La escultura Surrealista.

Breve resumen de la escultura Surrealista, con introducción histórica y autores como Man Ray, Jean Arp, Giacometti, Dalí y Louise Bourgeois.

1. Fundamentos de Escultura – 1ªA Grado
Belén Cañizares, Cristina Valencia, Agustín Palomo,
Miryam Jiménez, Paloma Puerta

2. INTRODUCCIÓN HISTÓRICA
Movimiento literario y artístico, definido en 1924 por André Breton, que preconizaba
renovación de todos los valores culturales, morales y científicos por medio del
automatismo psíquico.
Antecedentes primordiales del Surrealismo fueron Giorgio de Chirico y su pintura
metafísica, y el movimiento dadaísta fundado en Zúrich en 1916, liderado por Tzara y
que nació del horror de la destrucción de la I Guerra Mundial. El mismo Tzara afirmó
"Los inicios del Dadá no fueron los inicios de un arte, sino de un disgusto".
La primera fecha histórica del movimiento es 1916, año en que André Breton,
precursor, líder y gran pensador del movimiento, descubre las teorías de Sigmund Freud
y Alfred Jarry, además de conocer a Jacques Vache y a Guillaume Apollinaire. Durante
los siguientes años se da un confuso encuentro con el dadaísmo. Estos, uno inclinado
hacia la destrucción nihilista (dadá) y el otro a la construcción romántica (surrealismo)
se sirvieron como catalizadores entre ellos durante su desarrollo.
El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así
como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto
encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de
Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de
superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como
Historia Natural, pintada en París en 1926.
Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver
exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un
texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas
resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.
En el terreno literario, el surrealismo supuso una gran revolución en el lenguaje y la
aportación de nuevas técnicas de composición. Como no asumía tradición cultural
alguna, ni desde el punto de vista temático ni formal, prescindió de la métrica y adoptó
el tipo de expresión poética denominado como versículo. Igualmente, como no se
asumía la temática consagrada, se fue a buscar en las fuentes de la represión psicológica
(sueños, sexualidad) y social. Para ello utilizaron los recursos de la transcripción de
sueños y la escritura automática, y engendraron procedimientos metafóricos nuevos.

Breton efectuó la primera formulación definidora del movimiento en su manifiesto
Surrealista (1924), que describió el surrealismo como “automatismo psíquico mediante
el cual se propone expresar, sea verbalmente, o por escrito de otro modo, el
funcionamiento real del pensamiento, en ausencia de todo control ejercido por la razón
y al margen de toda preocupación estética o moral”. Entre los autores que Breton citaba
como contribuyentes o precursores de su pensamiento figuran Freud, Lewis, Hugo etc.,
La producción surrealista se caracterizó por una vocación libertaria sin límites y por una

3. exaltación de la imaginación, de los procesos oníricos, del humor corrosivo y de la
pasión erótica (amour fou), utilizados como provocación o armas de lucha contra la
tradición cultural burguesa y contra todas las formas represivas del orden moral
establecido. Pero las ideas surrealistas no se expresaron únicamente a través de técnicas
artísticas, sino como ruidosas tomas de posición pública.
En 1938 tuvo lugar en París la Exposición Internacional del Surrealismo que marcó el
apogeo de este movimiento antes de la guerra. Participaron entre otros, Marcel
Duchamp, Arp, Dalí, Ernst, Masson, Man Ray, Óscar Domínguez y Meret Oppenheim.
La exposición ofreció al público sobre todo una excelente muestra de lo que el
surrealismo había producido en la fabricación de objetos.
Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, los surrealistas se dispersan, algunos de
ellos (Breton, Ernst, Masson) abandonan París y se trasladan a los Estados Unidos,
donde siembran el germen para los futuros movimientos americanos de posguerra
(expresionismo abstracto y Arte Pop).
Breton en EUA publicó “Prolégomènes à troisième manifeste du surréalisme ou non”
(Nueva York 1942). Regresó a París en 1946, pero el movimiento estaba ya
definitivamente deteriorado, aunque las premisas libertadoras y subversivas del
surrealismo se han incorporado a la tradición cultural occidental y han seguido
manifestándose de algún modo en todos los campos de la creación artística, a veces con
intención lírica ajena a la moral revolucionaria del movimiento: poesía, pintura,
escultura, teatro, cine, fotografía, danza e incluso en publicidad.

Máximos exponentes en este movimiento fueron, entre otros, Breton*, Giacometti*,
Ernst*, Man Ray*, Jean Arp*, Joseph Cornell*, Marcel Jean* y René Magritte*.
En España, la generación del 27 fue sensible a la influencia del surrealismo, que
también inspiró la revista catalana “L´amic de les arts”, si bien pocos artistas llegaron a
adoptar posturas surrealistas oficiales radicales, siendo los más caracterizados Buñuel,
S. Dalí*, J.Miró*, J. V. Foix*, J. Larrea, R. Gómez de la Serna*, Julio González* o
Picasso*.

El surrealismo influye a posteriori en el Expresionismo abstracto y el Informalismo a
través del automatismo psíquico.
CARACTERÍSTICAS
El surrealismo se caracterizó por interpretación de la realidad desde el sueño, el
inconsciente, la magia y la irracionalidad. Era una conjunción de imágenes dispares
(reales o irreales), tanto en el tiempo como en el espacio.
- Los objetos y formas sin su significación tradicional (principio de la "desorientación"),
el observador queda desorientado.

4. - Creación de imágenes equívocas de manera que una misma cosa puede ser
interpretada de varias maneras (principio de la "discordancia”).
- Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la destrucción y lo
misterioso.

- Además de lo onírico, representación de toda clase de simbologías, especialmente
eróticas y sexuales. Todo aquello estaba en contra de la moral, la tradición y la cultura
burguesa.


BIBLIOGRAFÍA

Breton, André (2007). Diccionario de surrealismo. traducción Miguel Torres. Madrid:
Editorial Losada.
Eluard, Paul (2003). Diccionario abreviado de surrealismo. Madrid: Ediciones Siruela.
Martínez Sarrión, Antonio (2008). Sueños que no compra el dinero (balance y nombres
del surrealismo). Valencia: Pre-Textos.
Nadeau, Maurice (1972). Historia del surrealismo. Barcelona: Editorial Ariel.
http://es.wikipedia.org/wiki/Surrealismo.

5. JEAN ARP
Artista polifacético, dominó tres grandes artes: la pintura, la escultura y la poesía.
Fundador y participante muy activo del movimiento Dadá hasta el 1919.
El paso de Arp del (Dadá, que hallaba su libertad en la práctica constante de la
negación), al SURREALISMO ( el paso de la negación a la afirmación), fue invisible.
Arp recogerá la actitud surrealista del “azar”, disponiendo los elementos
automáticamente, sin voluntad. Llamo a este proceso “según la ley del azar”, que solo
se experimenta mediante la devoción absoluta del inconsciente. Como es su costumbre,
deja que el automatismo guíe sus manos, la mente no ejerce ningún tipo de control.
Considera el objeto artístico como una especie de objeto natural “el arte es un fruto que
crece en el hombre, como un fruto en una planta o el hijo en las entrañas de su madre”.
Las primeras esculturas en bulto redondeado reflejan su asociación con los surrealistas
durante la década de los veinte, aunque comenzó la fascinación, hacia 1915, por las
formas orgánicas y el orden de la renovación biomorfica que se interpreta en el óvalo.
Dispone los elementos escultóricos en una superficie horizontal (como Giacometti en
sus juegos de mesa) que invita al espectador a aproximarse, los objetos no parecen más
que ocupantes modificados que nadan en corrientes opuestas. La obra de Arp en el
surrealismo pierde todo lo informe y se concretiza en entidades contorneadas.
¿Alguna vez ha dejado Arp de ser surrealista?
“Campana y ombligo” – 1931- Madera
Son tres objetos sobre una mesa circular dispuestos como su fueran frutas traídas a una
mesa. Pero, como en el caso de los objetos surrealistas parecen realizadas por las
proyecciones de la fantasía del espectador o del autor.
“Cabeza con objetos molestos” – 1930 Bronce
Está compuesto por formas viscerales lisas que se combinan con una composición en la
que la disposición de las figuras pueden colocarse según quiera el espectador, con lo
que la escultura se hace al antojo de la persona que la contempla que es una concepción
diferente a la del artista. Arp en esta composición quiere inducir la sensación de
movimiento.

6. MAN RAY
Al igual que Jean Arp, MAN RAY, surrealista, intenta expresar en sus esculturas el
funcionamiento real del pensamiento. No interviene la razón, y es ajeno a toda
preocupación estética o moral. Pero nunca es abstracto. Siempre está comprometido en
una representación.
“Objeto para ser destruido” –
Se trata de un metrónomo, en el extremo de su varilla pendular ha pegado con un clip la
fotografía recortada de un ojo sin cuerpo que se mueve en el espacio al ritmo del tiempo
real.
Pero el tema no era el movimiento real, sino lo que podría llamarse la proliferación
metafórica, la base de la operación creativa surrealista es la IMAGEN, pero no una
imagen tradicional de similitud. Realmente sería lo contrario NO aproxima dos hechos o
dos realidades que se parecen, sino dos realidades lo más lejanas posibles la una de la
otra.
Al dar vida a la imagen del metrónomo, viola las leyes del orden natural y social, acerca
dos términos de la realidad que parece que no son conciliables y provoca en quien los
mira un shock violento y pone en marcha su imaginación.
“Regalo” – 1921 – Plancha con clavos
Dependiendo del espectador, la plancha con clavos puede dar una sensación de
violencia o de dolor provocada por la fila de clavos dispuestos con la punta hacia fuera
en la lisa parte inferior de una plancha. Las ficciones sugeridas por esta escultura
surrealista son sádicas por naturaleza y recurre mucho al tema de la violencia .Las
conexiones generadas entre los objetos (plancha y clavos) estimulan el inconsciente del
espectador y sus efectos nunca se pueden anticipar.

Bibliografía:
Las vanguardias artísticas del siglo XX – Mario De Micheli – Alianza Forma
Pasajes de la escultura moderna – Rosalind E. Krauss – Akal
Jean Arp – Retrospectiva 1915-1966 Circulo de Bellas Artes – Ediciones Exposiciones.

7. GIACOMETTI
Giacometti escultor suizo afincado en Paris desde 1922 entro en contacto con el
ambiente cubista y más tarde con el ambiente surrealista, del que formó parte de 1930 a
1935. En las obras de este periodo, se reconoce la idea surrealista del simbolismo de los
objetos. Durante este periodo, además de realizar alguna de sus obras más señaladas
crea, imbuido de las singularidades del surrealismo, una serie objetos evocadores y
oníricos, equívocos y obscenos, pero también amenazantes, llamados Objetos
desagradables.
Más tarde abandonaría el surrealismo para volver al arte figurativo y llegar a un estilo
más singular y personal que desarrolla a comienzos de la década de 1940.
En esta etapa surrealista se convierte en uno de los mejores escultores del hierro de los
años 30, junto con Picasso, Julio González, Calder y David Smith.
En el caso de este Objeto desagradable (1931) realizado en madera 22x48.2 cm), de
forma fálica y dotado de pequeños salientes puntiagudos. Había de colocarse como un
objeto ordinario al que una deformación inexplicable le hace inquietante. Por un lado
invita a ser tocado por su suave superficie pero que por otro es desagradable por sus
amenazantes clavos.

Bola suspendida (1930-1931) de yeso, hierro y cuerda de 60,4x36.5x34 cm. Fue muy
admirada por los surrealistas porque objetivaba la energía libidinosa del inconsciente.
Compuesta de una jaula abierta con una plataforma en su interior sobre la que reposa
una pieza en forma de luna creciente y una bola con una muesca en forma de cuña en su
parte inferior que está colgada de una cuerda en lo alto de la jaula. A la izquierda está la
original en hierro y yeso (Museo de Arte Moderno de Paris) y a la derecha una copia
para que se aprecia la muesca en su parte inferior (Museo de Arte Moderno de New
York).
El movimiento pendular de la bola y la relación de la muesca con el creciente implica la
posible caricia mutua: una posibilidad frustrada por el hecho de que la cuerda que
sostiene la bola es demasiado corta para permitir que los dos miembros de la obra se
toquen. Según escribió Maurice Nadeau “a todos los que vieron este objeto en
funcionamiento experimentan una fuerte pero indefinible emoción sexual relacionada
con sus deseos inconscientes, como la que produce la irritante consciencia del un
fracaso.
En esta obra surrealista llamada El palacio a las cuatro de la madrugada (1932-1933)
de madera, vidrio, alambre y cuerda de 73,5 cm. de altura (Museo de Arte Moderno de
New York). Dicen que esta es la obra surrealista más brillante que realizó.

8. Se trata de una estructura arquitectónica que sostiene figuras y objetos suspendidos, y
expresa la subjetividad y fragilidad del ser humano en el tiempo y en el espacio. Esta
representación de este teatrillo se le revelo lentamente sin quererlo como en un sueño,
adoptando su forma exacta y su posición precisa en el conjunto. La ejecución no le llevo
más de un día.

En Mujer degollada (1932) de bronce de 87.6 cm. Se expresa supuestamente de una
manera violenta: la mujer muerta está tendida en el suelo como un gigantesco insecto.
Los brazos y las piernas, desproporcionadamente largos y delgados, recuerdan una
araña; las enormes vértebras evocan el caparazón de un escarabajo y tanto el cuello,
largo y acanalado, como la cabeza, que es pequeña, podrían ser de un gusano. Sólo los
pechos arqueados sobre un talle esbelto forman parte de un cuerpo humano.
¿Alude Giacometti con esta compleja figura, que presenta formalmente a la víctima
como agresora, al caso biológico de la mantis religiosa, mitificada por el surrealismo,
que devora al macho tras el apareamiento?
La construcción en el espacio de precisos mecanismos sin uso concreto, pero que, sin
embargo, son profundamente perturbadores». No obstante, Giacometti abandonó el
surrealismo en 1935. Se comenta que fue expulsado por André Breton de círculo
surrealista por diferencias políticas que mantenían entre ellos.

9. DALÍ
Dalí no intervenía en las esculturas, pero se sabe que en la década de los años 70’ creo
44 esculturas originales que le había encargado su amigo y empresario Isidro Clot.
Se cree que este sería el único conjunto de piezas escultóricas que Salvador Dalí habría
ejecutado sin la ayuda de artesanos. Pero también se cree que habría tenido
participación en otras obras. Lo seguro es que las 44 obras de Clot fueron forjadas por
sus propias manos.
En las esculturas para Isidro Clot, Dalí utilizó la técnica del vaciado en bronce. Esta
tradicional técnica que se basa en el rechazo del tallado directo y se dedica a modelar la
figura original en cera es la más antigua que se conoce y lo ubica dentro del grupo de
escultores modeladores.
Se cree que estas pequeñas esculturas Dalí las trabajo en la estación veraniega y al
mediodía, lo cual le permitía aprovechar el efecto del calor sobre la cera y lograr un
moldeado más fácil y detallado.

En las esculturas de Dalí se puede observar simbólicas, literarias y mitológicas.
Teléfono: Los teléfonos habían obsesionado a Dalí, que realizó varios diseños de
teléfonos-langostas para la decoración del hogar del poeta Edward James.
Surrealismo: El subconsciente y la relación de objetos aparentemente sin sentido son
dos elementos arquetípicos del surrealismo. Así, una langosta sirve de auricular a un
teléfono totalmente funcional.
Dalí: Dalí siempre decía que el mundo cotidiano necesitaba más fantasía, que el
subconsciente tenía que emerger, por lo que usó el diseño de objetos como plataforma
para ello. El surrealismo supuso al diseño una gran revolución.
Dalí llamaba a estos objetos “objetos con función simbólica”

Una de las obras es el Busto retrospectivo de mujer (1933) de Salvador Dalí, una
escultura en la que una "larga y fálica barra de pan corona la cabeza de una mujer, dos
mazorcas de maíz cuelgan de su cuello y un grupo de hormigas se reúne en su frente"
Esta pieza de Dalí ha sido definida como "una mujer representada como un objeto de
consumo" y se muestra en consonancia con obras del suizo Giacometti como Mujer
con la garganta cortada (1932), ejemplo del "imaginario misógino frecuente en el
surrealismo".

10. OTROS ESCULTO RES
En los años 30´ la huella que dejaban en la escultura los surrealistas basada en la
sexualidad y el dolor incorporaba un elemento psicológico que atrajo a otros escultores
que nada tenían que ver con el grupo surrealista, como Julio Gonzalez o Picasso.
En La Cabeza , de Julio González, vemos una horrible mueca en torno a unos ojos
pendulares.
Picasso estaba experimentando con la idea surrealista de la metáfora, introduciendo
objetos ordinarios desde 1914. En esta escultura llamada “cabeza de mujer”, vemos
como conecta los hemisferios con dos coladores. Utiliza una hoja plana de metal para
sugerir el rostro como algo separado del resto de la cabeza. La máscara no tiene
conexión lógica con el resto del soporte.
Otra de sus esculturas que representaba una cucharilla de café impulso a Breton a
incluirla en la muestra de objetos surrealistas de 1936.
Oppenheim, una artista alemana que se trasladó a París con tan solo 18 años y que allí
contactó con Picasso, quien le inspiró para realizar su aclamado Desayuno en piel
(1936). Esta obra surgió por una conversación en una cafetería parisina entre la alemana
y Picasso después de que el español admirase su brazalete forrado de piel y decidieran
que casi cualquier cosa podría estar forrada de ese material, hasta la taza en la que
tomaban café.

Así surgió Desayuno en piel, una pieza compuesta por una taza de café, un platillo y
una cuchara forrados de piel y que es, según los expertos, una "extraña combinación de
materiales para crear un encuentro erótico".

11. LOUIS BOURGEOIS
Su obra abarca toda la tradición del arte. Su trabajo se puede vincular a otros estilos,
puesto que no sitúa ningún estilo o material por encima de los demás.
Su obra tiene un marcado carácter autobiográfico, hunde sus raíces en la teoría
surrealista del arte y se desarrolla a lo largo del s. XX en la dirección del denominado
ARTE DE IDENTIDAD. Aunque ha negado siempre la influencia del surrealismo.
Durante la segunda guerra mundial, la escultora y su marido Robert Goldwater,
tuvieron ocasión de frecuentar los círculos de los expatriados surrealistas que, como
André Breton, Marcel Duchamp, etc, habían emigrado a Nueva York, huyendo de la
ocupación alemana de Francia.
Casi toda su obra se inspira en su propia experiencia psicoanalítica. Empezó a
psicoanalizarse en 1951, año de la muerte de su padre y en el 52 comenzó su terapia con
Henry Lowenfeld, discípulo de Freud en Viena. No sólo se psicoanalizó sino que se
sumergió en la lectura de textos psicoanalíticos de Sigmund Freud, Anna Freud, etc. Se
han encontrado en su casa otras dos cajas de escritos con material inédito, comparable a
las cartas de Vincent Van Gogh, donde registra sus sueños, sus emociones y sus
angustias, y sobre todo sus sentimientos conflictivos respecto de cómo ser artista, madre
y esposa.
La decisión de dedicarse a la escultura proviene de una especie de revelación. Una
mañana al encontrarse sola en casa después de que se marchasen su marido y sus tres
hijos, para alejar el sentimiento de soledad que se apoderaba de ella, empezó a recortar
botellas de leche, a doblarlas y a colgarlas en la pared. Son sus primeras obras
escultóricas, vinculada a la angustia que le produce la casa vacía. Utiliza la escultura
como gesto de exorcismo, “Cuando los hombres se iban, me sumía en un caos total, es
decir, en una soledad espantosa”. Hasta que se dio cuenta de que podía ejercer un
control sobre otra forma de expresión. Podía crear esas formas, pintarlas de negro, lo
que expresaba la tristeza. Podía colocarlas juntas, tirarlas al suelo y destruirlas. Ese
sentimiento de poder le permitió controlar la nostalgia. La escultura le fue revelada
como medio de expresión.
Cuando estaba de buen humor le apetecía juntar y cuando estaba de mal humor, cortaba
cosas.
Entre los materiales que usa están el yeso, goma, látex, madera, bronce, mármol, tela,
etc.
El proceso artístico le permitía canalizar y transformar la agresión consigo misma y con
los otros en formas simbólicas y a través de acciones simbólicas tales como cortar,
perforar, esculpir y verter.
Las formas huecas comenzaron a aparecer en su obra como elementos secundarios. Pero
fueron adquiriendo importancia hasta que visitó las cuevas de Lascaux. Allí vio una

12. forma negativa envolvente, producida por el torrente de agua que había dejado sus
ondas sobre el techo.
De sus obras DESTACAMOS 2:
The destruction of the father, 1974, la mesa del comedor está puesta y se pueden ver
todas las cosas que están sucediendo, el padre se jacta ante los presentes de lo
importante que es, de las cosas maravillosas que ha hecho. Esta escena se repite día tras
día, y llega el día en que los hijos se enfadan. Lo agarran, lo colocan encima de la mesa,
el padre se convierte en comida, lo trocean y desmiembran y lo devoran, al final nada
queda de él. Es un drama oral. La irritación provino de sus constantes ofensas verbales y
por ello fue liquidado.
La escultura representa ambas cosas, una cama y una mesa. Cuando uno entra en
una habitación lo primero que encuentra es una mesa, pero en el piso superior, en el
dormitorio de los padres está la cama. Ambos muebles forman parte de nuestra vida
erótica. La mesa donde tus padres te hacen sufrir y la cama donde yaces con tu marido,
donde nacen tus hijos y donde finalmente morirás. En esencia ambos son el mismo
objeto, puesto que también representan el mismo tamaño.
Todos esos productos de látex son moldes de miembros animales. Se fue al mercado de
carne y compró paletillas de cordero y muslos de pollo, los echó dentro de un recipiente
de escayola líquida, para después volcar el molde, abrirlo, tirar los trozos de carne y
moldear las formas obtenidas en látex. Aquella pieza fue realizada bajo el impulso que
uno experimenta cuando soporta demasiado estrés y se vuelve en contra de aquellos a
los que más quiere.
She-Fox (zorra), es una pieza de 179cm de altura de mármol negro, representa a un
animal, que es una hembra. Muestra numerosos pechos por delante, cada uno de los
cuales es más grande y duro que el anterior, (los animales poseen numerosos pechos).
Está sentada en cuclillas, posee unas patas sólidas y fuertes y una preciosa cola con un
pequeño penacho en el extremo. Tiene un gran corte en la garganta y le han sesgado la
cabeza, una doble mutilación, por lo demás es perfecta. Espera, Nada le molesta, la
gente le hace cosas pero ella las aguanta, es capaz de soportarlas. Bajo sus caderas hay
una especie de refugio acogedor y allí es donde B. se coloca. Resulta evidente que es su
madre. Le daba miedo pensar que su madre no la quisiera, la llama ZORRA porque
considera a su madre alguien muy inteligente y paciente, una persona calculadora, capaz
de soportar situaciones desafortunadas. Su madre señalaba su incapacidad para estar a la
altura de las circunstancias, este era un aspecto que a B. la exasperaba y la conducía a la
violencia. Así que trató de herirla, cortó su cabeza. Y aun así esperaba que la quisiera.
La tragedia radica en saber si una persona a la que has tratado de ese modo es capaz de
quererte. Es el retrato de una relación. (dice que esta escultura ha servido para eliminar
su ansiedad y que lo ha conseguido)
Cuando habla de sus obras nunca menciona la palabra sueño, dice que trabaja bajo un
hechizo, donde es capaz de expresarse. ¿La idea de estar hechizado, no es una idea

13. surrealista? Según B. el hechizo y el sueño no son lo mismo, el hechizo es más
simpático que el sueño, no es un estado pasivo como le sucede al sueño. El sueño te
ciega, el hechizo no.
La fusión de lo masculino y lo femenino. En su obra siempre han existido sugerencias
sexuales. A veces, toda su preocupación se centra en las formas femeninas, racimos de
pechos como nubes, pero a menudo fusiona pechos fálicos, masculino femenino, activo
y pasivo.




Trabajo realizado por :
Cristina Valencia
Belén Cañizares
Agustín Palomo
Miryam Jiménez
Paloma Puerta


Mayo de 2011