cezanne vangogh.pdf pintura postimpresionismo
MarceloCassinelli
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Oct 24, 2025
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About This Presentation
cezanne vangogh
Slide Content
DEFINE EL CONCEPTO DE POSTIMPRESIONISMO Y ESPECIFICA LAS
APORTACIONES DE CÉZANNE Y VAN GOGH COMO PRECURSORES
DE LAS GRANDES CORRIENTES ARTÍSTICAS DEL SIGLO XX
APORTACIONES DE CÉZANNE Y VAN GOGH COMO PRECURSORES
DE LAS GRANDES CORRIENTES ARTÍSTICAS DEL SIGLO XX
El término
“Postimpresionismo”
agrupa diversos estilos y
tendencias pictóricas que
desarrollan diferentes
pintores entre 1880 y
principios del siglo XX como
un desarrollo y a la vez como
reacción ante el
impresionismo.
No es un estilo unitario ni
homogéneo, sino que
agrupa a pintores muy
diferentes que, de modo
individual, buscan explorar
nuevas alternativas en la
pintura diferentes de la
visión fugaz del
Impresionismo.
Ellos mismos se perciben
como superadores del
impresionismo.
Cézanne: Bodegón con cortina, 1895 Gauguin: Mujer con flor, 1891
Van Gogh: Detalle de Campo de trigo
con cuervos, 1890
Seurat: detalle de La Parada de circo,
1887-88
“Postimpresionismo”
agrupa diversos estilos y
tendencias pictóricas que
desarrollan diferentes
pintores entre 1880 y
principios del siglo XX como
un desarrollo y a la vez como
reacción ante el
impresionismo.
No es un estilo unitario ni
homogéneo, sino que
agrupa a pintores muy
diferentes que, de modo
individual, buscan explorar
nuevas alternativas en la
pintura diferentes de la
visión fugaz del
Impresionismo.
Ellos mismos se perciben
como superadores del
impresionismo.
Cézanne: Bodegón con cortina, 1895 Gauguin: Mujer con flor, 1891
Van Gogh: Detalle de Campo de trigo
con cuervos, 1890
Seurat: detalle de La Parada de circo,
1887-88
El término “Postimpresionismo”
fue acuñado por el crítico
británico Roger Fry con motivo
de una exposición realizada en
1910 que reunía obras de
autores tan diferentes como
Gauguin, Cézanne, Van Gogh,
Seurat o Signac, cada uno con
un estilo peculiar, pero que
tenían en común el hecho de
haber tenido contacto con el
impresionismo y ser posteriores
al desarrollo del mismo.
Es tan solo una sistematización
historiográfica que agrupa a
pintores muy diferentes que, en
ocasiones, parten del
impresionismo, pero que
derivan hacia visiones
personales muy diferentes de
estos orígenes.
Vincent Van Gogh Paul Cézanne
Paul Gauguin
Georges Seurat
fue acuñado por el crítico
británico Roger Fry con motivo
de una exposición realizada en
1910 que reunía obras de
autores tan diferentes como
Gauguin, Cézanne, Van Gogh,
Seurat o Signac, cada uno con
un estilo peculiar, pero que
tenían en común el hecho de
haber tenido contacto con el
impresionismo y ser posteriores
al desarrollo del mismo.
Es tan solo una sistematización
historiográfica que agrupa a
pintores muy diferentes que, en
ocasiones, parten del
impresionismo, pero que
derivan hacia visiones
personales muy diferentes de
estos orígenes.
Vincent Van Gogh Paul Cézanne
Paul Gauguin
Georges Seurat
Es un término un tanto
impreciso, que engloba a un
grupo de artistas que lo
único que comparten es
una relación un tanto
ambigua con el
Impresionismo:
•Parten de los hallazgos
del impresionismo
(interés por el color,
pincelada suelta, temas
del mundo real…).
•Pero su pintura es
mucho más personal: no
desean plasmar de un
modo pasivo la realidad,
sino que el artista la
reinterpreta, la
reconstruye de acuerdo
con su genio personal.
Gauguin: El mercado, ta Matete, 1892
Cézanne: Manzanas, 1878
impreciso, que engloba a un
grupo de artistas que lo
único que comparten es
una relación un tanto
ambigua con el
Impresionismo:
•Parten de los hallazgos
del impresionismo
(interés por el color,
pincelada suelta, temas
del mundo real…).
•Pero su pintura es
mucho más personal: no
desean plasmar de un
modo pasivo la realidad,
sino que el artista la
reinterpreta, la
reconstruye de acuerdo
con su genio personal.
Gauguin: El mercado, ta Matete, 1892
Cézanne: Manzanas, 1878
Frente al interés único del
impresionismo por captar
la luz, por la impresión
efímera, que condujo a la
desmaterialización de las
formas, a estos pintores les
interesan también otros
aspectos, como el color, el
volumen, la línea… y muy
especialmente en su
capacidad expresiva,
siendo agentes activos en
la recreación de la realidad
que supone la realización
de la obra de arte.
Ya no es una mera visión
objetiva de una impresión
momentánea, sino una
visión particular, subjetiva,
que el artista tiene de la
propia realidad.
Gauguin: El cristo amarillo, 1889
impresionismo por captar
la luz, por la impresión
efímera, que condujo a la
desmaterialización de las
formas, a estos pintores les
interesan también otros
aspectos, como el color, el
volumen, la línea… y muy
especialmente en su
capacidad expresiva,
siendo agentes activos en
la recreación de la realidad
que supone la realización
de la obra de arte.
Ya no es una mera visión
objetiva de una impresión
momentánea, sino una
visión particular, subjetiva,
que el artista tiene de la
propia realidad.
Gauguin: El cristo amarillo, 1889
Estos pintores
rechazan una
pintura basada
meramente en
valores visuales
y en
impresiones
sensoriales.
El cuadro no es
solo la
variación
objetiva de la
luz sino que es
fruto de la
reconstrucción
libre del artista,
que interpreta
la realidad de
un modo
personal, de
acuerdo con su
propio genio
artístico.
Van Gogh: Iglesia de Auvers, 1890
Cézanne: La montaña Sainte-Victoire, 1904
rechazan una
pintura basada
meramente en
valores visuales
y en
impresiones
sensoriales.
El cuadro no es
solo la
variación
objetiva de la
luz sino que es
fruto de la
reconstrucción
libre del artista,
que interpreta
la realidad de
un modo
personal, de
acuerdo con su
propio genio
artístico.
Van Gogh: Iglesia de Auvers, 1890
Cézanne: La montaña Sainte-Victoire, 1904
“Con el postimpresionismo se
creó un nuevo tipo de artista, el
genio individual que vive de su
arte, la personalidad creadora
que plasma su psicología en el
cuadro, gracias a su trazo
singular, al color personal, y a
la recuperación de las formas y
las estructuras, pero con una
nueva lectura.
El color se hace representativo y
subjetivo, no objetivo.
Se representa el color con que
se ve el alma de las cosas.
La realidad se interpreta según
la visión personal del genio
creador.”
https://www.ecured.cu/Postimpresionismo
Cézanne: La montaña Sainte-Victoire , 1905
Gauguin: Arearea, 1892
creó un nuevo tipo de artista, el
genio individual que vive de su
arte, la personalidad creadora
que plasma su psicología en el
cuadro, gracias a su trazo
singular, al color personal, y a
la recuperación de las formas y
las estructuras, pero con una
nueva lectura.
El color se hace representativo y
subjetivo, no objetivo.
Se representa el color con que
se ve el alma de las cosas.
La realidad se interpreta según
la visión personal del genio
creador.”
https://www.ecured.cu/Postimpresionismo
Cézanne: La montaña Sainte-Victoire , 1905
Gauguin: Arearea, 1892
ALGUNAS FRASES SOBRE EL
POSTIMPRESIONISMO:
•El artista no debe reproducir la realidad
sensorial sino interpretarla de acuerdo
con su búsqueda personal.
•El arte se convierte en una experiencia
emocional.
•Desean que su arte fuera más allá de la
mera impresión visual de la fugacidad
de la luz.
•Frente al naturalismo objetivo del
impresionismo, la obra de arte es una
recreación personal del artista.
•Reaccionan frente al deseo de
representar las variaciones fugaces de
la luz y tratan de buscar la expresión, lo
perenne.
•Visión subjetiva del mundo frente a la
objetividad impresionista.
Van Gogh: Terraza de café de noche en Arlés, 1888
POSTIMPRESIONISMO:
•El artista no debe reproducir la realidad
sensorial sino interpretarla de acuerdo
con su búsqueda personal.
•El arte se convierte en una experiencia
emocional.
•Desean que su arte fuera más allá de la
mera impresión visual de la fugacidad
de la luz.
•Frente al naturalismo objetivo del
impresionismo, la obra de arte es una
recreación personal del artista.
•Reaccionan frente al deseo de
representar las variaciones fugaces de
la luz y tratan de buscar la expresión, lo
perenne.
•Visión subjetiva del mundo frente a la
objetividad impresionista.
Van Gogh: Terraza de café de noche en Arlés, 1888
; …
Todos ellos reaccionan frente al deseo de reflejar fielmente la luz y la naturaleza del
Impresionismo pero muestran una visión personal muy diferente :
Cézanne: Recuperación de las formas de los
objetos, visión múltiple, geometrización, planos,
volumen…
Gauguin: uso libre y simbólico del color,
primitivismo, recuperación de la línea y manchas
de color…
Van Gogh: uso expresivo y personal del color y la
pincelada para transmitir las emociones…
Toulouse Lautrec: Interés por recuperar el dibujo
y la expresión…
Todos ellos reaccionan frente al deseo de reflejar fielmente la luz y la naturaleza del
Impresionismo pero muestran una visión personal muy diferente :
Cézanne: Recuperación de las formas de los
objetos, visión múltiple, geometrización, planos,
volumen…
Gauguin: uso libre y simbólico del color,
primitivismo, recuperación de la línea y manchas
de color…
Van Gogh: uso expresivo y personal del color y la
pincelada para transmitir las emociones…
Toulouse Lautrec: Interés por recuperar el dibujo
y la expresión…
Recuperan la importancia de la forma, del
dibujo, de la línea y del color, frente al mero
interés por la luz y disolución de las formas
de los impresionistas.
Si bien no hay unas características que todos éstos pintores compartan, con carácter
general:
Gauguin: El cristo amarillo, 1889
Cézanne: Mme. Cézanne, 1877
dibujo, de la línea y del color, frente al mero
interés por la luz y disolución de las formas
de los impresionistas.
Si bien no hay unas características que todos éstos pintores compartan, con carácter
general:
Gauguin: El cristo amarillo, 1889
Cézanne: Mme. Cézanne, 1877
Frente al color objetivo del instante
impresionista, predominará un uso
subjetivo, simbólico y expresivo del color.Gauguin: Montañas tahitianas, 1893
Van Gogh: Interior de café nocturno, 1888
impresionista, predominará un uso
subjetivo, simbólico y expresivo del color.Gauguin: Montañas tahitianas, 1893
Van Gogh: Interior de café nocturno, 1888
Recuperación de la
expresividad frente a la fría
objetividad de las meras
variaciones de la luz a lo
largo del día.
Van Gogh: Retrato del Doctor Gachet, 1890
Van Gogh: Noche estrellada, 1889,
expresividad frente a la fría
objetividad de las meras
variaciones de la luz a lo
largo del día.
Van Gogh: Retrato del Doctor Gachet, 1890
Van Gogh: Noche estrellada, 1889,
En sus temas,
siguen
manteniendo
el contacto
con la
realidad, pero
a diferencia de
los
impresionistas
-junto con el
paisaje,-
abundarán
otros temas,
abundando los
retratos,
naturalezas
muertas,
escenas de
ambientes
lejanos,
exóticos,
temas
simbólicos…
Van Gogh: El cartero Roulin, 1888
Gauguin: ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?, 1897
Cézanne: Naturaleza muerta con manzanas, 1895-98
siguen
manteniendo
el contacto
con la
realidad, pero
a diferencia de
los
impresionistas
-junto con el
paisaje,-
abundarán
otros temas,
abundando los
retratos,
naturalezas
muertas,
escenas de
ambientes
lejanos,
exóticos,
temas
simbólicos…
Van Gogh: El cartero Roulin, 1888
Gauguin: ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?, 1897
Cézanne: Naturaleza muerta con manzanas, 1895-98
Estos pintores
renunciarán a
métodos y técnicas
tradicionales que
se habían
impuesto desde el
Renacimiento,
obviando
la perspectiva, el
claroscuro, el
modelado y el
volumen.
En algunos casos
estos artistas se
inspirarán en las
artes de
civilizaciones
exóticas o
primitivas,
del arte egipcio o
del medieval.
Gauguin: El mercado, ta Matete, 1892
Gauguin: El cristo amarillo, 1889
renunciarán a
métodos y técnicas
tradicionales que
se habían
impuesto desde el
Renacimiento,
obviando
la perspectiva, el
claroscuro, el
modelado y el
volumen.
En algunos casos
estos artistas se
inspirarán en las
artes de
civilizaciones
exóticas o
primitivas,
del arte egipcio o
del medieval.
Gauguin: El mercado, ta Matete, 1892
Gauguin: El cristo amarillo, 1889
El ámbito
geográfico
en que
desarrollan
su pintura
también es
diferente:
No solo París
y sus
alrededores,
sino otras
regiones de
Francia
(Provenza,
Bretaña) e
incluso la
lejana
Polinesia.
Gauguin: Campesinas bretonas, 1894
Van Gogh: Campo de trigo con cipreses, 1889
Gauguin: La Orana María, 1891
geográfico
en que
desarrollan
su pintura
también es
diferente:
No solo París
y sus
alrededores,
sino otras
regiones de
Francia
(Provenza,
Bretaña) e
incluso la
lejana
Polinesia.
Gauguin: Campesinas bretonas, 1894
Van Gogh: Campo de trigo con cipreses, 1889
Gauguin: La Orana María, 1891
Muchos de estos
pintores, con su estilo
“personal” no fueron
comprendidos por el
público de su tiempo y
sus cuadros fueron
rechazados.
Sin embargo, tendrán
enorme Influencia en
las vanguardias del
siglo XX.
A través de sus
innovaciones, estos
pintores abren el
camino de la
renovación pictórica
que supondrán los
movimientos
artísticos de
vanguardia: cubismo,
fauvismo,
expresionismo.
CUBISMO
EXPRESIONISM
O
FAUVISMO
CÉZANNE
VAN GOGH
GAUGUIN
pintores, con su estilo
“personal” no fueron
comprendidos por el
público de su tiempo y
sus cuadros fueron
rechazados.
Sin embargo, tendrán
enorme Influencia en
las vanguardias del
siglo XX.
A través de sus
innovaciones, estos
pintores abren el
camino de la
renovación pictórica
que supondrán los
movimientos
artísticos de
vanguardia: cubismo,
fauvismo,
expresionismo.
CUBISMO
EXPRESIONISM
O
FAUVISMO
CÉZANNE
VAN GOGH
GAUGUIN
Entre los pintores
expresionistas,
suele incluirse a
personalidades
individuales, como
Cézanne, Van
Gogh y Gauguin,
así como a los
pintores llamados
Neoimpresionista
s (Seurat, Signac) y
a un pintor que
tiene también
rasgos
modernistas como
Toulouse- Lautrec.
CÉZANNE
VAN GOGH
GAUGUIN
NEOIMPRESIONISMO:
SEURAT, SIGNAC
TOULOUSE-
LAUTREC
expresionistas,
suele incluirse a
personalidades
individuales, como
Cézanne, Van
Gogh y Gauguin,
así como a los
pintores llamados
Neoimpresionista
s (Seurat, Signac) y
a un pintor que
tiene también
rasgos
modernistas como
Toulouse- Lautrec.
CÉZANNE
VAN GOGH
GAUGUIN
NEOIMPRESIONISMO:
SEURAT, SIGNAC
TOULOUSE-
LAUTREC
Neoimpresionismo
A mitad de los años
80, algunos pintores
desean llevar a las
últimas
consecuencias los
principios del
impresionismo,
superándolo,
especialmente de
acuerdo con lo
relacionado con las
teorías científicas
de la percepción del
color.
Georges Seurat:
La Torre Eiffel,
1889
Artistas como Georges Seurat y Paul Signac
(en algunos momentos, Pissarro) se esfuerzan
por conseguir reflejar el color, pero sin perder
las formas y el volumen, que se habían diluido
con el Impresionismo.
A mitad de los años
80, algunos pintores
desean llevar a las
últimas
consecuencias los
principios del
impresionismo,
superándolo,
especialmente de
acuerdo con lo
relacionado con las
teorías científicas
de la percepción del
color.
Georges Seurat:
La Torre Eiffel,
1889
Artistas como Georges Seurat y Paul Signac
(en algunos momentos, Pissarro) se esfuerzan
por conseguir reflejar el color, pero sin perder
las formas y el volumen, que se habían diluido
con el Impresionismo.
De acuerdo con los estudios
científicos sobre el color,
dividen los diferentes tonos
en sus colores básicos ,
utilizando pequeños puntos o
pinceladas de color que se
ponen unas junto a otras, sin
mezclarse ni superponerse.
Con la visión en la distancia, el
espectador recompone las
manchas de color y realiza la
mezcla óptica de los
componentes del color,
recreando los diversos
colores, formas y tonalidades.
El pintor analiza y
descompone la realidad en las
pequeñas manchas de color y
el espectador reconstruye
sintéticamente las formas y
los colores.
Paul Signac: Retrato de Felix Fénéon, 1890
científicos sobre el color,
dividen los diferentes tonos
en sus colores básicos ,
utilizando pequeños puntos o
pinceladas de color que se
ponen unas junto a otras, sin
mezclarse ni superponerse.
Con la visión en la distancia, el
espectador recompone las
manchas de color y realiza la
mezcla óptica de los
componentes del color,
recreando los diversos
colores, formas y tonalidades.
El pintor analiza y
descompone la realidad en las
pequeñas manchas de color y
el espectador reconstruye
sintéticamente las formas y
los colores.
Paul Signac: Retrato de Felix Fénéon, 1890
Georges Seurat:
Actuación circense,
1888
Actuación circense,
1888
Estos artistas renuncian a la pintura al aire libre y componen laboriosamente sus cuadros en el
estudio, pues deben descomponer las formas y colores de un modo analítico y posteriormente
aplicar sus pequeñas pinceladas de colores.
También suelen realizar grandes composiciones, necesarias para conseguir los efectos deseados
mediante la distancia.
Georges Seurat: Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, 1884-86
estudio, pues deben descomponer las formas y colores de un modo analítico y posteriormente
aplicar sus pequeñas pinceladas de colores.
También suelen realizar grandes composiciones, necesarias para conseguir los efectos deseados
mediante la distancia.
Georges Seurat: Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, 1884-86
Escena de ocio típica de la época, como los impresionistas
Georges Seurat: Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, 1884-86
Mujer que lleva un
mono, símbolo de
lujuria: ¿insinúa
que las mujeres
representadas son
prostitutas y esta es
la amante del
burgués que la lleva
del brazo?
¿Singuesse-
Prostitute?
Figuras estáticas,
parecen congeladas
Aspecto vibrante, por
la técnica de aplicar el
color en pequeñas
manchas
Aunque no
emplea líneas,
reconstruye las
formas mediante
los puntos de
color
Formas
simplificadas
Cuadro de grandes dimensiones (2,08 x 3,08 m) el óleo sobre lienzo
blanco para destacar los puntos de color y pintado en estudio y que le
costó dos años realizar (34 cuadros preparatorios, más 29 dibujos)
¿Soldados en
busca de las
prostitutas?
Composición
simétrica marcada
por la mujer de la
sombrilla
Contraste de
primer plano
en sombra y
fondo
iluminado.
Interés en el
estudio de la
luz
Composición
mediante
yuxtaposición
de pequeños
puntos de
color
Composición
en la que
contrastan
líneas
horizontales
y verticales
(figuras,
árboles)
Foco de
perspectiva
¿Otras dos
prostitutas? ¿Una
mujer que
pesca… (peces,
hombres)?
Ficción de marco
creado con puntos
de color
Georges Seurat: Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, 1884-86
Mujer que lleva un
mono, símbolo de
lujuria: ¿insinúa
que las mujeres
representadas son
prostitutas y esta es
la amante del
burgués que la lleva
del brazo?
¿Singuesse-
Prostitute?
Figuras estáticas,
parecen congeladas
Aspecto vibrante, por
la técnica de aplicar el
color en pequeñas
manchas
Aunque no
emplea líneas,
reconstruye las
formas mediante
los puntos de
color
Formas
simplificadas
Cuadro de grandes dimensiones (2,08 x 3,08 m) el óleo sobre lienzo
blanco para destacar los puntos de color y pintado en estudio y que le
costó dos años realizar (34 cuadros preparatorios, más 29 dibujos)
¿Soldados en
busca de las
prostitutas?
Composición
simétrica marcada
por la mujer de la
sombrilla
Contraste de
primer plano
en sombra y
fondo
iluminado.
Interés en el
estudio de la
luz
Composición
mediante
yuxtaposición
de pequeños
puntos de
color
Composición
en la que
contrastan
líneas
horizontales
y verticales
(figuras,
árboles)
Foco de
perspectiva
¿Otras dos
prostitutas? ¿Una
mujer que
pesca… (peces,
hombres)?
Ficción de marco
creado con puntos
de color
Por su técnica
de dividir los
componentes
del color,
también se le
ha llamado
Divisionismo.
Por su modo
de aplicar el
color
mediante
pequeños
puntos o
manchas
yuxtapuestas,
también se le
ha llamado
Puntillismo.
de dividir los
componentes
del color,
también se le
ha llamado
Divisionismo.
Por su modo
de aplicar el
color
mediante
pequeños
puntos o
manchas
yuxtapuestas,
también se le
ha llamado
Puntillismo.
Consiguen
recuperar la
sensación de la
forma y el
volumen, pero
de un modo
extraño,
artificial,
geometrizante,
consecuencia
de la técnica
empleada, que
aporta a las
obras una
sensación de
cierto
estatismo y
rigidez.
Georges Seurat: Las modelos, 1884-86
recuperar la
sensación de la
forma y el
volumen, pero
de un modo
extraño,
artificial,
geometrizante,
consecuencia
de la técnica
empleada, que
aporta a las
obras una
sensación de
cierto
estatismo y
rigidez.
Georges Seurat: Las modelos, 1884-86
INTERÉS POR LOS BAJOS FONDOS
TOULOUSE-LAUTREC
PRECEDENTE DEL ART
NOUVEAU
AMBIENTES CERRADOS, ILUMINADOS
CON LUZ ARTIFICIAL, QUE LE
PERMITÍAN JUGAR CON LOS COLORES
Y ENCUADRES DE FORMA SUBJETIVA
CREACIÓN DE COMPOSICIONES
SIMPLIFICADAS Y ESTÁTICAS, BUSCANDO
LA ARMONÍA DE LAS MASAS CROMÁTICAS
ENCERRADAS EN PERFILES BIEN CEÑIDOS
UTILIZACIÓN DE COLORES
PUROS MODULADOS
INTERÉS POR LO EXÓTICO
PRECEDENTE DEL MOVIMIENTO
NABÍ Y DEL FAUVISMO
GAUGUIN
UTILIZACIÓN DE COLORES PUROS
CON GRAN CARGA EMOTIVA
CREACIONES IMAGINATIVAS A BASE DE
PINCELADAS CURSIVAS QUE INTENTAN EXPRESAR
LA ANGUSTIA Y EL DESCONSUELO INTERIOR
PRECEDENTE DEL
FAUVISMO Y DEL
EXPRESIONISMO
VAN GOGH
CONCILIACIÓN ENTRE EFECTO VOLUMÉTRICO
(FRENTE AL FULGOR LUMINOSO IMPRESIONISTA
QUE CASI HABÍA DESMATERIALIZADO LAS
FORMAS) Y EL GUSTO PURAMENTE ESTÉTICO
CONCEPCIÓN DEL CUADRO A BASE DE
CUERPOS RIGUROSAMENTE GEOMÉTRICOS
EMPLEO DE COLORES CONTRASTADOS
PARA DEFINIR LOS PLANOS Y FORMAS
EFECTOS PICTÓRICOS BASADOS EN BÚSQUEDAS
ESTRUCTURALES, ESPACIALES Y CROMÁTICAS
PRECEDENTE DEL CUBISMO
CÉZANNE
MATICES DE DIFERENCIA
TOULOUSE-LAUTREC
PRECEDENTE DEL ART
NOUVEAU
AMBIENTES CERRADOS, ILUMINADOS
CON LUZ ARTIFICIAL, QUE LE
PERMITÍAN JUGAR CON LOS COLORES
Y ENCUADRES DE FORMA SUBJETIVA
CREACIÓN DE COMPOSICIONES
SIMPLIFICADAS Y ESTÁTICAS, BUSCANDO
LA ARMONÍA DE LAS MASAS CROMÁTICAS
ENCERRADAS EN PERFILES BIEN CEÑIDOS
UTILIZACIÓN DE COLORES
PUROS MODULADOS
INTERÉS POR LO EXÓTICO
PRECEDENTE DEL MOVIMIENTO
NABÍ Y DEL FAUVISMO
GAUGUIN
UTILIZACIÓN DE COLORES PUROS
CON GRAN CARGA EMOTIVA
CREACIONES IMAGINATIVAS A BASE DE
PINCELADAS CURSIVAS QUE INTENTAN EXPRESAR
LA ANGUSTIA Y EL DESCONSUELO INTERIOR
PRECEDENTE DEL
FAUVISMO Y DEL
EXPRESIONISMO
VAN GOGH
CONCILIACIÓN ENTRE EFECTO VOLUMÉTRICO
(FRENTE AL FULGOR LUMINOSO IMPRESIONISTA
QUE CASI HABÍA DESMATERIALIZADO LAS
FORMAS) Y EL GUSTO PURAMENTE ESTÉTICO
CONCEPCIÓN DEL CUADRO A BASE DE
CUERPOS RIGUROSAMENTE GEOMÉTRICOS
EMPLEO DE COLORES CONTRASTADOS
PARA DEFINIR LOS PLANOS Y FORMAS
EFECTOS PICTÓRICOS BASADOS EN BÚSQUEDAS
ESTRUCTURALES, ESPACIALES Y CROMÁTICAS
PRECEDENTE DEL CUBISMO
CÉZANNE
MATICES DE DIFERENCIA
Paul Cézanne
Tuvo una vida acomodada, que le
permitió dedicarse a la pintura,
básicamente en su taller de Aix-en-
Provence y a veces en París. Tenía
una personalidad un tanto huraña y
vivió bastante aislado.
Formó parte inicialmente del grupo
de los Impresionistas, pero desde
muy pronto trató de desarrollar
una pintura personal que superase
las limitaciones de aquella
tendencia.
Su obra no fue reconocida hasta
después de su muerte.
Se le considera como uno de los
antecesores del cubismo.
“Pintar no significa copiar el objeto,
sino realizar sensaciones coloreadas".
Cézanne: Autorretrato con paleta, 1890
Tuvo una vida acomodada, que le
permitió dedicarse a la pintura,
básicamente en su taller de Aix-en-
Provence y a veces en París. Tenía
una personalidad un tanto huraña y
vivió bastante aislado.
Formó parte inicialmente del grupo
de los Impresionistas, pero desde
muy pronto trató de desarrollar
una pintura personal que superase
las limitaciones de aquella
tendencia.
Su obra no fue reconocida hasta
después de su muerte.
Se le considera como uno de los
antecesores del cubismo.
“Pintar no significa copiar el objeto,
sino realizar sensaciones coloreadas".
Cézanne: Autorretrato con paleta, 1890
Sus principales temas fueron
los paisajes, los bodegones
y retratos (muchos de su
mujer), que repetía una y
otra vez, tratando de
reconstruir la forma -que los
impresionistas habían
diluido- a través del color.
También realizó al final de su vida varias series de bañistas.
los paisajes, los bodegones
y retratos (muchos de su
mujer), que repetía una y
otra vez, tratando de
reconstruir la forma -que los
impresionistas habían
diluido- a través del color.
También realizó al final de su vida varias series de bañistas.
En su obra, frente a la
impresión fugaz del
Impresionismo, tratará
de buscar lo
permanente en la
realidad, su
estructura, su forma.
Trata de recuperar la
forma, que el
impresionismo había
desmaterializado.
No pretende
representar la
realidad, sino
reconstruirla, y para
ello la simplifica y la
descompone en sus
formas geométricas
más simples: prismas,
cubos, esferas,
pirámides…
«Quiero hacer del impresionismo algo sólido y perdurable como el
arte de los museos.»
«Todo en la naturaleza se modela según la esfera, el cono, el cilindro.
Hay que aprender a pintar sobre la base de estas figuras simples;
después se podrá hacer todo lo que se quiera.»
Cézanne: Montaña Sainte Victoire, 1885
impresión fugaz del
Impresionismo, tratará
de buscar lo
permanente en la
realidad, su
estructura, su forma.
Trata de recuperar la
forma, que el
impresionismo había
desmaterializado.
No pretende
representar la
realidad, sino
reconstruirla, y para
ello la simplifica y la
descompone en sus
formas geométricas
más simples: prismas,
cubos, esferas,
pirámides…
«Quiero hacer del impresionismo algo sólido y perdurable como el
arte de los museos.»
«Todo en la naturaleza se modela según la esfera, el cono, el cilindro.
Hay que aprender a pintar sobre la base de estas figuras simples;
después se podrá hacer todo lo que se quiera.»
Cézanne: Montaña Sainte Victoire, 1885
https://es.slideshare.net/Manuelguillnguerrero/133-postimpresionismo-simbolismo-nabis-48663135
Combina un
ángulo de
visión alto en
la mesa, con
uno frontal
en el resto
de
elementos y
objetos.
Combina un
ángulo de
visión alto en
la mesa, con
uno frontal
en el resto
de
elementos y
objetos.
DEPARTAMENTO DE CIENCIAS SOCIALES – HISTORIA DEL ARTE
Copyright Colegio Escolapias Gandia [email protected]
www.escolapiasgandia.es
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Es una clara reacción
contra la
desmaterialización
producida por la luz
impresionista.
Construye las masas
y los volúmenes
mediante el color,
renunciando al
modelado
tradicional.
Los contornos aíslan
las figuras del fondo
y contribuyen a
acentuar la
sensación
volumétrica.
Cézanne: Los jugadores de cartas, 1892-93
contra la
desmaterialización
producida por la luz
impresionista.
Construye las masas
y los volúmenes
mediante el color,
renunciando al
modelado
tradicional.
Los contornos aíslan
las figuras del fondo
y contribuyen a
acentuar la
sensación
volumétrica.
Cézanne: Los jugadores de cartas, 1892-93
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Cézanne: Los jugadores de cartas, 1892-93
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PINCELADA
PINCELADA
PINCELADA
Claseshistoria
Historia del Arte
© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Paul Cézanne
Los jugadores de cartas
Claridad geométrica:
Se reducen las formas
a conos, cilindros y esferas
Pinceladas cortas
en la dirección de cada
objeto (perpendiculares,
diagonales)
Perspectiva invertida. Los
objetos avanzan desde el fondo
hacia nosotros
cinco versiones del
mismo tema
Composición equilibrada
pero con ligera asimetría
Botella como eje
central levemente
desplazada a un
lado
Personaje joven y
corpulento aparece
cortado
Personaje maduro
(parece que jardinero
de su padre) aparece
completo con un pequeño
espacio detrás
Líneas de contorno
muy marcadas, delimitan
figuras, dotándolas de
protagonismo al margen
del espacio (aíslan del
entorno)
Simbología: cartas más
claras = triunfo
Sombras violáceas
Predominio de colores
cálidos
Protagonismo de la mesa
y manos enfrentadas
Claseshistoria
Historia del Arte
© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Paul Cézanne
Los jugadores de cartas
Claridad geométrica:
Se reducen las formas
a conos, cilindros y esferas
Pinceladas cortas
en la dirección de cada
objeto (perpendiculares,
diagonales)
Perspectiva invertida. Los
objetos avanzan desde el fondo
hacia nosotros
cinco versiones del
mismo tema
Composición equilibrada
pero con ligera asimetría
Botella como eje
central levemente
desplazada a un
lado
Personaje joven y
corpulento aparece
cortado
Personaje maduro
(parece que jardinero
de su padre) aparece
completo con un pequeño
espacio detrás
Líneas de contorno
muy marcadas, delimitan
figuras, dotándolas de
protagonismo al margen
del espacio (aíslan del
entorno)
Simbología: cartas más
claras = triunfo
Sombras violáceas
Predominio de colores
cálidos
Protagonismo de la mesa
y manos enfrentadas
En algunos casos,
tanto su intento de
geometrización, como
su pincelada en planos
amplios de color,
conducirá a la práctica
desaparición de las
formas naturales,
abriendo el camino al
cubismo y a la
abstracción, como se
observa en algunas de
sus numerosísimas
vistas de la montaña
Santa Victoria.
Las formas y los
colores comienzan a
fundirse en una trama
geométrica que
rompe el tradicional
espacio tridimensional
de la pintura clásica.
Cezanne: Mont
Sainte-Victoire visto
desde Les Lauves,
1902-06
Cezanne: Mont
Sainte-Victoire,
1904-06
tanto su intento de
geometrización, como
su pincelada en planos
amplios de color,
conducirá a la práctica
desaparición de las
formas naturales,
abriendo el camino al
cubismo y a la
abstracción, como se
observa en algunas de
sus numerosísimas
vistas de la montaña
Santa Victoria.
Las formas y los
colores comienzan a
fundirse en una trama
geométrica que
rompe el tradicional
espacio tridimensional
de la pintura clásica.
Cezanne: Mont
Sainte-Victoire visto
desde Les Lauves,
1902-06
Cezanne: Mont
Sainte-Victoire,
1904-06
El color es el que,
con sus pinceladas,
crea las formas y el
volumen, pero –
como los
impresionistas-
renuncia a las
graduaciones
cromáticas y al
claroscuro.
Aunque el color es
fundamental,
recupera el uso del
contorno,
desaparecido con
el impresionismo.
Le interesan las relaciones
entre la forma y el color y
para ello subraya las
formas mediante el color,
en vez de diluirlas como los
impresionistas
con sus pinceladas,
crea las formas y el
volumen, pero –
como los
impresionistas-
renuncia a las
graduaciones
cromáticas y al
claroscuro.
Aunque el color es
fundamental,
recupera el uso del
contorno,
desaparecido con
el impresionismo.
Le interesan las relaciones
entre la forma y el color y
para ello subraya las
formas mediante el color,
en vez de diluirlas como los
impresionistas
Cezanne: La
cantera de Bibémus,
1898-99
cantera de Bibémus,
1898-99
Suele emplear una técnica metódica y rigurosa:
Pincelada de manchas rectangulares muy características, paralelas, uniformes, normalmente
oblicuas, creando una especie de planos de color, que dan a su pintura un cierto aspecto
facetado.
Pincelada de manchas rectangulares muy características, paralelas, uniformes, normalmente
oblicuas, creando una especie de planos de color, que dan a su pintura un cierto aspecto
facetado.
En sus bodegones,
además de la
reconstrucción de las
formas mediante la
simplificación
geométrica, se percibe un
avance más en la
destrucción de la
perspectiva renacentista,
llegando a representar
simultáneamente
diferentes objetos
contemplados desde
diferentes puntos de
vista.
Al introducir en el mismo
cuadro diferentes
encuadres y puntos de
vista, se le considera un
precedente del cubismo.
https://es.slideshare.net/Manuelguillnguerrero/133-postimpresionismo-simbolismo-nabis-48663135
además de la
reconstrucción de las
formas mediante la
simplificación
geométrica, se percibe un
avance más en la
destrucción de la
perspectiva renacentista,
llegando a representar
simultáneamente
diferentes objetos
contemplados desde
diferentes puntos de
vista.
Al introducir en el mismo
cuadro diferentes
encuadres y puntos de
vista, se le considera un
precedente del cubismo.
https://es.slideshare.net/Manuelguillnguerrero/133-postimpresionismo-simbolismo-nabis-48663135
Cezanne: Manzanas y naranjas, 1899
Recupera y reconstruye las formas y su volumen mediante el color (manchas de colores
intensos contrastados), el dibujo y la simplificación geométrica.
Introduce diferentes encuadres y perspectivas de modo simultáneo en los objetos del
lienzo: las manzanas y la mesa vistos desde arriba; las naranjas del frutero y la jarra,
vistas de frente. Desaparece la perspectiva tradicional y el espacio parece comprimirse.
Recupera y reconstruye las formas y su volumen mediante el color (manchas de colores
intensos contrastados), el dibujo y la simplificación geométrica.
Introduce diferentes encuadres y perspectivas de modo simultáneo en los objetos del
lienzo: las manzanas y la mesa vistos desde arriba; las naranjas del frutero y la jarra,
vistas de frente. Desaparece la perspectiva tradicional y el espacio parece comprimirse.
Sus retratos y las
bañistas de su
época final
muestran también
una cada vez
mayor estilización y
simplificación
geométrica de la
forma, que tanto le
interesaba.
Sus rostros casi
parecen máscaras
de arte primitivo,
inexpresivas, en el
que tan
interesados
estaban los artistas
en el tránsito del
siglo XIX y XX y que
tendrán tanta
influencia en el
cubismo.
Cezanne: Las grandes bañistas, 1906
Retratos de
Mme.
Cezanne
bañistas de su
época final
muestran también
una cada vez
mayor estilización y
simplificación
geométrica de la
forma, que tanto le
interesaba.
Sus rostros casi
parecen máscaras
de arte primitivo,
inexpresivas, en el
que tan
interesados
estaban los artistas
en el tránsito del
siglo XIX y XX y que
tendrán tanta
influencia en el
cubismo.
Cezanne: Las grandes bañistas, 1906
Retratos de
Mme.
Cezanne
Vincent van Gogh
Nace en Holanda y desde joven
muestra un carácter inquieto e
inestable.
Buscará encontrarse a sí mismo,
primero en la religión (llegará a
ser misionero en pueblos
mineros) y posteriormente en la
pintura, a la que se podrá dedicar
por completo por el apoyo de su
hermano Theo.
De carácter atormentado, sufrió
ataques de locura y se internó en
un manicomio. Al final, ¿se
suicidó? a los 37 años.
Su pintura no será comprendida
en su tiempo (vendió solo un
cuadro).
Se convertirá en un predecesor
del expresionismo.
Van Gogh: Autorretrato, 1889
« No puedo cambiar el hecho de que mis cuadros
no se vendan. Sin embargo, el tiempo hará que la
gente reconozca que mis cuadros valen más que el
valor de las pinturas utilizadas en él.»
Nace en Holanda y desde joven
muestra un carácter inquieto e
inestable.
Buscará encontrarse a sí mismo,
primero en la religión (llegará a
ser misionero en pueblos
mineros) y posteriormente en la
pintura, a la que se podrá dedicar
por completo por el apoyo de su
hermano Theo.
De carácter atormentado, sufrió
ataques de locura y se internó en
un manicomio. Al final, ¿se
suicidó? a los 37 años.
Su pintura no será comprendida
en su tiempo (vendió solo un
cuadro).
Se convertirá en un predecesor
del expresionismo.
Van Gogh: Autorretrato, 1889
« No puedo cambiar el hecho de que mis cuadros
no se vendan. Sin embargo, el tiempo hará que la
gente reconozca que mis cuadros valen más que el
valor de las pinturas utilizadas en él.»
Su formación autodidacta,
su trayectoria vital , su
espiritualidad y su visión
personal de la vida
originarán una pintura
personalísima de enorme
expresividad.
Parte de la realidad, pero
su pintura se convierte en
un medio de expresión de
sus sentimientos, a través
del empleo de todos los
recursos pictóricos: el
color, la luz, la pincelada,
la deformación
expresiva….
La pintura se convertirá en
un medio de expresión de
su personalidad
atormentada.
Van Gogh: Campo de trigo con cipreses, 1889
“Las pinturas tienen una vida propia que se deriva del alma
del pintor.”
su trayectoria vital , su
espiritualidad y su visión
personal de la vida
originarán una pintura
personalísima de enorme
expresividad.
Parte de la realidad, pero
su pintura se convierte en
un medio de expresión de
sus sentimientos, a través
del empleo de todos los
recursos pictóricos: el
color, la luz, la pincelada,
la deformación
expresiva….
La pintura se convertirá en
un medio de expresión de
su personalidad
atormentada.
Van Gogh: Campo de trigo con cipreses, 1889
“Las pinturas tienen una vida propia que se deriva del alma
del pintor.”
En su primera etapa, influido
por su espiritualismo, y
religiosidad realiza algunas
pinturas conectadas con el
Realismo.
Son cuadros muy oscuros, en
ambientes sombríos, con
escenas en las que denuncia
la miseria de las clases más
desfavorecidas.
No obstante, frente a un
realismo objetivo, Van Gogh
trata de acentuar la
expresividad de sus escenas
mediante el uso de la luz (al
estilo de los pintores barrocos
holandeses) y mediante la
deformación expresiva de los
personajes, casi
caricaturizando, al estilo de
Daumier.
Van Gogh: Los comedores de patatas, 1885
por su espiritualismo, y
religiosidad realiza algunas
pinturas conectadas con el
Realismo.
Son cuadros muy oscuros, en
ambientes sombríos, con
escenas en las que denuncia
la miseria de las clases más
desfavorecidas.
No obstante, frente a un
realismo objetivo, Van Gogh
trata de acentuar la
expresividad de sus escenas
mediante el uso de la luz (al
estilo de los pintores barrocos
holandeses) y mediante la
deformación expresiva de los
personajes, casi
caricaturizando, al estilo de
Daumier.
Van Gogh: Los comedores de patatas, 1885
Viaja a París en 1886 y toma
contacto con los impresionistas
(y divisionistas) y queda
deslumbrado por su luz y por su
técnica.
Se apasiona por el uso de los
colores luminosos y brillantes y
su paleta se aclarará.
También experimenta con la
teoría del color, con sus
contrastes, con la
complementariedad…
Comenzará a emplear una
pincelada empastada, en toques
cortos, muy expresiva.
A partir de ahora olvidará los
temas populares y se centrará
en el paisaje y en el retrato.
Van Gogh: El Restaurante de la Sirene en Asnieres, 1887
contacto con los impresionistas
(y divisionistas) y queda
deslumbrado por su luz y por su
técnica.
Se apasiona por el uso de los
colores luminosos y brillantes y
su paleta se aclarará.
También experimenta con la
teoría del color, con sus
contrastes, con la
complementariedad…
Comenzará a emplear una
pincelada empastada, en toques
cortos, muy expresiva.
A partir de ahora olvidará los
temas populares y se centrará
en el paisaje y en el retrato.
Van Gogh: El Restaurante de la Sirene en Asnieres, 1887
«Estaba buscando contrastes
a través del naranja y el azul,
el rojo y el verde, el amarillo y
el violeta; buscando tonos
quebrados o neutros para
armonizar los extremos. Es
una búsqueda para conseguir
que el color sea intenso, no
para lograr una armonía
opaca.»
«Y no me extrañaría mucho
que dentro de un tiempo los
impresionistas se pusieran a
criticar mi manera de trabajar,
más bien fecundada por las
ideas de Delacroix que por las
suyas. Pues en lugar de
reproducir con exactitud lo
que tengo delante de los ojos,
prefiero servirme
arbitrariamente del color para
expresarme con más fuerza.»
Van Gogh: Puente sobre el Sena en Asnieres, 1887
a través del naranja y el azul,
el rojo y el verde, el amarillo y
el violeta; buscando tonos
quebrados o neutros para
armonizar los extremos. Es
una búsqueda para conseguir
que el color sea intenso, no
para lograr una armonía
opaca.»
«Y no me extrañaría mucho
que dentro de un tiempo los
impresionistas se pusieran a
criticar mi manera de trabajar,
más bien fecundada por las
ideas de Delacroix que por las
suyas. Pues en lugar de
reproducir con exactitud lo
que tengo delante de los ojos,
prefiero servirme
arbitrariamente del color para
expresarme con más fuerza.»
Van Gogh: Puente sobre el Sena en Asnieres, 1887
También conoce la moda del Japonismo y
queda prendado por su simplicidad , por
sus contornos rápidos y sinuosos, por los
colores puros y vibrantes, por la carencia
de perspectiva y por los efectos vigorosos y
directos de las estampas japonesas.
Van Gogh: Retrato de Père Tanguy, 1887-88
«El arte japonés es algo así como los primitivos, como los
griegos, como nuestros antiguos holandeses, Rembrandt,
Potter, Hals, ….»
«De alguna forma todo mi trabajo se funda en el arte japonés.»
Hiroshige : El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina (1857);
Van Gogh : Japonaiserie: Puente bajo la lluvia, (1887)
Irises (Ogata Korin)
Van Gogh: Lirios, 1889.
queda prendado por su simplicidad , por
sus contornos rápidos y sinuosos, por los
colores puros y vibrantes, por la carencia
de perspectiva y por los efectos vigorosos y
directos de las estampas japonesas.
Van Gogh: Retrato de Père Tanguy, 1887-88
«El arte japonés es algo así como los primitivos, como los
griegos, como nuestros antiguos holandeses, Rembrandt,
Potter, Hals, ….»
«De alguna forma todo mi trabajo se funda en el arte japonés.»
Hiroshige : El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina (1857);
Van Gogh : Japonaiserie: Puente bajo la lluvia, (1887)
Irises (Ogata Korin)
Van Gogh: Lirios, 1889.
En febrero de
1888 se traslada a
Arlés en busca de
un clima más
apacible y de los
colores intensos
de la Provenza.
Allí se instalará y
desarrollará su
estilo más
característico,
pintando más de
200 cuadros:
paisajes al aire
libre, retratos,
interiores, flores…
“En cuanto a lo de quedarme aquí en el Midi, aunque sea más caro, veamos: nos gusta la
pintura japonesa, hemos experimentado su influencia, todos los impresionistas tienen eso
en común, y ¿no iríamos a Japón, es decir, al equivalente del Japón, el Midi? Creo, pues, que,
después de todo, el futuro del nuevo arte está todavía en el Midi… “
“Puente de Langlois con Lavanderas”, 1888“La habitación de Arlés”, 1888
“Noche estrellada sobre el Ródano”, 1888
“La llanura de la Crau cerca de Arlés”, 1888
1888 se traslada a
Arlés en busca de
un clima más
apacible y de los
colores intensos
de la Provenza.
Allí se instalará y
desarrollará su
estilo más
característico,
pintando más de
200 cuadros:
paisajes al aire
libre, retratos,
interiores, flores…
“En cuanto a lo de quedarme aquí en el Midi, aunque sea más caro, veamos: nos gusta la
pintura japonesa, hemos experimentado su influencia, todos los impresionistas tienen eso
en común, y ¿no iríamos a Japón, es decir, al equivalente del Japón, el Midi? Creo, pues, que,
después de todo, el futuro del nuevo arte está todavía en el Midi… “
“Puente de Langlois con Lavanderas”, 1888“La habitación de Arlés”, 1888
“Noche estrellada sobre el Ródano”, 1888
“La llanura de la Crau cerca de Arlés”, 1888
Se instalará en la llamada
Casa Amarilla, donde
pretenderá crear una
comunidad de artistas.
Allí acudirá Gauguin, con
quien convivirá una
temporada, en una relación
tempestuosa que culminará
en el famoso episodio de la
mutilación parcial de la oreja
por parte de Van Gogh y la
marcha de Gauguin.
Ambos artistas se influirán
mutuamente: en el caso de
Van Gogh, especialmente en
una pintura más expresiva
mediante el uso subjetivo del
color, el empleo de líneas de
contorno y no pintando
siempre directamente del
natural.
Van Gogh: La casa amarilla, 1888
Van Gogh: Autorretratos con la oreja
cortada, 1889
“Quería ver una luz diferente; creí que observar la
naturaleza bajo un sol más claro podría dar una idea más
cabal de la manera en que sienten y dibujan los japoneses”.
Casa Amarilla, donde
pretenderá crear una
comunidad de artistas.
Allí acudirá Gauguin, con
quien convivirá una
temporada, en una relación
tempestuosa que culminará
en el famoso episodio de la
mutilación parcial de la oreja
por parte de Van Gogh y la
marcha de Gauguin.
Ambos artistas se influirán
mutuamente: en el caso de
Van Gogh, especialmente en
una pintura más expresiva
mediante el uso subjetivo del
color, el empleo de líneas de
contorno y no pintando
siempre directamente del
natural.
Van Gogh: La casa amarilla, 1888
Van Gogh: Autorretratos con la oreja
cortada, 1889
“Quería ver una luz diferente; creí que observar la
naturaleza bajo un sol más claro podría dar una idea más
cabal de la manera en que sienten y dibujan los japoneses”.
En su colaboración, llegarán a pintar juntos, incluso los mismos motivos
Van Gogh: : Mme. Roulin, 1888
Gauguin:
Mme.
Roulin,
1888
Gauguin: Café nocturno, 1888
Van Gogh: Café nocturno, 1888
Van Gogh: : Mme. Roulin, 1888
Gauguin:
Mme.
Roulin,
1888
Gauguin: Café nocturno, 1888
Van Gogh: Café nocturno, 1888
Van Gogh hará un uso
subjetivo del color, que se
convertirá en vehículo de sus
emociones y sentimientos,
trasladando sus estados de
ánimo a la pintura y a los
objetos representados. El
color no tiene porqué
corresponderse con la
naturaleza.
El color tendrá para él una
función simbólica y
expresiva.
Empleará colores vivos puros,
en muchos momentos con
contrastes de colores muy
agresivos y expresivos,
muchas veces yuxtaponiendo
colores complementarios
o muy próximos en el
espectro tonal.
«Hay cosas en el color que surgen en mí mientras pinto, cosas grandes e
intensas.»
«Los verdaderos pintores son aquellos que no hacen el color local”.»
« El color, como tal, expresa alguna cosa, es inconcebible ignorarlo y hay
que aprovecharlo. »
Van Gogh: “La silla de Vincent, con pipa”, 1888 “La silla de Gauguin”, 1888
subjetivo del color, que se
convertirá en vehículo de sus
emociones y sentimientos,
trasladando sus estados de
ánimo a la pintura y a los
objetos representados. El
color no tiene porqué
corresponderse con la
naturaleza.
El color tendrá para él una
función simbólica y
expresiva.
Empleará colores vivos puros,
en muchos momentos con
contrastes de colores muy
agresivos y expresivos,
muchas veces yuxtaponiendo
colores complementarios
o muy próximos en el
espectro tonal.
«Hay cosas en el color que surgen en mí mientras pinto, cosas grandes e
intensas.»
«Los verdaderos pintores son aquellos que no hacen el color local”.»
« El color, como tal, expresa alguna cosa, es inconcebible ignorarlo y hay
que aprovecharlo. »
Van Gogh: “La silla de Vincent, con pipa”, 1888 “La silla de Gauguin”, 1888
“Yo busco ahora exagerar lo esencial. No quiero reproducir
exactamente lo que tengo delante de los ojos, sino que me sirvo
arbitrariamente del color para expresarme con más fuerza.”
Van Gogh: Café nocturno, 1888
exactamente lo que tengo delante de los ojos, sino que me sirvo
arbitrariamente del color para expresarme con más fuerza.”
Van Gogh: Café nocturno, 1888
«En mi cuadro Café nocturno altero el color del
techo y las paredes, se trata de un lugar donde
uno se puede buscar la ruina, volverse loco o
cometer crímenes.
He tratado de expresar con el rojo y el verde las
terribles pasiones humanas. La sala es rojo
sangre y amarillo apagado, con una mesa de
billar verde en el centro y cuatro lámparas
amarillo limón con un resplandor anaranjado y
verde.
Por todas partes se ve un choque y un contraste
de verdes y rojos muy diferentes; en las figuras
de los rufianes que duermen, empequeñecidos
por la sala vacía de techo alto, algún tono
violeta y azul.
El rojo sangre y el verde amarillento de la mesa
de billar, por ejemplo, contrastan con el verde
pálido del mostrador, donde hay un ramo de
flores rosas. Las ropas blancas del patrón, que
vigila desde un rincón de este horno, se vuelven
amarillo limón, verde pálido y luminoso.”
Carta a Theo del 8-IX-1988
Van Gogh consideraba que era
uno de los cuadros más feos
que había pintado nunca, al
mismo nivel de fealdad
que “Los comedores de
patatas”. Feo en el sentido de
que resultaba incómodo y
desagradable a la vista.
http://www.elcuadrodeldia.com/post/92029746101/vincent-
van-gogh-le-caf%C3%A9-de-nuit-1888-%C3%B3leo
techo y las paredes, se trata de un lugar donde
uno se puede buscar la ruina, volverse loco o
cometer crímenes.
He tratado de expresar con el rojo y el verde las
terribles pasiones humanas. La sala es rojo
sangre y amarillo apagado, con una mesa de
billar verde en el centro y cuatro lámparas
amarillo limón con un resplandor anaranjado y
verde.
Por todas partes se ve un choque y un contraste
de verdes y rojos muy diferentes; en las figuras
de los rufianes que duermen, empequeñecidos
por la sala vacía de techo alto, algún tono
violeta y azul.
El rojo sangre y el verde amarillento de la mesa
de billar, por ejemplo, contrastan con el verde
pálido del mostrador, donde hay un ramo de
flores rosas. Las ropas blancas del patrón, que
vigila desde un rincón de este horno, se vuelven
amarillo limón, verde pálido y luminoso.”
Carta a Theo del 8-IX-1988
Van Gogh consideraba que era
uno de los cuadros más feos
que había pintado nunca, al
mismo nivel de fealdad
que “Los comedores de
patatas”. Feo en el sentido de
que resultaba incómodo y
desagradable a la vista.
http://www.elcuadrodeldia.com/post/92029746101/vincent-
van-gogh-le-caf%C3%A9-de-nuit-1888-%C3%B3leo
“En lugar de
reproducir
exactamente lo que
tengo ante los ojos,
empleo el color mas
arbitrariamente, con
objeto de expresarme
con mayor
vigor....Pienso en el
hombre a quien tengo
que pintar , terrible en
ese horno que es la
siega en pleno sol del
sur. De ahí las fuertes
tonalidades
anaranjadas, tan
vividas como un hierro
candente, y de ahí los
luminosos tonos de oro
viejo en las sombras.”
Van Gogh: Retrato de Pacience Escalier, 1888
reproducir
exactamente lo que
tengo ante los ojos,
empleo el color mas
arbitrariamente, con
objeto de expresarme
con mayor
vigor....Pienso en el
hombre a quien tengo
que pintar , terrible en
ese horno que es la
siega en pleno sol del
sur. De ahí las fuertes
tonalidades
anaranjadas, tan
vividas como un hierro
candente, y de ahí los
luminosos tonos de oro
viejo en las sombras.”
Van Gogh: Retrato de Pacience Escalier, 1888
“Aquí tienes un cuadro
nocturno sin negro, sólo con
un bello azul, con violeta y
verde; y en este ambiente la
plaza iluminada se tiñe de
un pálido amarillo azufre y
un verde limón.”
Van Gogh: Terraza de café de noche, 1888
nocturno sin negro, sólo con
un bello azul, con violeta y
verde; y en este ambiente la
plaza iluminada se tiñe de
un pálido amarillo azufre y
un verde limón.”
Van Gogh: Terraza de café de noche, 1888
Su pincelada será también
muy expresiva, llegando a
convertirse en una
prolongación de su propio
mundo interior.
Frente a la pincelada corta
impresionista, empleará
una mucho más fuerte,
larga, sinuosa, ondulante…
llegando en algunos casos
casi a la espiral o a un
aspecto flamígero.
Con esas largas pinceladas
aplicará un color que se irá
haciendo cada vez más
abundante y pastoso.
Van Gogh: Noche estrellada, 1889
muy expresiva, llegando a
convertirse en una
prolongación de su propio
mundo interior.
Frente a la pincelada corta
impresionista, empleará
una mucho más fuerte,
larga, sinuosa, ondulante…
llegando en algunos casos
casi a la espiral o a un
aspecto flamígero.
Con esas largas pinceladas
aplicará un color que se irá
haciendo cada vez más
abundante y pastoso.
Van Gogh: Noche estrellada, 1889
Las reglas de la perspectiva tradicional también serán alteradas por Van Gogh de un modo
consciente, a través de deformaciones expresivas y del aplanamiento de las formas.
Influenciado por la estampa japonesa y por Gauguin, suele remarcar las líneas de
contorno en los objetos.
Van Gogh: Habitación en Arlés, 1888
consciente, a través de deformaciones expresivas y del aplanamiento de las formas.
Influenciado por la estampa japonesa y por Gauguin, suele remarcar las líneas de
contorno en los objetos.
Van Gogh: Habitación en Arlés, 1888
“ Esta vez simplemente reproduce mi
habitación; sólo el color tiene que
hacerlo todo, dando un estilo
grandioso a los objetos con su
simplificación , llegando a sugerir un
cierto descanso o sueño. Bueno, he
pensado que al ver la composición
dejamos de pensar e imaginar. He
pintado las paredes de violeta claro. El
suelo con el material jaqueado. La
cama de madera y las sillas, amarillas
como mantequilla fresca; la sábana y
las almohadas, de verde limón claro.
La colcha, de color escarlata. La
ventana, verde. El lavabo, anaranjado;
la cisterna, azul. Las puertas, lila. Y, eso
es todo. No hay nada más en esta
habitación de contraventanas
cerradas. Las piezas del mobiliario
deben expresar un descanso firme;
también, los retratos en la pared, el
espejo, la botella, y algunas ropas. “
Van Gogh: Habitación en Arlés, 1888
“El color blanco no se aplica al cuadro, así que
su marco será blanco, con la pretensión de
conseguir el descanso obligatorio que me
recomiendan. No he representado ninguna
clase de sombra; sólo he aplicado simples
colores planos, como los de las crêpes.”
habitación; sólo el color tiene que
hacerlo todo, dando un estilo
grandioso a los objetos con su
simplificación , llegando a sugerir un
cierto descanso o sueño. Bueno, he
pensado que al ver la composición
dejamos de pensar e imaginar. He
pintado las paredes de violeta claro. El
suelo con el material jaqueado. La
cama de madera y las sillas, amarillas
como mantequilla fresca; la sábana y
las almohadas, de verde limón claro.
La colcha, de color escarlata. La
ventana, verde. El lavabo, anaranjado;
la cisterna, azul. Las puertas, lila. Y, eso
es todo. No hay nada más en esta
habitación de contraventanas
cerradas. Las piezas del mobiliario
deben expresar un descanso firme;
también, los retratos en la pared, el
espejo, la botella, y algunas ropas. “
Van Gogh: Habitación en Arlés, 1888
“El color blanco no se aplica al cuadro, así que
su marco será blanco, con la pretensión de
conseguir el descanso obligatorio que me
recomiendan. No he representado ninguna
clase de sombra; sólo he aplicado simples
colores planos, como los de las crêpes.”
Emplea de modo
expresivo todos los
elementos pictóricos,
el color, la pincelada, el
empaste, la luz…
También realiza
deformaciones
expresivas de los
objetos o personajes
representados de
acuerdo con su propio
mundo interior:
La pintura se convierte
en una expresión
subjetiva y personal,
totalmente libre del
propio artista, no una
visión científica y
objetiva de la realidad.
Van Gogh: “Camino con cipreses bajo un cielo estrellado”, 1890
expresivo todos los
elementos pictóricos,
el color, la pincelada, el
empaste, la luz…
También realiza
deformaciones
expresivas de los
objetos o personajes
representados de
acuerdo con su propio
mundo interior:
La pintura se convierte
en una expresión
subjetiva y personal,
totalmente libre del
propio artista, no una
visión científica y
objetiva de la realidad.
Van Gogh: “Camino con cipreses bajo un cielo estrellado”, 1890
Van Gogh: Retrato del doctor Gachet, 1890
Emplea de modo
expresivo todos los
elementos pictóricos,
el color, la pincelada, el
empaste, la luz…
También realiza
deformaciones
expresivas de los
objetos o personajes
representados de
acuerdo con su propio
mundo interior:
La pintura se convierte
en una expresión
subjetiva y personal,
totalmente libre del
propio artista, no una
visión científica y
objetiva de la realidad.
Emplea de modo
expresivo todos los
elementos pictóricos,
el color, la pincelada, el
empaste, la luz…
También realiza
deformaciones
expresivas de los
objetos o personajes
representados de
acuerdo con su propio
mundo interior:
La pintura se convierte
en una expresión
subjetiva y personal,
totalmente libre del
propio artista, no una
visión científica y
objetiva de la realidad.
Tras el episodio psicótico que le condujo a la mutilación de la oreja, por el que ingresó
voluntariamente en un sanatorio en Saint-Rémy, su pintura se irá haciendo cada vez más
expresiva, fruto de su atormentada vida interior.
Van Gogh: Segador
en campo de trigo,
1889
voluntariamente en un sanatorio en Saint-Rémy, su pintura se irá haciendo cada vez más
expresiva, fruto de su atormentada vida interior.
Van Gogh: Segador
en campo de trigo,
1889
Tras el episodio psicótico que le condujo a la mutilación de la oreja, por el que ingresó
voluntariamente en un sanatorio en Saint-Rémy, su pintura se irá haciendo cada vez más
expresiva, fruto de su atormentada vida interior.
Van Gogh: Olivos,
1889
“Olivos”, 1889
“Los árboles
azotados
por el viento
eran
espléndidos;
en cada
figura
podría
mostrar un
drama.
voluntariamente en un sanatorio en Saint-Rémy, su pintura se irá haciendo cada vez más
expresiva, fruto de su atormentada vida interior.
Van Gogh: Olivos,
1889
“Olivos”, 1889
“Los árboles
azotados
por el viento
eran
espléndidos;
en cada
figura
podría
mostrar un
drama.
Tras el episodio psicótico que le condujo a la mutilación de la oreja, por el que ingresó
voluntariamente en un sanatorio en Saint-Rémy, su pintura se irá haciendo cada vez más
expresiva, fruto de su atormentada vida interior.
Van Gogh: Noche
estrellada, 1889
voluntariamente en un sanatorio en Saint-Rémy, su pintura se irá haciendo cada vez más
expresiva, fruto de su atormentada vida interior.
Van Gogh: Noche
estrellada, 1889
Claseshistoria
Historia del Arte
© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Vincent Van Gogh
Noche estrellada
Contraste entre formas rectas
del pueblo muy empequeñecido
y la profusión de curvas y contracurvas
del cielo y la vegetación
Cipreses
flamígeros
dan verticalidad
que equilibra
horizontalidad de
cielo
Pinceladas enérgicas,
sinuosas y cargadas
de color puro que
contrastan de
modo violento
Estrellas y luna representadas por torbellinos
amarillos rodeadas de pinceladas blancas en
dinámica relación con cielo azul
Espirales de
color acentúan
agitación
Contornos muy
marcados con
líneas oscuras
Resplandeciente banda
aumenta contraste entre espacio
terrenal y celestial
« Cuando siento necesidad de religión, salgo de noche y pinto las estrellas. »
Historia del Arte
© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Vincent Van Gogh
Noche estrellada
Contraste entre formas rectas
del pueblo muy empequeñecido
y la profusión de curvas y contracurvas
del cielo y la vegetación
Cipreses
flamígeros
dan verticalidad
que equilibra
horizontalidad de
cielo
Pinceladas enérgicas,
sinuosas y cargadas
de color puro que
contrastan de
modo violento
Estrellas y luna representadas por torbellinos
amarillos rodeadas de pinceladas blancas en
dinámica relación con cielo azul
Espirales de
color acentúan
agitación
Contornos muy
marcados con
líneas oscuras
Resplandeciente banda
aumenta contraste entre espacio
terrenal y celestial
« Cuando siento necesidad de religión, salgo de noche y pinto las estrellas. »
Su pintura evoluciona hacia lo que será totalmente característico de su pintura: la exaltación del color, que se convierte
en vehículo de transmisión de sentimientos y emociones. A través del color el artista se expresa con una pincelada
continua, fuerte y agresiva, aplicando un color abundante y pastoso. Sus problemas psíquicos hacen que su pintura sea
cada vez más exaltada, reflejo de su atormentada vida interior.
Las grandes espirales y remolinos intensificaban la sensación de dramatismo en sus obras. Hay un contraste entre la
verticalidad de los cipreses y la horizontalidad predominante en el cielo estrellado.
§
Contraste entre formas rectas del pueblo
muy empequeñecido y la profusión de
curvas y contracurvas del cielo y la
vegetación.
§
Las espirales de color acentúan
agitación
§
Contornos muy marcados con líneas
oscuras.
§
Una resplandeciente banda aumenta
contraste entre espacio terrenal y
celestial.
§
Las estrellas y la luna representadas por
torbellinos amarillos rodeadas de
pinceladas blancas en dinámica relación
con cielo azul.
§
Pinceladas enérgicas, sinuosas y
cargadas de color puro que contrastan
de modo violento.
§
Cipreses flamígeros dan verticalidad que
equilibra horizontalidad de cielo.
“La noche estrellada”, 1889
https://es.slideshare.net/arelar/van-gogh-46695726
en vehículo de transmisión de sentimientos y emociones. A través del color el artista se expresa con una pincelada
continua, fuerte y agresiva, aplicando un color abundante y pastoso. Sus problemas psíquicos hacen que su pintura sea
cada vez más exaltada, reflejo de su atormentada vida interior.
Las grandes espirales y remolinos intensificaban la sensación de dramatismo en sus obras. Hay un contraste entre la
verticalidad de los cipreses y la horizontalidad predominante en el cielo estrellado.
§
Contraste entre formas rectas del pueblo
muy empequeñecido y la profusión de
curvas y contracurvas del cielo y la
vegetación.
§
Las espirales de color acentúan
agitación
§
Contornos muy marcados con líneas
oscuras.
§
Una resplandeciente banda aumenta
contraste entre espacio terrenal y
celestial.
§
Las estrellas y la luna representadas por
torbellinos amarillos rodeadas de
pinceladas blancas en dinámica relación
con cielo azul.
§
Pinceladas enérgicas, sinuosas y
cargadas de color puro que contrastan
de modo violento.
§
Cipreses flamígeros dan verticalidad que
equilibra horizontalidad de cielo.
“La noche estrellada”, 1889
https://es.slideshare.net/arelar/van-gogh-46695726
Van Gogh: Campo de trigo con cuervos, 1890
“Son inmensos campos de trigo bajo
un cielo amenazador, y no necesito
salir de mí para expresar la tristeza y
la soledad extrema… …creo que estos
lienzos te dirán lo que no puedo decir
con palabras…”
“Son inmensos campos de trigo bajo
un cielo amenazador, y no necesito
salir de mí para expresar la tristeza y
la soledad extrema… …creo que estos
lienzos te dirán lo que no puedo decir
con palabras…”
Paul Gauguin
Llevó una vida burguesa y
acomodada, pero decide
abandonarlo todo y
dedicarse a su auténtica
vocación, la pintura.
Conoce a los
impresionistas y llega a
exponer con ellos, pero –
insatisfecho- decide buscar
una vida más sencilla y
nuevas fuentes de
inspiración alejadas del
mundo moderno y marcha
a Bretaña, las Antillas y –
tras varias estancias en
París y una con Van Gogh
en Arlés- a la Polinesia
francesa.
Gauguin: Autorretrato con sombrero, 1893
Llevó una vida burguesa y
acomodada, pero decide
abandonarlo todo y
dedicarse a su auténtica
vocación, la pintura.
Conoce a los
impresionistas y llega a
exponer con ellos, pero –
insatisfecho- decide buscar
una vida más sencilla y
nuevas fuentes de
inspiración alejadas del
mundo moderno y marcha
a Bretaña, las Antillas y –
tras varias estancias en
París y una con Van Gogh
en Arlés- a la Polinesia
francesa.
Gauguin: Autorretrato con sombrero, 1893
Gauguin no se siente a gusto con la
sociedad europea de su época y rechaza
en gran medida el arte de la tradición
occidental, buscando su inspiración en
culturas y estilos menos contaminados,
más auténticos, con valores primitivos
que no estuviesen corrompidos por la
civilización occidental moderna:
•
El mundo rural de Bretaña y sus
tradiciones arcaicas.
•El mundo medieval.
•El arte egipcio y del Próximo Oriente.
•La estampa japonesa.
•Las culturas primitivas:
q
De los pueblos antillanos.
q
Especialmente, de la Polinesia.
Es una especie de búsqueda del paraíso
perdido y la pureza del arte de las
culturas primitivas.
“Amo la Bretaña. Encuentro en ella lo
rústico, lo primitivo. Cuando mis zuecos de
madera retumban sobre este suelo de
granito, escucho el tono sordo, monótono y
vigoroso que trato de lograr en la pintura.”
"Debes recordar que tengo una naturaleza
dual, la del indio y la del sensible hombre
civilizado. El último ha desaparecido, lo que
permite al primero tomar la delantera".
“Me voy para estar tranquilo, para estar
alejado de la influencia de la civilización. No
quiero hacer más que un arte sencillo, muy
sencillo. Para ello es necesario introducirme
en la naturaleza virgen, de vivir mi vida sin
otra preocupación que atender, como lo
haría un niño, las concepciones de mi cabeza
con la ayuda de medios de arte primitivos,
los únicos buenos, los únicos verdaderos.”
sociedad europea de su época y rechaza
en gran medida el arte de la tradición
occidental, buscando su inspiración en
culturas y estilos menos contaminados,
más auténticos, con valores primitivos
que no estuviesen corrompidos por la
civilización occidental moderna:
•
El mundo rural de Bretaña y sus
tradiciones arcaicas.
•El mundo medieval.
•El arte egipcio y del Próximo Oriente.
•La estampa japonesa.
•Las culturas primitivas:
q
De los pueblos antillanos.
q
Especialmente, de la Polinesia.
Es una especie de búsqueda del paraíso
perdido y la pureza del arte de las
culturas primitivas.
“Amo la Bretaña. Encuentro en ella lo
rústico, lo primitivo. Cuando mis zuecos de
madera retumban sobre este suelo de
granito, escucho el tono sordo, monótono y
vigoroso que trato de lograr en la pintura.”
"Debes recordar que tengo una naturaleza
dual, la del indio y la del sensible hombre
civilizado. El último ha desaparecido, lo que
permite al primero tomar la delantera".
“Me voy para estar tranquilo, para estar
alejado de la influencia de la civilización. No
quiero hacer más que un arte sencillo, muy
sencillo. Para ello es necesario introducirme
en la naturaleza virgen, de vivir mi vida sin
otra preocupación que atender, como lo
haría un niño, las concepciones de mi cabeza
con la ayuda de medios de arte primitivos,
los únicos buenos, los únicos verdaderos.”
Tras unos inicios influido por el Impresionismo y,
especialmente por Pissarro, se traslada a Pont
Aven, en Bretaña, junto con un grupo de
jóvenes pintores como Émile Bernard.
Allí toma contacto con el simbolismo literario e
influenciado por Bernard, comienza a
desarrollar su propia síntesis personal de la
pintura, en la que confluirán la influencia de
Cézanne, el primitivismo, el sencillo arte
medieval popular, el simbolismo, la estampa
japonesa…
Émile Bernard: Le blé noir, 1888
Gauguin: El Sena en el puente de Jena, 1875
Gauguin: El baile de las niñas bretonas, 1888
especialmente por Pissarro, se traslada a Pont
Aven, en Bretaña, junto con un grupo de
jóvenes pintores como Émile Bernard.
Allí toma contacto con el simbolismo literario e
influenciado por Bernard, comienza a
desarrollar su propia síntesis personal de la
pintura, en la que confluirán la influencia de
Cézanne, el primitivismo, el sencillo arte
medieval popular, el simbolismo, la estampa
japonesa…
Émile Bernard: Le blé noir, 1888
Gauguin: El Sena en el puente de Jena, 1875
Gauguin: El baile de las niñas bretonas, 1888
Con las obras que realiza en esta
época, su pintura reniega del
pretendido objetivismo y naturalismo
impresionista y comienza a
desarrollar una pintura cargada de
significados subjetivos.
De acuerdo con sus nuevos
postulados (“Sintetismo”), el arte no
debe reflejar la realidad física externa
de las cosas, sino que es una
recreación imaginativa del interior del
artista, de su imaginación.
El arte debe transmitir ideas y
pensamientos: la forma y el color se
subordinan a la idea.
Lo que hay que pintar es la idea que
elabora el pintor después de su
experiencia, quitando lo superfluo y
reteniendo la esencia. Así se consigue
la síntesis de forma y color.
“No pintes demasiado de la naturaleza, el arte es una abstracción;
deriva esta abstracción de la naturaleza mientras sueñas ante ella
y piensa más en la creación que resultará de ella.”
Gauguin: La Bella Ángela, 1889
época, su pintura reniega del
pretendido objetivismo y naturalismo
impresionista y comienza a
desarrollar una pintura cargada de
significados subjetivos.
De acuerdo con sus nuevos
postulados (“Sintetismo”), el arte no
debe reflejar la realidad física externa
de las cosas, sino que es una
recreación imaginativa del interior del
artista, de su imaginación.
El arte debe transmitir ideas y
pensamientos: la forma y el color se
subordinan a la idea.
Lo que hay que pintar es la idea que
elabora el pintor después de su
experiencia, quitando lo superfluo y
reteniendo la esencia. Así se consigue
la síntesis de forma y color.
“No pintes demasiado de la naturaleza, el arte es una abstracción;
deriva esta abstracción de la naturaleza mientras sueñas ante ella
y piensa más en la creación que resultará de ella.”
Gauguin: La Bella Ángela, 1889
Las principal herramienta
para esta nueva pintura será
el color, que se convertirá en
simbólico, empleándolo de
modo arbitrario para recrear
un mundo más espiritual que
real.
Libera al color de la misión de
retratar la realidad tal y como
aparenta, buscando con él la
máxima intensidad expresiva
y apostando por su fuerza
emocional y su contenido
simbólico .
El color estará al servicio del
significado simbólico o la idea
del cuadro, sin someterse a la
apariencia de la realidad, por
lo que se le considerará
precursor del fauvismo del
siglo XX..
Gauguin: Los árboles azules, 1888
para esta nueva pintura será
el color, que se convertirá en
simbólico, empleándolo de
modo arbitrario para recrear
un mundo más espiritual que
real.
Libera al color de la misión de
retratar la realidad tal y como
aparenta, buscando con él la
máxima intensidad expresiva
y apostando por su fuerza
emocional y su contenido
simbólico .
El color estará al servicio del
significado simbólico o la idea
del cuadro, sin someterse a la
apariencia de la realidad, por
lo que se le considerará
precursor del fauvismo del
siglo XX..
Gauguin: Los árboles azules, 1888
Gauguin abandonará la pincelada
fragmentada de los impresionistas
y aplicará el color en grandes
superficies delimitadas por líneas
muy marcadas.
También renuncia a representar las
variaciones de la luz en los objetos,
las sombras, el modelado y el
claroscuro, y los sustituye por
colores planos, fuertes y vivos,
muchas veces muy contrastados,
pues lo que le interesa es la
exaltación del color en su
componente simbólica y expresiva.
Las manchas de color se delimitan
por gruesos contornos de líneas
continuas, recordando la estructura
de las vidrieras góticas
(cloisonismo).
Gauguin: El Cristo
amarillo, 1889
fragmentada de los impresionistas
y aplicará el color en grandes
superficies delimitadas por líneas
muy marcadas.
También renuncia a representar las
variaciones de la luz en los objetos,
las sombras, el modelado y el
claroscuro, y los sustituye por
colores planos, fuertes y vivos,
muchas veces muy contrastados,
pues lo que le interesa es la
exaltación del color en su
componente simbólica y expresiva.
Las manchas de color se delimitan
por gruesos contornos de líneas
continuas, recordando la estructura
de las vidrieras góticas
(cloisonismo).
Gauguin: El Cristo
amarillo, 1889
Simplificación de las
formas de la realidad
y uso de figuras
planas, pues lo que le
interesa no es reflejar
la realidad sino
transmitir un
mensaje simbólico.
Probable influencia
tanto de la pintura
japonesa como de la
búsqueda de sencillez
que encuentra en el
primitivismo (en
Bretaña del arte
popular y medieval y,
más tarde, en el arte
polinésico).
Gauguin: El Cristo
amarillo, 1889
formas de la realidad
y uso de figuras
planas, pues lo que le
interesa no es reflejar
la realidad sino
transmitir un
mensaje simbólico.
Probable influencia
tanto de la pintura
japonesa como de la
búsqueda de sencillez
que encuentra en el
primitivismo (en
Bretaña del arte
popular y medieval y,
más tarde, en el arte
polinésico).
Gauguin: El Cristo
amarillo, 1889
Claseshistoria
Historia del Arte
© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Paul Gauguin
El cristo amarillo
Características generales:
composiciones simples, formas
muy básicas, colores lisos
en amplias superficies,
antinaturalistas, simbólicas, etc.
Utiliza una temática medieval
trasladándola a la época
contemporánea
(personas arrodilladas
alrededor de un crucifijo).
Simbolismo en la pintura
Fuertes contrastes
cromáticos (amarillo de cristo y
paisaje, rojo de árboles, azul de
vestidos y cielo, cofias blancas)
Composición equilibrada con
cierta asimetría
Mujeres bretonas
ocupan tres lados
Cristo ligeramente
desplazado
Espacio libre que
permite mirar paisaje,
invitando al espectador
a ocupar el hueco
Deja al descubierto en
algunas zonas
la tela, dándole más
luminosidad
Perfiles de las figuras
claramente delineados
(cloisonismo)
Color expresivo,
desvinculado de la
descripción naturalista
Historia del Arte
© 2006 Guillermo Méndez Zapata
Paul Gauguin
El cristo amarillo
Características generales:
composiciones simples, formas
muy básicas, colores lisos
en amplias superficies,
antinaturalistas, simbólicas, etc.
Utiliza una temática medieval
trasladándola a la época
contemporánea
(personas arrodilladas
alrededor de un crucifijo).
Simbolismo en la pintura
Fuertes contrastes
cromáticos (amarillo de cristo y
paisaje, rojo de árboles, azul de
vestidos y cielo, cofias blancas)
Composición equilibrada con
cierta asimetría
Mujeres bretonas
ocupan tres lados
Cristo ligeramente
desplazado
Espacio libre que
permite mirar paisaje,
invitando al espectador
a ocupar el hueco
Deja al descubierto en
algunas zonas
la tela, dándole más
luminosidad
Perfiles de las figuras
claramente delineados
(cloisonismo)
Color expresivo,
desvinculado de la
descripción naturalista
Renuncia expresamente al naturalismo y
a la perspectiva, con escalas
desproporcionadas en sus personajes y
elementos, apelotonamiento de planos.
Suprime el modelado y lo sustituye por
grandes áreas planas de color.
El cuadro produce una sensación plana,
carente de tercera dimensión, como en
la pintura románica o en la estampa
japonesa.
Gauguin: El
Cristo
amarillo, 1889
Gauguin: Visión después del Sermón, 1888
a la perspectiva, con escalas
desproporcionadas en sus personajes y
elementos, apelotonamiento de planos.
Suprime el modelado y lo sustituye por
grandes áreas planas de color.
El cuadro produce una sensación plana,
carente de tercera dimensión, como en
la pintura románica o en la estampa
japonesa.
Gauguin: El
Cristo
amarillo, 1889
Gauguin: Visión después del Sermón, 1888
En obras como Visión
después del Sermón
(1888), muestra su
gusto por temas de
carácter espiritual,
alegórico cargados de
simbolismo,
representando incluso
visiones, vinculadas con
el mundo de las
creencias populares o –
más tarde- de las
culturas primitivas de la
Polinesia.
No hay nada más lejano
del pretendido
naturalismo de la
pintura realista o
impresionista.
Gauguin: Visión después del Sermón, 1888
En el cuadro crea una atmósfera ilusoria, visionaria, donde un grupo de
mujeres, tras escuchar el sermón del cura sobre el relato de la lucha de
Jacob y el ángel, asisten a una visión del acontecimiento, en una
sensación confusa entre el mundo real y el de las creencias religiosas,
tan sólo separada por el tronco del árbol.
después del Sermón
(1888), muestra su
gusto por temas de
carácter espiritual,
alegórico cargados de
simbolismo,
representando incluso
visiones, vinculadas con
el mundo de las
creencias populares o –
más tarde- de las
culturas primitivas de la
Polinesia.
No hay nada más lejano
del pretendido
naturalismo de la
pintura realista o
impresionista.
Gauguin: Visión después del Sermón, 1888
En el cuadro crea una atmósfera ilusoria, visionaria, donde un grupo de
mujeres, tras escuchar el sermón del cura sobre el relato de la lucha de
Jacob y el ángel, asisten a una visión del acontecimiento, en una
sensación confusa entre el mundo real y el de las creencias religiosas,
tan sólo separada por el tronco del árbol.
Busca la sencillez y originalidad de lo popular de la Bretaña francesa
en una escena que expresa su sentimiento religioso tradicional.
Gauguin: Visión después del Sermón, 1888
Mezcla elementos del mundo natural con los elementos del
mundo sobrenatural, del más allá, de las creencias.
Simplificación de
formas,
reducidas a lo
esencial.
Uso del simbólico
del color, para
resaltar el
contenido espiritual
de la escena
Vaca y manzano:
elementos simbólicos
alusivos a Bretaña
Composición separada
diagonalmente por el árbol,
separando los dos mundos y
recordando a la estampa
japonesa
Colores vivos,
planos y
contrastados en
grandes manchas
planas, carentes de
sombras
Figuras
rodeadas
por
contornos
oscuros
Desaparición de la
perspectiva: tamaños de las
figuras , unas muy grandes
y otras muy pequeñas, que
no se corresponden con su
situación real en el espacio:
todo contribuye a la
sensación de una
“aparición”
Empleo de
diferentes puntos de
vista en los
elementos del
cuadro
Ausencia de tercera dimensión para
transmitir mensajes simbólicos, aspecto
plano, influencia estampa japonesa
en una escena que expresa su sentimiento religioso tradicional.
Gauguin: Visión después del Sermón, 1888
Mezcla elementos del mundo natural con los elementos del
mundo sobrenatural, del más allá, de las creencias.
Simplificación de
formas,
reducidas a lo
esencial.
Uso del simbólico
del color, para
resaltar el
contenido espiritual
de la escena
Vaca y manzano:
elementos simbólicos
alusivos a Bretaña
Composición separada
diagonalmente por el árbol,
separando los dos mundos y
recordando a la estampa
japonesa
Colores vivos,
planos y
contrastados en
grandes manchas
planas, carentes de
sombras
Figuras
rodeadas
por
contornos
oscuros
Desaparición de la
perspectiva: tamaños de las
figuras , unas muy grandes
y otras muy pequeñas, que
no se corresponden con su
situación real en el espacio:
todo contribuye a la
sensación de una
“aparición”
Empleo de
diferentes puntos de
vista en los
elementos del
cuadro
Ausencia de tercera dimensión para
transmitir mensajes simbólicos, aspecto
plano, influencia estampa japonesa
Viajará a Tahití y las
islas Marquesas en
busca de ese mundo
primitivo, salvaje ,
virgen y exótico que
ansía descubrir.
Allí desarrolló una
pintura cargada de
simbolismo en la que
combina los rasgos
sintéticos que había
desarrollado en
Bretaña con el color, la
naturaleza, el
primitivismo, la
inocencia y pureza de
la vida y las creencias
de los indígenas
polinesios, la belleza
de sus mujeres…
“Sólo quiero crear un arte sencillo. Para ello necesito empaparme de
una naturaleza virgen, no ver nada más que salvajes… “ “…sin otra
preocupación en el mundo más que expresar, como lo haría un niño,
las impresiones de mi mente, usando sólo el medio del arte primitivo;
el único medio correcto, el único medio verdadero.”
Gauguin: Mujeres de Tahití, 1891
islas Marquesas en
busca de ese mundo
primitivo, salvaje ,
virgen y exótico que
ansía descubrir.
Allí desarrolló una
pintura cargada de
simbolismo en la que
combina los rasgos
sintéticos que había
desarrollado en
Bretaña con el color, la
naturaleza, el
primitivismo, la
inocencia y pureza de
la vida y las creencias
de los indígenas
polinesios, la belleza
de sus mujeres…
“Sólo quiero crear un arte sencillo. Para ello necesito empaparme de
una naturaleza virgen, no ver nada más que salvajes… “ “…sin otra
preocupación en el mundo más que expresar, como lo haría un niño,
las impresiones de mi mente, usando sólo el medio del arte primitivo;
el único medio correcto, el único medio verdadero.”
Gauguin: Mujeres de Tahití, 1891
Gauguin: ¿Cuándo te casas? 1892
Gauguin: Érase una vez, Mata mua, 1892
Gauguin: Érase una vez, Mata mua, 1892
Gauguin: El Mercado. Ta matete, 1892
Esta obra representa unas
prostitutas que se ofrecen
en el mercado de
Papeete, probablemente
criticando como la
civilización occidental va
destruyendo la inocencia
de las islas de los Mares
del Sur.
La obra está llena de
primitivismo, combinando
la representación de una
escena de Tahití con la
influencia del arte egipcio,
que Gauguin valoraba por
encima de cualquier otro
arte antiguo por su
simplicidad y
esquematismo.
"La verdad es... el arte primitivo, el más sabio
de todos, es Egipto".
Esta obra representa unas
prostitutas que se ofrecen
en el mercado de
Papeete, probablemente
criticando como la
civilización occidental va
destruyendo la inocencia
de las islas de los Mares
del Sur.
La obra está llena de
primitivismo, combinando
la representación de una
escena de Tahití con la
influencia del arte egipcio,
que Gauguin valoraba por
encima de cualquier otro
arte antiguo por su
simplicidad y
esquematismo.
"La verdad es... el arte primitivo, el más sabio
de todos, es Egipto".
Los dos pescadores
del fondo, también
están inspirados en
personajes de
pinturas o grabados
de tumbas egipcias.
En la composición
Gauguin se inspira
en una pintura
egipcia,
representando a las
mujeres del primer
plano con la típica
frontalidad del arte
egipcio (combinando
partes del cuerpo de
frente y otras de
perfil) y en poses
estilizadas típicas del
arte egipcio.
Vestidos que
parecen túnicas
egipcias
del fondo, también
están inspirados en
personajes de
pinturas o grabados
de tumbas egipcias.
En la composición
Gauguin se inspira
en una pintura
egipcia,
representando a las
mujeres del primer
plano con la típica
frontalidad del arte
egipcio (combinando
partes del cuerpo de
frente y otras de
perfil) y en poses
estilizadas típicas del
arte egipcio.
Vestidos que
parecen túnicas
egipcias
Figuras planas, carentes
de volumen, constituidas
por manchas planas de
colores vivos recortadas
sobre el fondo
El detallado pareo es
influencia del arte
japonés
Empleo arbitrario del color: los
colores no se corresponden con la
naturaleza sino con la imaginación
(troncos de los árboles azul-morado;
suelo del primer plano anaranjado;
cielo del fondo amarillo
Simplicidad de formas,
primitivismo: influencia
del arte egipcio
Contornos remarcados que
enmarcan las manchas de color.
Carencia de
perspectiva: las
figuras se
recortan sobre el
fondo
Empleo de un
encuadre fotográfico,
recortando la figura de
la derecha.
El paisaje y los colores transmiten
serenidad , inocencia y frescura
frente a la cultura occidental
Visión desde
diferentes puntos
de vista (cuerpo de
frente, pie de
perfil).
Gauguin: El Mercado. Ta matete, 1892
Líneas curvas en las
formas de las mujeres:
influencia del arte
oriental y egipcio
de volumen, constituidas
por manchas planas de
colores vivos recortadas
sobre el fondo
El detallado pareo es
influencia del arte
japonés
Empleo arbitrario del color: los
colores no se corresponden con la
naturaleza sino con la imaginación
(troncos de los árboles azul-morado;
suelo del primer plano anaranjado;
cielo del fondo amarillo
Simplicidad de formas,
primitivismo: influencia
del arte egipcio
Contornos remarcados que
enmarcan las manchas de color.
Carencia de
perspectiva: las
figuras se
recortan sobre el
fondo
Empleo de un
encuadre fotográfico,
recortando la figura de
la derecha.
El paisaje y los colores transmiten
serenidad , inocencia y frescura
frente a la cultura occidental
Visión desde
diferentes puntos
de vista (cuerpo de
frente, pie de
perfil).
Gauguin: El Mercado. Ta matete, 1892
Líneas curvas en las
formas de las mujeres:
influencia del arte
oriental y egipcio
Gauguin: ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos?, 1897
“¿Adónde vamos? Junto a la muerte de una vieja, un pájaro extraño, estúpido lleva todo a su final.
¿Quién somos? Existencia diaria. El hombre instintivo se pregunta lo que quiere decir todo esto.
¿De dónde venimos? La fuente, el niño, la vida en común..
El pájaro concluye el poema comparando el ser inferior frente al ser inteligente en este gran todo que es
el problema enunciado por el título.
Tras un árbol dos siniestras figuras, envueltas en ropas de color triste, ponen detrás del árbol de la
ciencia su nota de dolor causada por esta misma ciencia, incluso en comparación con unos seres simples
en la naturaleza virgen que podría ser un paraíso de concepción humana dejándose llevar por la alegría
de vivir.” Gauguin
Abrumado por sus problemas financieros, con las autoridades de la isla, con problemas de salud, agobiado por la sífilis y el
alcoholismo, y tras la muerte de su hija Alines, Gauguin intentó suicidarse y en esta obra deja su testamento pictórico y
vital, pleno de simbolismo.
“¿Adónde vamos? Junto a la muerte de una vieja, un pájaro extraño, estúpido lleva todo a su final.
¿Quién somos? Existencia diaria. El hombre instintivo se pregunta lo que quiere decir todo esto.
¿De dónde venimos? La fuente, el niño, la vida en común..
El pájaro concluye el poema comparando el ser inferior frente al ser inteligente en este gran todo que es
el problema enunciado por el título.
Tras un árbol dos siniestras figuras, envueltas en ropas de color triste, ponen detrás del árbol de la
ciencia su nota de dolor causada por esta misma ciencia, incluso en comparación con unos seres simples
en la naturaleza virgen que podría ser un paraíso de concepción humana dejándose llevar por la alegría
de vivir.” Gauguin
Abrumado por sus problemas financieros, con las autoridades de la isla, con problemas de salud, agobiado por la sífilis y el
alcoholismo, y tras la muerte de su hija Alines, Gauguin intentó suicidarse y en esta obra deja su testamento pictórico y
vital, pleno de simbolismo.
Gauguin: ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos?, 1897
“Sobre una tela de saco llena de nudos y rugosidades; de ahí que su aspecto sea tremendamente zafio
(...). En la parte inferior derecha, un bebé dormido y tres mujeres en cuclillas. Dos figuras vestidas se
comunican sus pensamientos; una figura enorme intencionadamente y a pesar de la perspectiva,
también en cuclillas, levanta el brazo y mira extrañada, a los dos personajes que osan pensar en su
destino. Una figura central coge una fruta. Un par de gatos junto a un niño. Una cabra blanca. El ídolo,
con ambos brazos alzados misteriosa y rítmicamente parece indicar el más allá. Otra figura reclinada
parece escuchar al ídolo; finalmente una vieja, próxima a la muerte, parece aceptar y resignarse a lo
que piensa; a sus pies, un extraño pájaro blanco, sujetando con su pata a un lagarto, representa la
inutilidad de las palabras vanas. Todo transcurre junto a un riachuelo, a la sombra de los árboles. A
pesar de los cambios de tonalidad, el paisaje es constantemente azul y verde Veronés. Sobre él, todas
las figuras desnudas destacan por su intenso color naranja". Gauguin
“Sobre una tela de saco llena de nudos y rugosidades; de ahí que su aspecto sea tremendamente zafio
(...). En la parte inferior derecha, un bebé dormido y tres mujeres en cuclillas. Dos figuras vestidas se
comunican sus pensamientos; una figura enorme intencionadamente y a pesar de la perspectiva,
también en cuclillas, levanta el brazo y mira extrañada, a los dos personajes que osan pensar en su
destino. Una figura central coge una fruta. Un par de gatos junto a un niño. Una cabra blanca. El ídolo,
con ambos brazos alzados misteriosa y rítmicamente parece indicar el más allá. Otra figura reclinada
parece escuchar al ídolo; finalmente una vieja, próxima a la muerte, parece aceptar y resignarse a lo
que piensa; a sus pies, un extraño pájaro blanco, sujetando con su pata a un lagarto, representa la
inutilidad de las palabras vanas. Todo transcurre junto a un riachuelo, a la sombra de los árboles. A
pesar de los cambios de tonalidad, el paisaje es constantemente azul y verde Veronés. Sobre él, todas
las figuras desnudas destacan por su intenso color naranja". Gauguin
Su obra abre las puertas al
simbolismo:
«La obra de arte tiene que ser
conceptual, pues su único ideal
debe ser la expresión de la
idea».
«La obra de arte tiene que ser
sintética, porque traza sus
formas y signos de acuerdo con
un tipo general de
comprensión.»
«La obra de arte tiene que ser
subjetiva, porque el objeto no es
visto nunca como objeto, sino
más bien como signo que es
percibido por el sujeto.»
Émile Aurier, “Gauguin o el simbolismo en la
pintura”, 1891
Gauguin: “Autorretrato con nimbo”, 1889
simbolismo:
«La obra de arte tiene que ser
conceptual, pues su único ideal
debe ser la expresión de la
idea».
«La obra de arte tiene que ser
sintética, porque traza sus
formas y signos de acuerdo con
un tipo general de
comprensión.»
«La obra de arte tiene que ser
subjetiva, porque el objeto no es
visto nunca como objeto, sino
más bien como signo que es
percibido por el sujeto.»
Émile Aurier, “Gauguin o el simbolismo en la
pintura”, 1891
Gauguin: “Autorretrato con nimbo”, 1889
También tendrá gran influencia en
los pintores llamados los Nabis
(profetas), que querrán realizar un
arte nuevo basado en una síntesis
de simplificación formal,
espiritualidad, ornamentalidad,
colores intensos que no se
corresponden con la realidad.
“Él nos liberaba de todas las
imposiciones que la idea de
copiar (la naturaleza) aportaba
a nuestros instintos de pintor”
Maurice Denis
«¿Cómo ves ese árbol? ¿Es
realmente verde? Pues usa
verde, el verde más hermoso
que tengas en tu paleta. ¿Y la
sombra? ¿Mejor en azul? No
escatimes azul entonces».
Gauguin a Paul Sérusier
Paul Sérusier: El Talismán, 1888
los pintores llamados los Nabis
(profetas), que querrán realizar un
arte nuevo basado en una síntesis
de simplificación formal,
espiritualidad, ornamentalidad,
colores intensos que no se
corresponden con la realidad.
“Él nos liberaba de todas las
imposiciones que la idea de
copiar (la naturaleza) aportaba
a nuestros instintos de pintor”
Maurice Denis
«¿Cómo ves ese árbol? ¿Es
realmente verde? Pues usa
verde, el verde más hermoso
que tengas en tu paleta. ¿Y la
sombra? ¿Mejor en azul? No
escatimes azul entonces».
Gauguin a Paul Sérusier
Paul Sérusier: El Talismán, 1888
Su empleo libre, simbólico y expresivo del color tendrá gran influencia en el Fauvismo e,
incluso, en el expresionismo.
Su interés por las civilizaciones primitivas será también muy del gusto de las vanguardias del
siglo XX.
Ernst Ludwig Kirchner: Autorretrato como soldado, 1915Henri Matisse: Armonía en rojo, 1908
incluso, en el expresionismo.
Su interés por las civilizaciones primitivas será también muy del gusto de las vanguardias del
siglo XX.
Ernst Ludwig Kirchner: Autorretrato como soldado, 1915Henri Matisse: Armonía en rojo, 1908
Henri de Toulouse-Lautrec
Perteneciente a una familia
aristocrática, sufre un grave
accidente siendo un adolescente,
que impide el crecimiento de sus
piernas y le origina graves
problemas de salud y de infelicidad
y amargura a lo largo de su vida.
Se refugia en los ambientes
bohemios de la noche parisina: los
cabarets, los cafés cantantes, los
burdeles, teatros, circos y el
alcohol.
En su obra refleja esos ambientes
con luces nocturnas y artificiales y
convierte a esos personajes
(bailarinas, cantantes, comediantes,
artistas, prostitutas…) en
protagonistas de sus cuadros,
litografías y carteles.
Perteneciente a una familia
aristocrática, sufre un grave
accidente siendo un adolescente,
que impide el crecimiento de sus
piernas y le origina graves
problemas de salud y de infelicidad
y amargura a lo largo de su vida.
Se refugia en los ambientes
bohemios de la noche parisina: los
cabarets, los cafés cantantes, los
burdeles, teatros, circos y el
alcohol.
En su obra refleja esos ambientes
con luces nocturnas y artificiales y
convierte a esos personajes
(bailarinas, cantantes, comediantes,
artistas, prostitutas…) en
protagonistas de sus cuadros,
litografías y carteles.
Toulouse-Lautrec: La inspección médica, 1894Toulouse-Lautrec: La Goulue llegando al Moulin-Rouge, 1892
Es un gran dibujante
(que admira a Degas)
y en sus obras emplea
trazos nerviosos,
rápidos, de aspecto
sinuoso,
emparentados con el
arte japonés y el Art
Nouveau, que le
permiten captar los
personajes y el
movimiento con pocos
trazos.
En su obra suele
emplear –influenciado
por la estampa
japonesa- figuras con
claros contornos y con
empleo de manchas
de colores planos,
vibrantes,
contrastados.
Toulouse-Lautrec: Baile en el Moulin-Rouge, 1890
(que admira a Degas)
y en sus obras emplea
trazos nerviosos,
rápidos, de aspecto
sinuoso,
emparentados con el
arte japonés y el Art
Nouveau, que le
permiten captar los
personajes y el
movimiento con pocos
trazos.
En su obra suele
emplear –influenciado
por la estampa
japonesa- figuras con
claros contornos y con
empleo de manchas
de colores planos,
vibrantes,
contrastados.
Toulouse-Lautrec: Baile en el Moulin-Rouge, 1890
Toulouse-Lautrec: El
Salón de la Rue des
Moulins, 1894
Salón de la Rue des
Moulins, 1894
También destaca su tendencia expresiva,
casi caricaturesca en los retratos de los
personajes, deformándolos, estilizándolos,
acentuando sus rasgos…
Tiene una gran capacidad para captar la
psicología de sus personajes, de sus
gestos, muchas veces exagerándolos para
lograr mayor expresividad.
Toulouse-Lautrec: Resaca: la bebedora, 1887-88
casi caricaturesca en los retratos de los
personajes, deformándolos, estilizándolos,
acentuando sus rasgos…
Tiene una gran capacidad para captar la
psicología de sus personajes, de sus
gestos, muchas veces exagerándolos para
lograr mayor expresividad.
Toulouse-Lautrec: Resaca: la bebedora, 1887-88
Emplea encuadres en ocasiones
sorprendentes, con figuras en primeros
planos, silueteadas, recortadas, a veces
en escorzos muy expresivos.
Se le considera uno de los padres del
cartelismo moderno, por los carteles que
realiza especialmente para los cafés
teatro y cabarets que frecuenta.
Toulouse-Lautrec: La Goulue en el Moulin-Rouge, 1891
Toulouse-Lautrec:
Jane Avril en el
Jardin de Paris,
1893
sorprendentes, con figuras en primeros
planos, silueteadas, recortadas, a veces
en escorzos muy expresivos.
Se le considera uno de los padres del
cartelismo moderno, por los carteles que
realiza especialmente para los cafés
teatro y cabarets que frecuenta.
Toulouse-Lautrec: La Goulue en el Moulin-Rouge, 1891
Toulouse-Lautrec:
Jane Avril en el
Jardin de Paris,
1893
•
http://arelarte.blogspot.com.es/2013/04/postimpresionismo-Cézanne.html
•
http://arteaula23.blogspot.com.es/2011/05/postimpresionismo-cezanne-gauguin-van.html
•
http://clio.rediris.es/n33/n33/arte/22Vanguar.pdf
•
http://studylib.es/doc/5409053/tema-7-el-postimpresionismo-y-sus-derivaciones
•
http://www.arteespana.com/postimpresionismo.htm
•
http://www.claseshistoria.com/guillermo/adiapositivas.htm
•
http://www.edu.xunta.gal/centros/iessanpaio/system/files/TEMAXIXIMPRESIONISMOPOSTIMPRESIONISMO.pdf
•
https://es.slideshare.net/arelar/postimpresionismo-czanne
•
https://es.slideshare.net/arelar/gauguin-65118488
•
https://es.slideshare.net/arelar/van-gogh-46695726
•
https://es.slideshare.net/ElenaLB/pintura-postimpresionista-12647083
•
https://es.slideshare.net/juandi/el-postimpresionismo
•
https://es.slideshare.net/librodehoras/el-postimpresionismo-paul-czanne-paul-gauguin-vincent-van-gogh
•
https://es.slideshare.net/lvillamil/el-postimpresionismo-3410802
•
https://es.slideshare.net/Manuelguillnguerrero/133-postimpresionismo-simbolismo-nabis-48663135
•
https://www.ecured.cu/Postimpresionismo
•
https://www.slideshare.net/isabelmoratal/15-postimpresionismo
•
https://www.slideshare.net/PepemartinB/30-impresionismo-y-postimpresionismo
http://arelarte.blogspot.com.es/2013/04/postimpresionismo-Cézanne.html
•
http://arteaula23.blogspot.com.es/2011/05/postimpresionismo-cezanne-gauguin-van.html
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http://clio.rediris.es/n33/n33/arte/22Vanguar.pdf
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http://studylib.es/doc/5409053/tema-7-el-postimpresionismo-y-sus-derivaciones
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http://www.arteespana.com/postimpresionismo.htm
•
http://www.claseshistoria.com/guillermo/adiapositivas.htm
•
http://www.edu.xunta.gal/centros/iessanpaio/system/files/TEMAXIXIMPRESIONISMOPOSTIMPRESIONISMO.pdf
•
https://es.slideshare.net/arelar/postimpresionismo-czanne
•
https://es.slideshare.net/arelar/gauguin-65118488
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https://es.slideshare.net/arelar/van-gogh-46695726
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https://es.slideshare.net/ElenaLB/pintura-postimpresionista-12647083
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https://es.slideshare.net/juandi/el-postimpresionismo
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https://es.slideshare.net/librodehoras/el-postimpresionismo-paul-czanne-paul-gauguin-vincent-van-gogh
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https://es.slideshare.net/lvillamil/el-postimpresionismo-3410802
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https://es.slideshare.net/Manuelguillnguerrero/133-postimpresionismo-simbolismo-nabis-48663135
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