el grito de munch

Comentario el grito de munch

1. El Grito
de
Munch

3. AUTOR:
Edvard Munch (1863-1944).

5. CRONOLOGÍA:
1893.

6. LOCALIZACIÓN:
Galería Nacional.
Oslo (Noruega).
El grito (en noruego Skrik), es el título de varios cuadros del noruego Edvard
Munch (1863-1944). La versión más famosa se encuentra en la Galería
Nacional de Noruega y fue completada en 1893. Otras dos versiones del
cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras que una
cuarta versión pertenece a una colección particular. En 1895, Munch realizó
también una litografía con el mismo título.

10. ESTILO:
Expresionismo.

11. DIMENSIONES:
89 cm × 73,5 cm

12. MATERIALES Y TÉNICA:
Óleo, temple y pastel sobre cartón.

13. TEMA:
La fuente de inspiración para El grito podría encontrarse quizá, en la
atormentada vida del artista, un hombre educado por un padre severo y rígido
que, siendo niño, vio morir a su madre y a una hermana de tuberculosis. En la
década de 1890, a Laura, su hermana favorita, le diagnosticaron un trastorno
bipolar y fue internada en un psiquiátrico. El estado anímico del artista queda
reflejado en estas líneas, que Munch escribe en su diario hacia 1892:
“Caminaba yo con dos amigos por la carretera, entonces se puso el sol; de
repente, el cielo se volvió rojo como la sangre. Me detuve, me apoyé en la valla,
inexplicablemente cansado. Lenguas de fuego y sangre se extendían sobre el
fiordo negro azulado. Mis amigos siguieron caminando, mientras yo me quedaba
atrás temblando de miedo, y sentí el grito enorme, infinito, de la naturaleza”.
Así describió Munch el momento que dio origen a “El Grito”, la obra más
famosa de un ambicioso ciclo de pinturas: “El sufrimiento de la vida”. En esta
serie pretendió expresar, con un lenguaje nuevo, sus experiencias sobre el amor,
la enfermedad, la muerte y la naturaleza, constantes temáticas en su obra.
El Grito de la naturaleza y del hombre: El gesto de “El Grito”, considerado el
más expresivo del arte contemporáneo, representa el desánimo y temor del
hombre moderno ante un mundo que cambia inevitablemente pero que ni
convence ni se comprende.

14. Munch inmortalizó esta impresión en el cuadro La desesperación, que
representa a un hombre con un sombrero de copa, de medio lado, inclinado
sobre una prohibición y en un escenario similar al de su experiencia personal.
No contento con el resultado, Munch pinta un nuevo cuadro, esta vez con
una figura más andrógina, de frente, mostrando el rostro, y con una actitud
menos contemplativa y más activa y desesperada. Lo mismo que la anterior,
esta primera versión de El grito, se llamó La desesperación. Según detalla
Robert Rosenblum (un especialista de la obra del pintor), la fuente de inspiración
para esta estilizada figura humana podría haber sido una momia peruana que
Munch vio en la Exposición Universal de París en 1889.
El cuadro fue expuesto por primera vez en 1893, formando parte de un
conjunto de seis piezas titulado Amor. La idea de Munch era la de
representar las distintas fases de un idilio, desde el enamoramiento inicial a una
ruptura dramática. El grito representaba la última etapa, envuelta en angustia.
La obra no fue muy bien acogida por la crítica y, el conjunto Amor fue
clasificado como arte demente (más tarde, el régimen nazi clasificó a Munch de
artista degenerado y retiró todos los cuadros que había en una exposición en
Alemania). Un crítico consideró el conjunto, y en particular El grito, tan
perturbador, que aconsejó a las mujeres embarazadas que no visitaran la
exposición . La reacción del público fue discrepante y el cuadro se convirtió en
motivo de discusión y por primera vez se hace mención de El grito en las críticas
y reportajes de la época.

15. DESCRIPCIÓN:
Munch realizó cuatro versiones de El grito. El original de 1893
(91 x 73,5 cm) con una técnica mixta de óleo y pastel sobre
cartón, está expuesto en la Galería Nacional de Oslo. La segunda
(83,5 x 66 cm) en témpera sobre cartón se exhibió en el Museo
Munch de Oslo. La tercera pertenece al mismo museo y la cuarta es
propiedad de un particular. Para responder al interés del público,
Munch realizó también una litografía (1895) que permitió imprimir el
cuadro en revistas y periódicos.
Todas las versiones del cuadro muestran una figura andrógina en
primer plano, que simboliza a un hombre moderno en un
momento de profunda angustia y desesperación existencial. El
paisaje del fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg. El
grito está considerado como una de las más importantes obras del
artista y del movimiento expresionista, constituyendo una imagen de
icono cultural, semejante al de la Gioconda de Leonardo da Vinci

16. En “El Grito” podemos ver cómo una figura humana,
situada en el centro, se tapa los oídos en un gesto
desesperado de angustia. Su rostro, que recuerda a
una calavera, y su cuerpo, están completamente
deformados, como también lo está el espacio que lo
rodea. Pero esta figura no está sola: un poco más atrás
hay dos personas de negro, anónimas, que intensifican
la inquietud de la escena. Todo tiembla ante ese grito,
todo se desfigura porque forma parte de una realidad
interior. El artista ha reproducido su vivencia de una
forma completamente subjetiva, haciendo que nosotros
oigamos también ese grito. Así expresa hasta qué
punto las emociones determinan por completo nuestra
percepción del mundo.
.

17. El cuadro es abundante en colores cálidos de fondo, luz
semioscura y la figura principal es una persona en un sendero con
vallas que se pierde de vista fuera de la escena. Esta figura está
gritando, con una expresión de desesperación. En el fondo, casi fuera
de escena, se aprecian dos figuras con sombrero que no se pueden
distinguir con claridad. El cielo parece fluido y arremolinado, igual que
el resto del fondo.
En “El Grito” podemos ver cómo los colores son puros y arbitrarios:
el cielo y el mar contrastan en una composición que no se corresponde
con la percepción real de las cosas. El cielo se transforma en fuego
y el mar queda indefinido por sus espirales violentas. Pero las formas
ondulantes de la naturaleza y del hombre chocan con la perspectiva
forzada del puente, que se alarga en diagonal hasta un lugar que no
vemos. Estas líneas, y el espesor y pureza de los colores, son los que
dan fuerza a la composición; todas las líneas convergen hacia el
centro del cuadro: la cabeza que grita. La distorsión de todos los
elementos se convierte en una técnica básica para conseguir el efecto
deseado en el espectador. La sensación de temor y de angustia se
nos contagia inevitablemente.

18. LOS ROBOS:
El 12 de febrero de 1994, El grito de la Galería Nacional de Oslo fue robado en
pleno día por una banda de ladrones (en principio se pensó en un grupo anti-abortista
activo en Noruega) que se permitieron dejar esta nota: Gracias por la falta de
seguridad. Tres meses después los ladrones se dirigieron al gobierno noruego
solicitando, por la entrega del cuadro, un millón de dólares estadounidenses. El
gobierno rechazó la oferta y poco después, -el 7 de mayo- el cuadro fue recuperado
en una acción conjunta efectuada por la policía noruega en colaboración con Scotland
Yard y el museo Getty.
El 22 de agosto de 2004, la versión expuesta en el Museo Munch fue robada a
mano armada por tres hombres enmascarados, junto con la Madonna del mismo
autor. El museo esperó una petición de rescate pero ésta nunca llegó. Además se
ofreció una recompensa de 97 millones de euros. Según el periódico sueco Svenska
Dagbladet, el cuadro habría sido quemado a fin de eliminar pruebas. Los dos cuadros
fueron recuperados el 31 de agosto de 2006 por la policía noruega, dos años
después de su robo, y en relativo buen estado. Sin embargo, el 20 de diciembre del
mismo año se reveló que los expertos del Museo Munch llegaron a la conclusión de
que el daño hecho a El Grito era irreparable. El deterioro, debido a la humedad en la
zona baja de la pintura, causó una decoloración que impide que el cuadro pueda ser
completamente restaurado a su perfección original.

19. UN ICONO:
A finales del siglo XX, El grito adquirió estatus de icono cultural que comenzó en el
período post-Segunda Guerra Mundial. En 1961 la revista Time utilizó El grito en la
portada de su edición dedicada a los complejos de culpa y a la ansiedad. Entre 1983 y
1984, el artista pop Andy Warhol realizó una serie de estampaciones en seda sobre las
obras de Munch, que incluían El grito. La idea fue desacralizar la pintura convirtiéndola
en un objeto de reproducción en masa.
Característico del arte posmodernista es el irónico e irreverente tratamiento que
realiza Erró de la obra cumbre de Munch, en sus acrílicos El segundo grito (1967) y Ding
dong (1979).
La reproducción de la obra en toda clase de productos, desde camisetas hasta tazas
de cerámica, pósters, llaveros, etcétera da testimonio de su estatus como icono, así
como de la completa desacralización para el público actual. En esa misma línea, se
puede comparar con otras obras de arte, convertidas también en iconos, como la
Gioconda de da Vinci. El grito es una obra con gran fuerza emocional, y la banalización
de la imagen en la cultura popular se puede interpretar como el intento de desactivar el
sentimiento de incomodidad que inevitablemente provoca en el espectador.
El muralista norteamericano, Robert Fishbone, descubrió un filón en el mercado
cuando en 1991, comenzó a vender muñecas hinchables con la figura central de la obra.
Su compañía con sede en San Luis, On The Wall Productions, vendió cientos de miles.
Los críticos señalan que, al sacar la figura de contexto, Fishbone ha destruido la unidad
de la obra de Munch, neutralizando, de este modo, su fuerza expresiva.

20. SIMBOLISMO:
Este cuadro resulta el gesto más expresivo del arte contemporáneo para significar el
gran desaliento que el hombre moderno sentía ante el fin de siglo y la transición al
siglo XX. Munch nos habla de sus sentimientos cuando pintó esta obra: "Estaba allí,
temblando de miedo. Y sentí un grito fuerte e infinito perforando la naturaleza". Estas
frases tremendas nos hablan de una hipersensibilidad del autor que con la realización de
este cuadro se convierte en altavoz de la angustia existencial que caracteriza el
pensamiento contemporáneo en alguna de sus facetas. La situación personal de Munch
está íntimamente relacionada con esta obra: de personalidad depresiva y traumatizado
por su relación con las mujeres, a quienes odia fervorosamente y se ocupa de retratar
lo más tétricamente posible, en el momento de pintar este cuadro acababa de sufrir el
fallecimiento de su madre. Basta con observar el estilo y la temática de no pocos de sus
cuadros para reconocer su particular vinculación con la muerte. Esto le marcó
terriblemente y es uno de los condicionantes que le impulsaron a emitir este grito visceral.
El simbolismo de la imagen es patente en el rostro agitado del protagonista en primer
plano, que es casi una calavera que se aprieta el cráneo con las manos para que no le
estalle. El empleo de los colores, violentos, arqueados en agresivas bandas de color,
es puramente simbólico y trata de transmitir al espectador el agitado estado de ánimo
del autor. Esta sensación se refuerza con la presencia de dos testigos mudos, lejanos,
anónimos, dos figuras negras que se recortan al fondo de una violentísima perspectiva
diagonal que agrede la visión de quien la contempla. Las formas se retuercen y los
colores son completamente arbitrarios, tan sólo intentan expresar el sentimiento del
autor y no una verdad racional. Este rasgo es lo que incluye a Munch en la senda de
otros pintores de simbolismo visionario y expresivo en una tendencia intemporal
denominada Expresionismo.

21. CONTEXTO CULTURAL:
Los historiadores del arte discrepan fuertemente al momento de situar la obra de Munch dentro de un estilo. Alguno
no dudan en catalogarlo como el "padre del expresionismo" y otros lo proclaman como uno de los precursores del
impresionismo en oposición incluso a los expresionistas. La verdad es que la dificultad es comprensible por la
variedad temática y de estilos de los pintores europeos de principios de siglo. Recordemos que estamos en una época
donde se solidifican los grandes cambios que la platica sufre definitivamente en la modernidad. Munch, si bien se
aparta de la plástica tradicional por los mismos motivos que los expresionistas (la búsqueda de la libertad total,
expresar no una imagen, sino un sentimiento), aborda una problemática mas profunda, psicológica; biográfica si se
quiere, pero no en términos individuales sino en consonancia con un malestar existencial generalizado que las
primeras décadas del siglo XX hace evidente. Munch se vuelca a la intimidad de su psicología, donde anidan todos los
fantasma de su juventud, aquellos que lo instalan sólo, frente a una muerte trágica e inevitable que constituye a su vez
un sin sentido, una experiencia de la libertad vacía, sin origen o finalidad preestablecida. Una libertad que (lejos de ser
la constructora racional del "contrato social" y de la "paz perpetua“) desnuda a un hombre que sólo tiene la profundidad
desesperante de la "angustia". Recordemos la gran influencia que el pintor de Oslo recibe del filósofo danés Sören
Kierkegaard y del alemán Friederich Nietzsche. Ambos autores instalan las columnas vertebradoras de lo que más
tarde sería la más importante corriente filosófica del siglo XX: el existencialismo. Munch retrató a Nietzsche y sin
duda los existencialistas franceses y alemanes tenían en su mente la imagen de "El grito", una de las principales obras
de Munch, cuando cuajaron su pensamiento. Nietzsche lo dijo con todas sus fuerzas: "Dios ha muerto", y con él se han
ido todas las certezas que el hombre acarició en el medioevo y durante la ilustración, la orfandad de la existencia
humana se hace evidente, somos "inevitablemente libres" más aún "estamos condenados a elegir", el problema es que
no existe ninguna esencia previa a la existencia humana que nos de al menos una señal para esta elección. En
palabras de Sartre "El hombre es una pasión inútil". Munch intuitivamente se adelanta con su obra al
existencialismo francés y plasma en cada uno de sus trazos la desesperación del Hombre abandonado a su suerte
en una existencia que es el más puro y profundo vacío. La Nada parece surgir de los cuadros de Munch, lo que está
ahí: la muerte, la angustia, el desamparo, la desolación de los amantes; nos hacen sentir en la piel, más que en
nuestro intelecto, lo que no existe, lo que no es, la nada, el más puro nihilismo.
Munch influyó en el Expresionismo alemán. Su obra La Niña Enferma de 1885-1886 está inspirada en la muerte
de su hermana por tuberculosis y en ella se ve el expresionismo neurótico con que intensifica las imágenes de la
realidad. Le fascinaba el arte de Van Gogh y también le impresionó el brillante colorido del neoimpresionismo.

22. VALORACIÓN:
Esta obra fue precedente e influencia directa del
movimiento Expresionista que surgió en Alemania en
1905. Con las mismas inquietudes vitales y actitud ante la
sociedad que tenía Munch, este grupo adoptó su estilo y
lo convirtió en uno de los primeros movimientos
vanguardistas del siglo XX. El artista expresionista veía
la pintura como un medio de desahogo, de expresión
del sufrimiento humano y de las injusticias sociales.
Del mismo modo que Munch, estos temas debían ser
tratados a partir de composiciones agresivas, con
colores fuertes y contrastados, y así llamar la
atención del espectador.