Pintura Del Cinquecento

1. PINTURA DEL RENACIMIENTO
CINQUECENTO
SIGLO XVI
LA ROMA DE LOS PAPAS

2. Autorretrato
c. 1512
333 x 213 mm
Biblioteca Reale, Turin
LEONARDO DA VINCI
(1452 – 1519)
LA PERSONALIDAD
DE UN ARTISTA GENIAL:
SÍNTESIS DEL CIENTÍFICO
Y DEL CREADOR.

3. LEONARDO da Vinci
Hombre de Vitrubio
1492
343 x 245 mm
Gallerie dell'Accademia,
Venice
Se trata de un estudio de
las proporciones del
cuerpo humano, realizado
a partir de los textos del
arquitecto romano Vitruvio
titulados –Vitruvii De
Architectura-, y del que el
dibujo toma su nombre.
Leonardo se representa a
sí mismo desnudo y en dos
posiciones sobreimpresas
de brazos y piernas e
inscrito en un círculo y un
cuadrado.

6. La Última Cena es una pintura realizada para su patrón, el duque Ludovico Sforza
de Milán. Representa la escena de la Última Cena de los últimos días de la vida
de Jesús de Nazaret según narra la Biblia. La pintura está basada en
Juan 13:21, en la cual Jesús anuncia que uno de sus 12 discípulos le
traicionaría. Este cuadro es uno de los más conocidos del mundo. Nunca ha
sido de propiedad privada ni ha sido tasado.

7. Se trata de una pintura mural para el refectorio del monasterio de Santa Maria
delle Grazie, Milán. Desgraciadamente, su empleo experimental del óleo sobre
yeso seco provocó problemas técnicos que condujeron a su rápido deterioro hacia
el año 1500. La mayor parte de la superficie original se ha perdido, a pesar de los
intentos de restauración que ha padecido.

8. No obstante, la grandiosidad de la composición y la penetración fisonómica y
psicológica de los personajes dan una vaga visión de su pasado esplendor.
En la obra podemos apreciar aun los rasgos de estupor, edad, temor y carácter
de los apóstoles en contraste con el blanco del mantel y el colorido de sus
vestimentas. La serenidad de Cristo contrasta con la agitación y el
dinamismo que emana de los apóstoles que se interrogan.

9. LA ESTRUCTURA COMPOSITIVA DE LA ÚLTIMA CENA
Usando la horizontalidad teatral pinta una gran mesa cuadrada, los apóstoles
sentados y dispuestos en grupos de a tres, alineados a ella con Jesucristo
en el medio (majestuoso como un triángulo equilátero) y detrás una sala
grande con ventanas al exterior, viéndose un paisaje montañoso en ellas.
Todo bajo un techo de vigas de madera; todo elaborado con formas
cuadradas: las ventanas, la mesa, la caída del mantel en la mesa, el
techo…

10. Leonardo ilumina la escena con luz artificial a su conveniencia (el refectorio
donde se halla la pintura posee una hilera de ventanas a la izquierda);
prescinde de la iluminación natural que suministrarían las ventanas traseras
y solo la usa para difusamente aureolar la cabeza de Cristo durante este
momento que anuncia la traición de Judas, para dar un contraluz. La visión
desde las ventanas aporta perspectiva y una visión hasta la lejanía por el
paisaje que desde ellas se aprecia.

12. ¿QUIÉN ES MONA LISA?
El retrato de Mona Lisa
puede considerarse, sin lugar
a dudas, como la obra de
este género pictórico más
famosa que existe en el
mundo. Su fama, no
obstante, le ha perjudicado:
la hemos visto tantas veces
reproducida que nos resulta
difícil considerarla como obra
de un ser humano de carne y
hueso.
Parte de su fama
proviene de los puntos aún
no aclarados. Suponemos
que la modelo es Mona
(apócope de Madonna, es
decir, señora) Lisa, nacida en
Florencia el 1479 y casada el
1495 con el marqués de
Giocondo.

14. LEONARDO da Vinci
Virgen de las rocas
1483-86
óleo sobre tabla
199 x 122 cm
Musée du Louvre, Paris
Las figuras y los paisajes
presentan un aire de misterio que
Leonardo consigue difuminando
los contornos de las figuras (la
técnica de el sfumato). La
naturaleza es mudable y fugaz, las
cosas no tienen un perfil nítido.

15. LEONARDO da Vinci
Virgen de las rocas
1495-1508
óleo sobre tabla
189,5 x 120 cm
National Gallery,
Londres
Difuminado de los colores, el
cromatismo varía en función de si se trata
de primeros o segundos planos.
Los fondos se colorean de azules, para
que el aire circule y envuelva las figuras y
los objetos.

17. RAFAEL
Decora varias estancias papales del Vaticano con pinturas al fresco. Destaca
por su concepción espacial, profundidad y amplitud de espacio en que se
mueven sus figuras. Gradación suave de las luces. También destaca por sus
Madonnas y Vírgenes. Pintor excepcional y sumamente prolífico.

18. Considerada como la
culminación del arte
renacentista, es una obra
en la que Rafael, que tenía
26 años, plantea una
ordenación ideal de la
cultura humanista en clave
cristiano-platónica: el saber
humano como
complementario de la
revelación. Así, el ciclo de
los frescos de las
Estancias está consagrado
a la celebración de las
ideas de Verdad, Belleza,
Bien; en la Disputa es la
Verdad revelada por la
religión cristiana la que es
exaltada, en la Escuela de
Atenas lo es la Verdad
racional de la especulación
filosófica.

22. La Escuela de Atenas
(detalle)
Apoyado en un bloque
de mármol,
ensimismado en escribir
en una hoja, se halla el
filósofo pesimista
Heráclito, que se
parece a Miguel Ángel,
quien estaba pintando
por aquellos años la
contigua Capilla Sixtina.

23. RAFAEL
SAGRADA FAMILIA
Expresión humana,
naturalismo y ligera
tensión de los cuerpos.

24. RAFAEL
VIRGEN CON EL NIÑO Y SAN
JUAN
RAFAEL
DESPOSORIOS DE LA VIRGEN

25. Rafael; Cardenal

26. Retrato de Julio II
1511-12
óleo sobre madera
108 x 80,7 cm
National Gallery,
Londres

27. MIGUEL ÁNGEL
BUONARROTI
PINTOR

28. INTERIOR DE LA CAPILLA
SIXTINA
1475-83, 1508-12,
1535-41
La Capilla Sixtina fue levantada
durante el pontificado de Sixto IV
(1471-1484) de donde recibe su
nombre. Tenía dos funciones:
religiosa como Capilla Palatina y
defensiva como puesto avanzado
fortificado del conjunto de edificios
colocados alrededor del patio del
Papagayo que constituían el
núcleo más antiguo de los
palacios
apostólicos. Fue erigida en el
lugar que se levantaba la "Capilla
Magna" del palacio construido
por Nicolás III.

29. La capilla tiene planta
rectangular, sin ábside, midiendo
40'94 m. de largo por 13'41 m. de
ancho siendo su altura de 20'70
m.; está cubierta por una bóveda
de cañón truncada con bovedillas
laterales que corresponden a las
ventanas que iluminan la estancia.
La decoración original
constaba de una bóveda cubierta
por un cielo estrellado decorada
por Piero Matteo d'Amelia,
mientras en las paredes laterales
se ubicarían frescos de los
maestros más importantes de la
época. En la década de 1480 se
llamaría a Perugino para decorar
la pared tras el altar - perdida hoy
por la ubicación del Juicio Final -;
más tarde fueron llegando
Botticelli, Ghirlandaio,
Signorelli y Cosimo Rosselli
con sus respectivos talleres para
ejecutar los frescos dedicados a
Cristo y Moisés.

30. Cuando Julio II accedió al
trono papal en 1503 decidió
enriquecer la decoración de la
bóveda, encargando seis años
más tarde los trabajos a Miguel
Ángel quien empleó tres años
en la realización. Buonarroti
elaboró en tres periodos sus
frescos; el primero entre enero y
septiembre de 1509; el segundo
entre septiembre de 1509 y
septiembre de 1510; y el tercero
y último entre enero y agosto de
1511. Trabajaría sólo, sin
ninguna colaboración de
ayudantes, sin permitir
ningún acceso a la capilla
durante su labor.

31. BOCETOS PARA LA CAPILLA SIXTINA

32. La bóveda, realizada entre 1508 y 1512, presenta una distribución arquitectónica
en la que son adaptados los diferentes personajes de la composición. Parece ser
que Julio II había pensado en una serie de doce Apóstoles como temática de la
bóveda pero fue cambiada para representar diversos asuntos del Antiguo
Testamento, junto a una serie de sibilas y profetas que hablaron de la llegada
de Cristo. En los lunetos sobre las ventanas y en los triángulos por encima de éstos
se situarían los antepasados de Cristo mientras en las pechinas de la bóveda se
narrarían cuatro historias de la salvación del pueblo de Israel.

33. Si hacemos una exposición cronológica de los hechos, en primer término
vemos a Dios separando la luz de las tinieblas, La creación del Sol y los astros,
La separación de tierras y aguas, La creación de Adán, La creación de Eva, El
pecado original y La expulsión del Paraíso terrenal, Sacrificio de Noé, El diluvio
universal y La ebriedad de Noé. Todas estas escenas se encuentran rodeadas
por diferentes figuras desnudas (ignudis), profetas y sibilas. Las diferentes
escenas, que van de pared a pared de la bóveda, están distribuidas en una
decoración arquitectónica de pilastras y entablamentos fingida.

34. El programa iconográfico que observamos en la decoración no surgió del
pintor ya que debió ser consensuado con el pontífice y asesorado por
alguna autoridad teológica, sometiéndose de nuevo a la aprobación definitiva
del Papa. El resultado es una de las obras maestras de la pintura,
recientemente restaurada y limpiada para ofrecer a los espectadores la
maravilla y la fuerza del color en la obra de Miguel Ángel, sin olvidar su
admiración por la anatomía humana desnuda presente en todo el proyecto.

35. La tensión y la fuerza de sus personajes caracteriza la pintura de
Buonarroti, un convencido escultor que se dedica a la pintura por capricho del
Papa Julio II, especulándose con que el artífice indirecto de este cambio de
actividad fueron Bramante y Rafael quienes, celosos del éxito que estaba
cosechando Miguel Ángel, recomendaron al pontífice que Buonarroti
realizara una decoración al fresco, pensando que el resultado iba a ser el
fracaso. Los dos artistas salieron perdiendo con su reto al afianzar Miguel Ángel
su fama en la corte papal debido a su éxito en la Sixtina.

36. LA CREACIÓN DE ADÁN
La Creación de Adán ha marcado la mirada del hombre desde el momento en que
se pintó hasta nuestros días. Esta imagen ha sido determinante en la formación
del arte tal y como hoy lo entendemos, y es considerada la alegoría más
sugerente y poética del origen del ser humano como ser que participa en la
divinidad, sea cual sea ésta.

37. • La Creación de Adán sigue el mismo método de representación que la
Creación de Eva, fingiendo dos planos de realidad, uno de los cuales es la
misma realidad del espectador. Dios, tras haber creado luz y agua, fuego y tierra,
a todos los animales y seres vivos, decide crear un ser a su imagen y semejanza,
crearse de nuevo a sí mismo. Dios llega a la tierra en una nube arrebatada,
rodeado de ángeles y envuelto en turbulencias que crea su mismo poder
irresistible.

39. En tierra, la figura de
Adán ya está modelada,
esperando ser insuflado de
vida. Adán está totalmente
pegado a la tierra, como
surgiendo de ella. Su mano
se levanta débilmente, sin
fuerza propia, sin objetivo. Y
en ese punto el dedo de
Dios concentra toda la
fuerza terrible de la creación
para transmitirla a su
criatura y convertirla en lo
que es. El detalle aislado de
las dos manos resume en sí
mismo el misterio de la
creación, de la vida humana.
Es una interpretación
conmovedora de Miguel
Ángel, que ha hecho de esta
imagen un auténtico
patrimonio de la humanidad.

42. EL PROFETA ISAÍAS
Isaías, profeta de la Pasión, interrumpe
la lectura del libro - que mantiene abierto
con la mano derecha - al ser solicitada su
atención por un angelote situado tras él,
iluminándole el futuro. Este gesto provoca
un acentuado escorzo en la figura del
profeta, aunque sus ojos no se dirijan a su
objetivo, contrastando la tensión de su
cuerpo con su relajación interior. Como
todos sus compañeros, aparece sentado
en un trono de mármol, desafiando la ley
de la gravedad al dotar Miguel Ángel de
soberbia volumetría a todos sus
personajes, considerando el espectador
que en cualquier momento pueden
descender al suelo. La potente
estructura anatómica queda cubierta
con pesados y plegados paños de
brillante colorido que intentan ceñirse al
máximo para ofrecernos la masa
muscular y ósea de la figura como
observamos en el gesto de cruzar las
piernas.

43. LA SIBILA DE DELFOS
Las sibilas eran personajes de la
Antigüedad, de las religiones
paganas previas al cristianismo. Su
papel en la civilización griega fue
de importancia trascendental y
llegaron a influir en las guerras y
los gobiernos de las "polis". La
más famosa de todas ellas fue la
Sibila de Delfos, o Sibila Délfica,
situada en el ombligo del mundo,
que se consideraba Delfos. El
papel de las sibilas era similar al
de los profetas del Antiguo
Testamento. Se consideraba que
poseían poderes adivinatorios y
entre ellas se extendió una
creencia en el fin del mundo y en
la llegada de un salvador, que
los cristianos rápidamente
adaptaron a su Mesías,
extendiendo los anuncios de su
venida incluso al mundo de la
Antigüedad grecorromana.

44. LAS SIBILAS
LA SIBILA DÉLFICA
LA SIBILA ERITREA
Miguel Ángel se había formado
en la Florencia neoplatónica
que pretendía reunir los
conceptos de la filosofía griega
de Platón con las creencias
cristianas, en un intento de hacer
racional y comprensible al
entendimiento la religión.
Miguel Ángel tenía tremendas
dificultades para pintar figuras
femeninas, puesto que solía
simplemente dibujar el cuerpo
musculoso de un atleta y
adosarle dos pechos
femeninos.

45. LOS DESNUDOS
LOS IGNUDI
Los especialistas consideran que
esta figura desnuda que se ubica
sobre la Sibila Pérsica, dentro del
compartimento dedicado a la
Creación del mundo, es el más
dinámico del conjunto al reforzar el
escorzo con las posturas disparadas
de sus miembros. Se piensa que las
fuentes utilizadas por Miguel Ángel
debemos encontrarlas en el grupo
helenístico procedente de la escuela
de Rodas del Laoconte y en el Torso
Belvedere. No hay que olvidar
tampoco sus estudios anatómicos
sobre cadáveres en el monasterio de
San Lorenzo de Florencia, aunque
ello estaba penado por la iglesia y
era práctica prohibida.

48. LUNETO DE LOS PAPAS

49. DETALLE DE LA
DECORACIÓN DEL
MURO

55. LUNETO DE LOS PAPAS

56. DETALLE DE LA
DECORACIÓN DEL
MURO

63. LA EXPULSIÓN DEL PARAISO

65. LAS PINTURAS DE LOS LUNETOS. JUDIT CON LA CABEZA DE
HOLOFERNES, 570 x 970 cm

67. LUNETOS CON LOS ANCESTROS DE CRISTO

69. EL JUICIO FINAL
1537- 41
Fresco,
1370 x 1220 cm
Capilla Sixtina, Vaticano
En la parte frontal de la Capilla,
en la pared del altar, se encuentra
la representación del Juicio Final,
obra que Miguel Ángel realizó una
vez terminada la decoración de la
bóveda entre 1536 y 1545. La
escena está dominada por Cristo,
que se encuentra en actitud de
juzgar con su brazo levantado.
Todos los personajes de la obra
parecen estar envueltos por un
ambiente apocalíptico, que es
penetrado por el dramatismo de
la muerte y la vida.

73. Miguel ángel
se
Autorretrata
en esa piel

75. Detalles del lado izquierdo del Juicio Final (la ascensión al cielo)

80. Detalles del lado derecho del Juicio Final (el descenso al infierno)

88. Parmigianino; Virgen del cuello
largo.
Manierismo

89. Parmigianino; Sagrada
Familia
Manierismo

90. Bronzino; Alegoría
del amor y el
tiempo.

91. Europa
Durero; Autorretrato

92. Durero; Adán

93. Durero; Eva

94. CINQUECENTO
SIGLO XVI
LA ROMA DE LOS PAPAS
Escuela veneciana
importancia del color, del paisaje y del desnudo
femenino
Destacan: Giorgione, Tintoretto, Veronés y Tiziano

95. GIORGIONE: “LA TEMPESTAD”

96. Giorgione; Concierto Campestre

97. TINTORETTO: “EL LAVATORIO DE LOS PIES”

98. VERONÉS: “ LAS BODAS DE CANAA”

99. Veronés; Cena en casa de Levi

100. TIZIANO:”LA BACANAL”

101. Tiziano; La Venus de Urbino

102. Tiziano; Danae

103. TIZIANO
RETRATO DE
“CARLOS V
VENCEDOR DE
MUHLBERG”
Es un gran retratista.
Los elementos de
encuadre adquieren
tanta importancia
como el retratado.
Es también maestro
de las formas blandas
y redondas.
Predilección por los
desnudos infantiles y
femeninos.
Su factura va
haciéndose cada vez
más pastosa, en la
que la mancha parece
deshacer la forma.