Goya comentarios

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1. EL QUITASOL


Goya pinta una escena costumbrista de la época y de influencia francesa, que transmite
una total elegancia y alegría en el espectador. Aparece una joven aristócrata por sus
vestimentas, y que está acompañada de un joven que le quita el sol con una sombrilla de color
verde . En el regazo de la mujer se haya un pequeño perro de color negro, dormido, con el
detalle de un lazo de color rojo alrededor del cuello. Al fondo, presenciamos un difuso paisaje
y a la izquierda una especie de muro de piedra.
Esta obra se trata de una pintura de óleo sobre lienzo en la que se ha utilizado la pintura
para representar superficies de distintas texturas sensaciones como suavidad, rugosidad de
tejidos como el vestido de la joven. En los personajes predomina el color para delimitar las
formas se produce la sensación de formas con volumen por ello formas tienden a ser rectas y
ángulos suaves. La obra es figurativa, además es naturalista, de forma realista que presenta la
realidad sin evitar rasgos particulares y defectos. Las figuras de los personajes están realizadas
con la misma escala. Son partes que están proporcionadas y corresponden a determinado
canon, que presenta el tema de manera realista. Los detalles tienen la misma intensidad todos,
pese a que los del segundo plano, lo que son los arbustos y el cielo, si se encuentra algo más
difuminado. En cuanto la luz el espacio parece tener luz natural. Las sombras que se producen
van en relación al tipo de luz y la dirección que llevan ante estos protagonistas de la pintura. Es
una luz brillante, del sol, sin ella la obra carecería de sentido. En cuanto a los colores utilizados.
Predominan los colores primarios, colores intensos como el amarillo, el azul de la vestimenta y
el verde del quitasol que sostiene el joven, hace uso de colores tanto cálidos como fríos, una
mezcla de la cual al final, predominan los cálidos. Estos colores presentan una degradación con
colores como el negro, intentando dar el toque del claroscuro, para crear sombras, esto ocurre
en distintas partes de la escena. El pintor ha conseguido crear una sensación de profundidad
con el juego de planos que ha desempeñado, podemos apreciar tres o cuatro planos
diferentes, que aportan al espectador la visión de un fondo más alejado, aportando por ello el
ir difuminando o quitando de manera progresiva los detalles pe un plano a otro.
El quitasol formaba parte de una serie de cartones para los tapices del comedor de
Carlos IV. Posteriormente fue trasladado al óleo y termina en el Museo del Prado. Esta obra
pertenece a la 2ª etapa de la vida artística del pintor, la cual pertenecía a la realización de los
cartones para tapices, específicamente dentro de la segunda serie de sus cuatro de cantones
que realizó, cronológicamente se sitúa sobre 1776-1780. Puede que explique porque un
elemento como la sombrilla era un objeto de moda en la pintura de género del siglo XVIII. Fue
tan común que llegó a convertirse en una forma de identificar la gentileza.

2. SATURNO DEVORANDO A SU HIJO

Goya representó el tema mitológico de Saturno (dios del tiempo) que devoraba a los
hijos que iba teniendo con su esposa, según nacían. Hasta que ésta impidió que matara al
último de ellos, Zeus. La pintura nos muestra el terrible momento en que desgarra y engulle a
uno de sus hijos.
La pintura está realizada sobre un mural que posteriormente fue trasladado a lienzo. Se
ha utilizado la pintura para representar superficies de texturas con sensaciones como dureza y
aspereza. Predomina el dibujo las figuras están delimitadas por líneas no muy marcadas (a
modo de sombres, puedo entender) independientemente de su color. Se produce la sensación
de formas con cierto volumen por los claroscuros y sombres recreadas como por ejemplo en
el detalle del brazo de Saturno donde modela el musculo del personaje. La obra es figurativa,
naturalista pero muy idealizada y no realista. Las figuras de los dos personajes no están
realizadas con la misma escala, destacando la de Saturno con una mayo preeminencia sobre la
de su hijo. Las figuras son completamente anti naturalistas, con un canon que no es natural , y
con unas notables expresiones que se aprecian en su rostro, ya que quiere lograr un aspecto
de horror y caos. En cuanto la luz, el personaje se encuentra en un espacio la verdad que difícil
de identificar, por su fondo en color oscuro, pero es iluminado por una luz que podría ser
artificial la cual hace que el espectador se centre en la horripilante acción, y tenga su foco de
atención en ello, sin importar el escenario en el que se encuentra. En cuanto al color
predominan los colores fríos y oscuros, y esto se ve reflejado en el tono de piel de los
personajes, el pelo canoso y la misma sangre que cae por el cuerpo. Destacar el claro
claroscuro que nos deja, de influencia barroca. El pintor no creo que se haya molestado en
representar una gran sensación de profundidad en esta obra, ya que no se ha preocupado por
el fondo, y si por la escena y acción de los personajes.
El Goya ya anciano que presenta una visión pesimista y solitaria del mundo, crea esta
serie de cuadros pertenecientes a las Pinturas Negras, de su 5ª etapa artística. Concibe esa
vidsión desolada que le aproxima a su muerte y es claramente retratada en obras como esta.
Es una pintura que dio paso a las primeras corrientes culturales “el expresionismo”.
Cronológicamente hablando lo podemos situar en el marco histórico español entre los años
1820 y 1823.
Teresa Calonge 2ªBach A