Pintura del trecento

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PINTURA DEL TRECENTO: FLORENCIA Y SIENA. 
 
 
En  Italia  la  pintura  del  siglo  XIII  es  tan  importante  como  la  escultura.  En  la 
segunda  mitad  del  siglo  todavía  hay  un  aire  conservador  en  obras  como  la 
cripta de la catedral de Agnani. Mientras que en el resto de Europa la pintura al 
fresco va perdiendo importancia, en Italia se mantiene. Es muy importante el 
culto a la Virgen, que hará que crezca la  colección de iconos de la Virgen en 
Majestad. Igualmente la importancia de San Francisco de Asís da lugar a toda 
una serie de obras que glosan su vida.  
 
Pietro Cavallini se formó con los artistas romanos de mosaicos, y  una de sus  
obras  son  las  pinturas  de  la  iglesia  de  Santa  Cecilia  en  el  Trastévere,  donde 
sigue la estructura del arte bizantino, aunque presta en sus obras una especial 
atención  al  volumen,  adquiriendo  protagonismo  el  contorno  y  la  luz.  Se 
especializa en la creación de crucifijos pintados. En su madurez son importantes 
las  obras  realizadas  en  la  catedral  de  Nápoles.  Domina  el  modelado  de  las 
figuras, monumentales y solemnes, creando sobre todo unas cabezas con mucha 
plasticidad.  
 
Pero el primero de los grandes pintores de la escuela de Florencia es Cimabue, 
de quien se dice que fue el maestro de Giotto. Se le ven influencias de Cavallini, 
y  de  la  única  pieza  que  hay  documentos  de  que  es  obra  suya  sería  una 
representación de San Juan que forma parte de un mosaico en el ábside de la 
catedral de Pisa. De todos modos se le han atribuido obras como la Virgen de 
San Francisco y la Trinidad de los Uffizi en Florencia.  

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Importante es también Duccio,  inspirador de Simone Martín y de los hermanos 
Lorenzetti,  entre  otros.  Es  autor  de  la  Rucellai  Madonna,  una  de  sus  obras 
maestras, y que significa una evolución en la narración a través de la pintura. 
Giotto  tiene  una  mentalidad  que  enlaza  con  los  mercaderes  y  comerciantes 
florentinos, es una artista muy racional y que sabe labrarse una buena fortuna. 
Se inspira en el pasado, tanto neoclásico como bizantino, y siempre fija a sus 
obras  un  marco  arquitectónico.  Conoce  el  cuerpo  humano  y  juega  con  el 
escorzo.  En    la  Madonna  y  el  Niño  modela  las  figuras  de  modo  que  parecen 
esculturas. Sus tipos faciales recuerdan, de hecho, a la escultura gótica. Es capaz 
de reproducir las tres dimensiones. Destaca sobre todo en los frescos, y una de 
sus obras más importantes es la realizada en la llamada Capilla de los Scrovegni 

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de  Padua.  Aquí  podemos  dar  títulos  de  algunos  frescos  como  Joaquín 
expulsado del templo, El Nacimiento de la Virgen, La Resurrección de Lázaro o 
La  Lamentación,  donde  la  explosión  de  color  gradúa la  importancia  de  los 
personajes.  La  técnica  de  Giotto  es  sosegada  y  consigue  el  efecto  deseado  a 
través de la agrupación de figuras o mediante el color o forma de colocar los 
pliegues de los ropajes. Juega además con la arquitectura y los escorzos. 
 
Simone de Martín es el más refinado de todos los pintores de la época. Una de 
sus  obras  más  importantes  es  una  Maiesta  para  el  palacio  de  Siena  y  realiza 
también el retrato del Condottiero. Pero sobre todo destacan los frescos de la 
capilla  de  San  Martín.  En  el  sueño  de  San  Martín  destacan  los  elementos 
arquitectónicos y los detalles textiles de la colcha, tejida a la manera sienesa. El 
retablo de la Anunciación muestra los ideales mezclados del arte gótico y de la 
escuela de Siena, y además muestra que ha asimilado las enseñanzas de Giotto, 

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porque sobre el fondo dorado entre el ángel y la Virgen , se modela el espacio y 
parece que se siente el pavimento de piedra.  
 
Los hermanos Lorenzetti son los iniciadores de la pintura social, puesto que la 
mayoría de sus obras no son de carácter religioso. Los dos están vinculados a la 
escuela  de  Siena  y  el  más  importante  es  Ambroggio, conocido  por  las 
composiciones  que  realiza  para  el  palacio  de  Siena por  encargo  del  comune. 
Una de ellas es la Alegoría del 
Buen  Gobierno,  mostrando  la 
ciudad y sus alrededores, con el 
ir  y  venir  de  comerciantes  y 
agricultores. En la Alegoría del 
Mal  Gobierno  la  pintura  se 
vuelve  más  plana  y  poco 
colorista,  pretendiendo 
transmitir  la  idea  de  tristeza, 
guerra  y  males  en  general  que 
genera  un  mal  gobierno.  Otra 
de sus obras más realistas y una 
de  las  pocas  religiosas  es  la 
Virgen de la Leche.