó como un movimiento orientado por artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un
renacer de las artes donde los asuntos representados, desde el punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto
de vida cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un himno personal en alabanza
a la belleza; así, se perfecciona el dibujo y se utiliza como base de la pintura. La cuna del Renacimiento fue Florencia.
En el siglo XV adquiere preponderancia el retrato, a las personas pudientes les gusta retratarse de busto o en medallón, y por tanto
surge multitud de personas cuyos rasgos quedan labrados en madera. Raramente se ve un desnudo entre la profusión de vírgenes y
santos, sólo con suma discreción se insinúa la mundana sensualidad en ciertas representaciones del arte eclesiástico, por ejemplo, las
referentes a mártires y pecadores.
Entre los representantes más significativos del Renacimiento, podemos destacar por sus majestuosas obras pictóricas a Sandro
Botticeli, Miguel Ángel Buonarroti, Durero, Tintoretto, El Greco, Leonardo de Vinci y Rafael Sanzio; de ellos, algunos como
Leonardo de Vinci, por ejemplo, destacó más como dibujante, ya que a través del dibujo realiza sus famosos estudios anatómicos;
sus dibujos están plenos de rasgos finos pero firmes, destacando las expresiones humanas y también se puede apreciar que están
envueltos en una sutil y fina aureola de luz difusa.
Características generales del arte renacentista:
- Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.
- Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.
- Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo.
- Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón universal, les dan una validez permanente.
Época barroca
Este estilo se inicia en Italia en el siglo XVI y perdura hasta finales del siglo XVIII, se extendió por todos los países europeos,
desarrollando características propias en cada país. En Italia se produjeron dos corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico y el
Clasicista, en este país se destacó la figura de Miguel Ángel Merisi de Caravaggio; y Miguel Ángel Buonarroti, quien realiza
numerosas obras con características muy propias, que lo distinguen de otros escultores de la misma época, también sobresale la
obra de Benvenuto Cellini, entre otros.
Entre las principales características de estas obras tenemos:
Fuerza expresiva, dinamismo, dramatismo.
Dominio anatómico.
Figuras llenas de abundante vitalidad.
Demostración de gestos y actitudes en sus figuras.
Fuerte influencia clásica.
Materiales: bronce y mármol preferiblemente.
Pintura: En este arte hay una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y los efectos ópticos, aparecen composiciones
de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos y de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las
representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero en los retratos de clase social alta,
son más adornadas las vestimentas, pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más caracteriza a la
pintura barroca es el manejo de las luces y sombras, la intensidad dramática y el empleo del color.
(Siglos XV al XVIII)
Renacimiento
Se llama Renacimiento al gran movimiento artístico y filosófico que se produce en Europa, en Italia en primer lugar, a fines del
siglo XV, y que muestra como principal característica, que se manifiesta particularmente en las artes, su admiración por la
antigüedad clásica, que toma como modelo. El nombre de Renacimiento alude a lo que este movimiento quiso ser: un renacer o
volver a nacer de la cultura grecolatina.
El Renacimiento comenzó como un movimiento orientado por artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un
renacer de las artes donde los asuntos representados, desde el punto de vista ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto
de vida cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un himno personal en alabanza
a la belleza; así, se perfecciona el dibujo y se utiliza como base de la pintura. La cuna del Renacimiento fue Florencia.
En el siglo XV adquiere preponderancia el retrato, a las personas pudientes les gusta retratarse de busto o en medallón, y por tanto
surge multitud de personas cuyos rasgos quedan labrados en madera. Raramente se ve un desnudo entre la profusión de vírgenes y
santos, sólo con suma discreción se insinúa la mundana sensualidad en ciertas representaciones del arte eclesiástico, por ejemplo, las
referentes a mártires y pecadores.
Entre los representantes más significativos del Renacimiento, podemos destacar por sus majestuosas obras pictóricas a Sandro
Botticeli, Miguel Ángel Buonarroti, Durero, Tintoretto, El Greco, Leonardo de Vinci y Rafael Sanzio; de ellos, algunos como
Leonardo de Vinci, por ejemplo, destacó más como dibujante, ya que a través del dibujo realiza sus famosos estudios anatómicos;
sus dibujos están plenos de rasgos finos pero firmes, destacando las expresiones humanas y también se puede apreciar que están
envueltos en una sutil y fina aureola de luz difusa.
Características generales del arte renacentista:
- Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.
- Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.
- Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo.
- Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón universal, les dan una validez permanente.
Época barroca
Este estilo se inicia en Italia en el siglo XVI y perdura hasta finales del siglo XVIII, se extendió por todos los países europeos,
desarrollando características propias en cada país. En Italia se produjeron dos corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico y el
Clasicista, en este país se destacó la figura de Miguel Ángel Merisi de Caravaggio; y Miguel Ángel Buonarroti, quien realiza
numerosas obras con características muy propias, que lo distinguen de otros escultores de la misma época, también sobresale la
obra de Benvenuto Cellini, entre otros.
Entre las principales características de estas obras tenemos:
Fuerza expresiva, dinamismo, dramatismo.
Dominio anatómico.
Figuras llenas de abundante vitalidad.
Demostración de gestos y actitudes en sus figuras.
Fuerte influencia clásica.
Materiales: bronce y mármol preferiblemente.
Pintura: En este arte hay una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y los efectos ópticos, aparecen composiciones
de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos y de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las
representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero en los retratos de clase social alta,
son más adornadas las vestimentas, pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más caracteriza a la
pintura barroca es el manejo de las luces y sombras, la intensidad dramática y el empleo del color.
El rococó
Estilo característico del siglo XVIII europeo, que sucedió al barroco y precedió al neoclásico. El término procede del francés
Rocaille, que designaba en el siglo XVII la decoración de las grutas y jardines renacentistas a base de conchas.
El carácter de la época rococó, enamorada de la intimidad, favoreció en pintura, lo mismo que en la escultura, el cultivo del
retratismo. Se halló entre los nobles y burgueses adinerados a los que ha dejado de interesar las composiciones históricas y
mitológicas, aunque a menudo, se complacen todavía en hacerse retratar caracterizados como personajes de fábula.
Arte del Neoclasicismo
El nacimiento de la corriente cultural y artística denominada Neoclasicismo surgió en el siglo XVIII. Abarca un periodo desde 1760
al 1830 aproximadamente. En este contexto, la antigüedad clásica se convierte en el modelo a seguir. Artistas y aficionados viajarán
a Roma para tomar modelos de la antigüedad imperial romana, y Roma se convierte en el centro internacional (Si bien es verdad que
muchos modelos se toman del Renacimiento en lugar de observar directamente los edificios de la antigüedad). Se corresponde con
una muy profunda revisión de modelos sociales, económicos y políticos que se vive en Europa durante aquellas décadas.
En esta revisión de la cultura greco-romana tuvieron importancia los descubrimientos de Pompeya y Herculano y los dibujos de
artistas y las teorías de los enciclopedistas (Voltaire, Rosseau, etc.)
Una de las características del neoclasicismo es que se Inspira en las obras de la época clásica, que se tienen por perfectas y
definitivas.
Aspiración a una belleza, se habla de nuevo estilo, tratado como un resurgimiento y aparición del "verdadero arte". De ahí su
nombre: neoclasicismo
Escultura
También en la escultura neoclásica pesó el recuerdo del pasado, los escultores centran su interés en los ideales estéticos y
los procedimientos técnicos de la estatuaria antigua
Pintura
Tomó como modelo la estatuaria antigua y el siglo XVI italiano (Rafael). El artista que contribuyó de modo definitivo a afirmar el
nuevo estilo fue David, quien influyó en artistas franceses de la talla de Ingres, Gerard y Prud´hon. En E.E.U.U. la influencia
italiana e inglesa se fundieron.
Entre sus características tenemos: dibujo impecable, contornos cerrados, volúmenes modelados de modo que da la ilusión de
redondez de los cuerpos; colorido suave y composición simétrica y estática
Obras como el Juramento de los Horacios plantean un espacio preciso en el que los personajes se sitúan en un primer plano; el
predominio del dibujo.Jean Auguste Dominique Ingres (1839-1867) aunque no fue un pintor neoclásico, tiene obras -como La
Fuente- que representan este movimiento artístico.
Los pintores, entre los que destacó Jacques-Louis David, reprodujeron los principales hechos de la revolución y exaltaron los mitos
romanos, a los que se identificó con los valores de la revolución.
Arte contemporáneo
El arte contemporáneo, conocido también como arte moderno, en sentido literal, es el que se ha producido en nuestra época: el arte
actual. No obstante, el hecho de que la fijación del concepto se hizo históricamente en un determinado momento, el paso del tiempo
le hace alejarse cada vez más en el pasado del espectador contemporáneo. El concepto de la contemporaneidad aplicado al arte
puede ser entendido de diferentes maneras:
• Extendido al arte de toda la Edad Contemporánea (que comienza a finales del siglo XVIII)
• El arte del siglo XX (caracterizado por las vanguardias artísticas).
• En el arte del siglo XX, como en todos los ámbitos de la vida contemporánea, la ruptura con los módulos tradicionales es una de
las características esenciales. El constante cuestionamiento de los convencionalismos convierte en un valor en sí misma a la
transgresión por el mismo hecho de ser provocativa (épater le bourgeoise), con que la provocación termina fijándose como una
convención más, y por tanto, generadora de oposición tanto desde una óptica subversiva como conservadora (todo lo que no es
tradición, es plagio -Eugenio D'Ors-).
• Los constantes avances científicos acostumbran a individuo y sociedad a dar por sentado que las posibilidades para el desarrollo de
cuotas cada vez más altas de bienestar y consumo sólo está frenado por obstáculos sociales y políticos que cada vez tienen menos
sentido; o al menos cada vez se soportan con menos paciencia, se denuncian y no dejan de ser removidos, bien sea por el
reformismo social e institucional, bien por revoluciones de muy distinto signo, movilizaciones de masas y las más violentas y
mortíferas guerras de la historia.
Movimientos del arte contemporáneo
1. Romanticismo (arte)
En arte, movimiento artístico e intelectual europeo que se extiende aproximadamente desde 1800 hasta 1850. El romanticismo no
puede ser identificado con un estilo singular, con una técnica o con una actitud, pero sin embargo la pintura romántica se caracteriza
por una aproximación muy imaginativa y subjetiva, intensidad emocional y por un carácter visionario u onírico.
Estilo característico del siglo XVIII europeo, que sucedió al barroco y precedió al neoclásico. El término procede del francés
Rocaille, que designaba en el siglo XVII la decoración de las grutas y jardines renacentistas a base de conchas.
El carácter de la época rococó, enamorada de la intimidad, favoreció en pintura, lo mismo que en la escultura, el cultivo del
retratismo. Se halló entre los nobles y burgueses adinerados a los que ha dejado de interesar las composiciones históricas y
mitológicas, aunque a menudo, se complacen todavía en hacerse retratar caracterizados como personajes de fábula.
Arte del Neoclasicismo
El nacimiento de la corriente cultural y artística denominada Neoclasicismo surgió en el siglo XVIII. Abarca un periodo desde 1760
al 1830 aproximadamente. En este contexto, la antigüedad clásica se convierte en el modelo a seguir. Artistas y aficionados viajarán
a Roma para tomar modelos de la antigüedad imperial romana, y Roma se convierte en el centro internacional (Si bien es verdad que
muchos modelos se toman del Renacimiento en lugar de observar directamente los edificios de la antigüedad). Se corresponde con
una muy profunda revisión de modelos sociales, económicos y políticos que se vive en Europa durante aquellas décadas.
En esta revisión de la cultura greco-romana tuvieron importancia los descubrimientos de Pompeya y Herculano y los dibujos de
artistas y las teorías de los enciclopedistas (Voltaire, Rosseau, etc.)
Una de las características del neoclasicismo es que se Inspira en las obras de la época clásica, que se tienen por perfectas y
definitivas.
Aspiración a una belleza, se habla de nuevo estilo, tratado como un resurgimiento y aparición del "verdadero arte". De ahí su
nombre: neoclasicismo
Escultura
También en la escultura neoclásica pesó el recuerdo del pasado, los escultores centran su interés en los ideales estéticos y
los procedimientos técnicos de la estatuaria antigua
Pintura
Tomó como modelo la estatuaria antigua y el siglo XVI italiano (Rafael). El artista que contribuyó de modo definitivo a afirmar el
nuevo estilo fue David, quien influyó en artistas franceses de la talla de Ingres, Gerard y Prud´hon. En E.E.U.U. la influencia
italiana e inglesa se fundieron.
Entre sus características tenemos: dibujo impecable, contornos cerrados, volúmenes modelados de modo que da la ilusión de
redondez de los cuerpos; colorido suave y composición simétrica y estática
Obras como el Juramento de los Horacios plantean un espacio preciso en el que los personajes se sitúan en un primer plano; el
predominio del dibujo.Jean Auguste Dominique Ingres (1839-1867) aunque no fue un pintor neoclásico, tiene obras -como La
Fuente- que representan este movimiento artístico.
Los pintores, entre los que destacó Jacques-Louis David, reprodujeron los principales hechos de la revolución y exaltaron los mitos
romanos, a los que se identificó con los valores de la revolución.
Arte contemporáneo
El arte contemporáneo, conocido también como arte moderno, en sentido literal, es el que se ha producido en nuestra época: el arte
actual. No obstante, el hecho de que la fijación del concepto se hizo históricamente en un determinado momento, el paso del tiempo
le hace alejarse cada vez más en el pasado del espectador contemporáneo. El concepto de la contemporaneidad aplicado al arte
puede ser entendido de diferentes maneras:
• Extendido al arte de toda la Edad Contemporánea (que comienza a finales del siglo XVIII)
• El arte del siglo XX (caracterizado por las vanguardias artísticas).
• En el arte del siglo XX, como en todos los ámbitos de la vida contemporánea, la ruptura con los módulos tradicionales es una de
las características esenciales. El constante cuestionamiento de los convencionalismos convierte en un valor en sí misma a la
transgresión por el mismo hecho de ser provocativa (épater le bourgeoise), con que la provocación termina fijándose como una
convención más, y por tanto, generadora de oposición tanto desde una óptica subversiva como conservadora (todo lo que no es
tradición, es plagio -Eugenio D'Ors-).
• Los constantes avances científicos acostumbran a individuo y sociedad a dar por sentado que las posibilidades para el desarrollo de
cuotas cada vez más altas de bienestar y consumo sólo está frenado por obstáculos sociales y políticos que cada vez tienen menos
sentido; o al menos cada vez se soportan con menos paciencia, se denuncian y no dejan de ser removidos, bien sea por el
reformismo social e institucional, bien por revoluciones de muy distinto signo, movilizaciones de masas y las más violentas y
mortíferas guerras de la historia.
Movimientos del arte contemporáneo
1. Romanticismo (arte)
En arte, movimiento artístico e intelectual europeo que se extiende aproximadamente desde 1800 hasta 1850. El romanticismo no
puede ser identificado con un estilo singular, con una técnica o con una actitud, pero sin embargo la pintura romántica se caracteriza
por una aproximación muy imaginativa y subjetiva, intensidad emocional y por un carácter visionario u onírico.
2. Impresionismo (arte)
Movimiento pictórico francés de finales del siglo XIX que apareció como reacción contra el arte académico. El movimiento
impresionista se considera el punto de partida del arte contemporáneo
Buscaban analizar el fenómeno de la luz, descubrir los efectos atmosféricos de ella pintando al aire libre y producir una visión
espontánea. Los cultores de este movimiento como Monet, Pissarro, Sisley, Rendir, Degas y Manet, entre otros, observaron como a
cada variación de luz solar, cambiaba también el cromatismo de los cuerpos; notaron que las sombras no eran negras, ni sucias, sino,
por el contrario, eran limpias, luminosas, coloreadas y de riquísimos matices. Quedó comprobada y establecida la ley de los colores
complementario.
A partir del impresionismo la concepción de la obra de arte es totalmente diferente a la que había surgido en el Renacimiento. Los
impresionistas tienen un nuevo concepto del artista. Salen de su estudio y pintan directamente de la realidad. Debido a esto, la
ejecución de un cuadro impresionista es muy rápida, ya que se trata de captar el instante irrepetible de luz en el paisaje. Este nuevo
tipo de artista se fundamenta en el genio individual que vive de su arte, y que debe vender sus cuadros realizando exposiciones, por
lo que depende de los marchantes, los coleccionistas y las galerías. El artista deja el taller para pintar directamente ante la
naturaleza.
La representación artística, según este movimiento, no debía estar mediatizada ni por la imaginación ni por la razón, sino que tenía
por único objetivo trasladar a la obra las impresiones impregnadas en los sentidos y en la retina. En este sentido el Impresionismo
iba a defender un arte vinculado a la apariencia, deseoso de reflejar la temporalidad del fenómeno e indiferente por completo a la
esencia oculta de la naturaleza.
3. Neoimpresionismo
Movimiento artístico de finales del siglo XIX, fundado por el pintor francés Georges Seurat. El objetivo de Seurat era sistematizar
una teoría del color que había sido intuida casualmente y sin rigor científico por los impresionistas. A través de la técnica que
denominaba divisionismo (conocida hoy día como puntillismo), Seurat aplicaba la pintura en el lienzo en minúsculas manchas de
pigmento puro, con fuertes contrastes de color. Al contemplar los cuadros desde cierta distancia, estas pequeñas manchas se funden
en un solo campo de color y reproducen con brillantez los efectos lumínicos.
4. Realismo (arte)
Movimiento que comenzó a mediados del siglo XIX como reacción frente al romanticismo. En arte y en literatura, supone el intento
por describir el comportamiento humano y su entorno, o por representar figuras y objetos tal y como actúan o aparecen en la vida
cotidiana.
Movimiento Dada
Surgió a la vez en Suiza y Estados Unidos en 1916. Desde Zurich se expandió hacia Alemania y hacia Francia. En París es ya el
movimiento de moda en 1923. El movimiento Dada tiene la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra otra escuela
anterior, sino que se funda en un cuestionamiento de todo el marco conceptual del arte y de la literatura de antes de la Primera
Guerra.
5. Surrealismo
Movimiento artístico y literario fundado por el poeta y crítico francés André Breton.
Breton publicó el Manifiesto surrealista en París en el año 1924 y se convirtió, acto seguido, en el líder del grupo. El surrealismo
surgió del movimiento llamado Dada, que reflejaba tanto en arte como en literatura la protesta nihilista contra todos los aspectos de
la cultura occidental.
El surrealismo surgió del movimiento llamado Dadá, que reflejaba tanto en arte como en literatura la protesta nihilista contra todos
los aspectos de la cultura occidental. Como el dadaísmo, el surrealismo enfatizaba el papel del inconsciente en la actividad creadora,
pero lo utilizaba de una manera mucha más ordenada y seria. El superrealismo, como también se le llama, es el deseo de expresar el
mundo del inconsciente como ese mundo en penumbras y del que pocas conocemos.
Como todo ser humano, los artistas se sintieron frustrados con las pésimas condiciones en que se encontraba Europa a fines de la
Segunda Guerra Mundial, por lo que su inspiración no la buscaban en la realidad, sino en sus sueños y fantasías.
El mundo surrealista se puede definir como caótico, absurdo e irracional. Es como la exteriorización de lo interior, sin control
racional y sin obstáculos morales o estéticos.
En el surrealismo el arte se concibe como una forma de olvidarse de la realidad y buscar una manera de que el hombre se encierre en
sí mismo; por algo su significado se deriva de dos raíces griegas: sub, que significa por debajo, y realismo que implica lo que
realmente es, o sea, la realidad.
6. Expresionismo
Corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad
objetiva. El movimiento expresionista apareció en los últimos años del siglo XIX y primeros del XX como reacción frente a los
modelos que habían prevalecido en Europa desde el renacimiento, particularmente en las anquilosadas academias de Bellas Artes.
7. Expresionismo abstracto
Movimiento pictórico de mediados del siglo XX cuya principal característica consiste en la afirmación espontánea del individuo a
través de la acción de pintar. Como su propio nombre indica, el expresionismo abstracto es un arte no figurativo y, por lo general, no
se ajusta a los límites de la representación convencional.
8. Fauvismo
En 1905 un grupo de jóvenes pintores expuso sus obras y para designar su estilo, los críticos acuñaron el nombre de Fauvismo por
parecerles que aquellos artistas eran fauves (fieras). Como movimiento artístico no duró más de cinco años, pero como estilo ejerció
Movimiento pictórico francés de finales del siglo XIX que apareció como reacción contra el arte académico. El movimiento
impresionista se considera el punto de partida del arte contemporáneo
Buscaban analizar el fenómeno de la luz, descubrir los efectos atmosféricos de ella pintando al aire libre y producir una visión
espontánea. Los cultores de este movimiento como Monet, Pissarro, Sisley, Rendir, Degas y Manet, entre otros, observaron como a
cada variación de luz solar, cambiaba también el cromatismo de los cuerpos; notaron que las sombras no eran negras, ni sucias, sino,
por el contrario, eran limpias, luminosas, coloreadas y de riquísimos matices. Quedó comprobada y establecida la ley de los colores
complementario.
A partir del impresionismo la concepción de la obra de arte es totalmente diferente a la que había surgido en el Renacimiento. Los
impresionistas tienen un nuevo concepto del artista. Salen de su estudio y pintan directamente de la realidad. Debido a esto, la
ejecución de un cuadro impresionista es muy rápida, ya que se trata de captar el instante irrepetible de luz en el paisaje. Este nuevo
tipo de artista se fundamenta en el genio individual que vive de su arte, y que debe vender sus cuadros realizando exposiciones, por
lo que depende de los marchantes, los coleccionistas y las galerías. El artista deja el taller para pintar directamente ante la
naturaleza.
La representación artística, según este movimiento, no debía estar mediatizada ni por la imaginación ni por la razón, sino que tenía
por único objetivo trasladar a la obra las impresiones impregnadas en los sentidos y en la retina. En este sentido el Impresionismo
iba a defender un arte vinculado a la apariencia, deseoso de reflejar la temporalidad del fenómeno e indiferente por completo a la
esencia oculta de la naturaleza.
3. Neoimpresionismo
Movimiento artístico de finales del siglo XIX, fundado por el pintor francés Georges Seurat. El objetivo de Seurat era sistematizar
una teoría del color que había sido intuida casualmente y sin rigor científico por los impresionistas. A través de la técnica que
denominaba divisionismo (conocida hoy día como puntillismo), Seurat aplicaba la pintura en el lienzo en minúsculas manchas de
pigmento puro, con fuertes contrastes de color. Al contemplar los cuadros desde cierta distancia, estas pequeñas manchas se funden
en un solo campo de color y reproducen con brillantez los efectos lumínicos.
4. Realismo (arte)
Movimiento que comenzó a mediados del siglo XIX como reacción frente al romanticismo. En arte y en literatura, supone el intento
por describir el comportamiento humano y su entorno, o por representar figuras y objetos tal y como actúan o aparecen en la vida
cotidiana.
Movimiento Dada
Surgió a la vez en Suiza y Estados Unidos en 1916. Desde Zurich se expandió hacia Alemania y hacia Francia. En París es ya el
movimiento de moda en 1923. El movimiento Dada tiene la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra otra escuela
anterior, sino que se funda en un cuestionamiento de todo el marco conceptual del arte y de la literatura de antes de la Primera
Guerra.
5. Surrealismo
Movimiento artístico y literario fundado por el poeta y crítico francés André Breton.
Breton publicó el Manifiesto surrealista en París en el año 1924 y se convirtió, acto seguido, en el líder del grupo. El surrealismo
surgió del movimiento llamado Dada, que reflejaba tanto en arte como en literatura la protesta nihilista contra todos los aspectos de
la cultura occidental.
El surrealismo surgió del movimiento llamado Dadá, que reflejaba tanto en arte como en literatura la protesta nihilista contra todos
los aspectos de la cultura occidental. Como el dadaísmo, el surrealismo enfatizaba el papel del inconsciente en la actividad creadora,
pero lo utilizaba de una manera mucha más ordenada y seria. El superrealismo, como también se le llama, es el deseo de expresar el
mundo del inconsciente como ese mundo en penumbras y del que pocas conocemos.
Como todo ser humano, los artistas se sintieron frustrados con las pésimas condiciones en que se encontraba Europa a fines de la
Segunda Guerra Mundial, por lo que su inspiración no la buscaban en la realidad, sino en sus sueños y fantasías.
El mundo surrealista se puede definir como caótico, absurdo e irracional. Es como la exteriorización de lo interior, sin control
racional y sin obstáculos morales o estéticos.
En el surrealismo el arte se concibe como una forma de olvidarse de la realidad y buscar una manera de que el hombre se encierre en
sí mismo; por algo su significado se deriva de dos raíces griegas: sub, que significa por debajo, y realismo que implica lo que
realmente es, o sea, la realidad.
6. Expresionismo
Corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad
objetiva. El movimiento expresionista apareció en los últimos años del siglo XIX y primeros del XX como reacción frente a los
modelos que habían prevalecido en Europa desde el renacimiento, particularmente en las anquilosadas academias de Bellas Artes.
7. Expresionismo abstracto
Movimiento pictórico de mediados del siglo XX cuya principal característica consiste en la afirmación espontánea del individuo a
través de la acción de pintar. Como su propio nombre indica, el expresionismo abstracto es un arte no figurativo y, por lo general, no
se ajusta a los límites de la representación convencional.
8. Fauvismo
En 1905 un grupo de jóvenes pintores expuso sus obras y para designar su estilo, los críticos acuñaron el nombre de Fauvismo por
parecerles que aquellos artistas eran fauves (fieras). Como movimiento artístico no duró más de cinco años, pero como estilo ejerció
una influencia mayor y más persistente en el uso del dibujo y el color que cualquiera otra escuela del siglo XX; derivó de los fuertes
colores de las formas simplificadas y los atrevidos esquemas decorativos Representantes: Henri Matisse, Van Gogh, Gauguin
9. Futurismo
Movimiento artístico de comienzos del siglo XX que rechazó la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea,
basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. El futurismo se caracterizó por el intento de captar la
sensación de movimiento.
10. Cubismo
Movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, cuyo objetivo principal era el de alejarse de la representación
naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos.
Desarrollado principalmente por Georges Braque y Pablo Picasso hacia 1907, alcanzó su apogeo alrededor de 1914 y continuó
evolucionando durante la década de 1920. Al rechazar la representación realista seguida desde el renacimiento, el cubismo significó
un cambio crucial en la historia del arte, convirtiéndose en el precursor de la abstracción y de la subjetividad artística. Los cubistas
rechazan la perspectiva y el movimiento y le dan primacía a la línea y la forma. Se inspiró fundamentalmente en el arte de las tribus
de África y Oceanía.
11. Constructivismo
Movimiento artístico ruso de principios del siglo XX que ejerció una importante influencia en el arte europeo y que fue fundado por
el escultor y pintor ruso Vladímir Tatlin. El nombre hace referencia a la construcción de esculturas abstractas partiendo de una gran
variedad de materiales industriales, como metal, alambre y trozos de plástico.
12. Abstracción
Este arte consistía en extraer de una imagen figurativa los elementos esenciales, deformándolos o modificándolos; en él se tiende a
impresionar lo psíquico por encima de lo puramente visual, se busca una nueva expresión de la realidad, llegando a oscilar entre dos
polos: el acercamiento a la realidad para entenderla y el alejamiento de ella al interpretarla.
13.Arte Pop - Pop Art
El Pop Art recibe influencias del dadaísmo (de los ready-made de Duchamp y de los collages de Schwitters) y de la subcultura
popular y de masas, de la propaganda gráfica y de la sociedad de consumo
Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo.
Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados por la industria para los objetos de consumo.
Presentar como arte todo lo que había sido considerado indigno de llamarse así:
La intención de los artistas partía de una posición muy cercana al dadaísmo y al surrealismo, en su búsqueda común de
desacreditar la obra de arte tradicional.
Tabla cronológica de la historia de las artes
colores de las formas simplificadas y los atrevidos esquemas decorativos Representantes: Henri Matisse, Van Gogh, Gauguin
9. Futurismo
Movimiento artístico de comienzos del siglo XX que rechazó la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea,
basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. El futurismo se caracterizó por el intento de captar la
sensación de movimiento.
10. Cubismo
Movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, cuyo objetivo principal era el de alejarse de la representación
naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos.
Desarrollado principalmente por Georges Braque y Pablo Picasso hacia 1907, alcanzó su apogeo alrededor de 1914 y continuó
evolucionando durante la década de 1920. Al rechazar la representación realista seguida desde el renacimiento, el cubismo significó
un cambio crucial en la historia del arte, convirtiéndose en el precursor de la abstracción y de la subjetividad artística. Los cubistas
rechazan la perspectiva y el movimiento y le dan primacía a la línea y la forma. Se inspiró fundamentalmente en el arte de las tribus
de África y Oceanía.
11. Constructivismo
Movimiento artístico ruso de principios del siglo XX que ejerció una importante influencia en el arte europeo y que fue fundado por
el escultor y pintor ruso Vladímir Tatlin. El nombre hace referencia a la construcción de esculturas abstractas partiendo de una gran
variedad de materiales industriales, como metal, alambre y trozos de plástico.
12. Abstracción
Este arte consistía en extraer de una imagen figurativa los elementos esenciales, deformándolos o modificándolos; en él se tiende a
impresionar lo psíquico por encima de lo puramente visual, se busca una nueva expresión de la realidad, llegando a oscilar entre dos
polos: el acercamiento a la realidad para entenderla y el alejamiento de ella al interpretarla.
13.Arte Pop - Pop Art
El Pop Art recibe influencias del dadaísmo (de los ready-made de Duchamp y de los collages de Schwitters) y de la subcultura
popular y de masas, de la propaganda gráfica y de la sociedad de consumo
Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo.
Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados por la industria para los objetos de consumo.
Presentar como arte todo lo que había sido considerado indigno de llamarse así:
La intención de los artistas partía de una posición muy cercana al dadaísmo y al surrealismo, en su búsqueda común de
desacreditar la obra de arte tradicional.
Tabla cronológica de la historia de las artes
http://www.rmm.cl/index_sub.php?id_seccion=6035&id_portal=730&id_contenido=8639
http://www.slideshare.net/Robertosanti/corrientes-artisticas/download
http://www.slideshare.net/4101999/cronoga-de-los-estilos-de-arte-1
http://carolinadebenito.webs.com/laimportanciadelarte.htm
Arte
http://www.slideshare.net/Robertosanti/corrientes-artisticas/download
http://www.slideshare.net/4101999/cronoga-de-los-estilos-de-arte-1
http://carolinadebenito.webs.com/laimportanciadelarte.htm
Arte
1) Arte en la Prehistoria:
-
Arte prehistórico.
2) Arte Antiguo (ca. 5000-100 a. C.):
- Arte egipcio.
- Arte mesopotámico.
3) Arte Clásico (2000-300 ddC):
- Arte griego.
- Arte romano.
4) Arte en la Alta Edad Media (300-900):
- Arte paleocristiano.
- Arte visigodo.
- Arte bizantino.
- Arte prerrománico.
- Arte mozárabe.
- Arte carolingio.
- Arte otoniano.
5) Arte en la Baja Edad Media (900-1400):
- Arte románico.
- Arte gótico.
- Arte mudéjar.
6) Arte en la Edad Moderna (1400-1800):
- Arte del Renacimiento.
- Manierismo.
- Arte barroco.
- Naturalismo.
Clasicismo.
- Rococó.
7) Arte en la Edad Contemporánea (1800-Actualidad):
- Siglo XIX:
- Neoclasicismo.
- Romanticismo.
- Prerrafaelismo.
- Nazarenos.
- Realismo.
- Impresionismo.
- Neoimpresionismo.
- Postimpresionismo.
- Simbolismo.
- Eclecticismo.
- Historicismo.
- Neorrománico, Neogótico, Neobarroco, etc.
- Siglo *:
- Arte del Siglo *.
- Modernismo.
- Art Nouveau, Modern Style, Liberty, Jugendstil, Sezession, Arts & Crafts, Art déco, etc.
- Arte naïf.
- Vanguardias (1905-1942):
- Fauvismo.
- Cubismo, Orfismo, Rayonismo.
- Futurismo.
- Dadaísmo.
- Expresionismo.
- Die Brücke.
- Der Blaue Reiter.
- Nueva Objetividad.
- Pintura metafísica.
- Surrealismo.
- Arte abstracto.
-
Arte prehistórico.
2) Arte Antiguo (ca. 5000-100 a. C.):
- Arte egipcio.
- Arte mesopotámico.
3) Arte Clásico (2000-300 ddC):
- Arte griego.
- Arte romano.
4) Arte en la Alta Edad Media (300-900):
- Arte paleocristiano.
- Arte visigodo.
- Arte bizantino.
- Arte prerrománico.
- Arte mozárabe.
- Arte carolingio.
- Arte otoniano.
5) Arte en la Baja Edad Media (900-1400):
- Arte románico.
- Arte gótico.
- Arte mudéjar.
6) Arte en la Edad Moderna (1400-1800):
- Arte del Renacimiento.
- Manierismo.
- Arte barroco.
- Naturalismo.
Clasicismo.
- Rococó.
7) Arte en la Edad Contemporánea (1800-Actualidad):
- Siglo XIX:
- Neoclasicismo.
- Romanticismo.
- Prerrafaelismo.
- Nazarenos.
- Realismo.
- Impresionismo.
- Neoimpresionismo.
- Postimpresionismo.
- Simbolismo.
- Eclecticismo.
- Historicismo.
- Neorrománico, Neogótico, Neobarroco, etc.
- Siglo *:
- Arte del Siglo *.
- Modernismo.
- Art Nouveau, Modern Style, Liberty, Jugendstil, Sezession, Arts & Crafts, Art déco, etc.
- Arte naïf.
- Vanguardias (1905-1942):
- Fauvismo.
- Cubismo, Orfismo, Rayonismo.
- Futurismo.
- Dadaísmo.
- Expresionismo.
- Die Brücke.
- Der Blaue Reiter.
- Nueva Objetividad.
- Pintura metafísica.
- Surrealismo.
- Arte abstracto.
- Neoplasticismo (De Stijl).
- Constructivismo.
- Suprematismo.
- Racionalismo (Bauhaus).
- Arte moderno (1942-2000):
- Expresionismo abstracto.
- Informalismo, Tachismo, Art brut, Pintura matérica.
- Nueva abstracción, Abstracción postpictórica.
- Op art, Arte cinético.
- Nuevo realismo.
- Pop art.
- Minimalismo.
- Hiperrealismo.
- Happening, Performance, Instalación.
- Arte conceptual.
- Arte povera.
- Body art.
- Land art.
- Arte ambiental.
- Bio-Art.
- Arte digital.
- Arte postmoderno.
- Transvanguardia.
- Neoexpresionismo.
- Neomanierismo.
- Figuración Libre.
Siglo XXI:
- Arte del Siglo XXI.
Fuente(s):
http://es.wikipedia.org/wiki/Arte#Cronol…
- Constructivismo.
- Suprematismo.
- Racionalismo (Bauhaus).
- Arte moderno (1942-2000):
- Expresionismo abstracto.
- Informalismo, Tachismo, Art brut, Pintura matérica.
- Nueva abstracción, Abstracción postpictórica.
- Op art, Arte cinético.
- Nuevo realismo.
- Pop art.
- Minimalismo.
- Hiperrealismo.
- Happening, Performance, Instalación.
- Arte conceptual.
- Arte povera.
- Body art.
- Land art.
- Arte ambiental.
- Bio-Art.
- Arte digital.
- Arte postmoderno.
- Transvanguardia.
- Neoexpresionismo.
- Neomanierismo.
- Figuración Libre.
Siglo XXI:
- Arte del Siglo XXI.
Fuente(s):
http://es.wikipedia.org/wiki/Arte#Cronol…
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