La imagen pictórica
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Slide Content
Universidad de San Carlos de Guatemala
Escuela de Ciencias de la Comunicación
Octavo semestre de Licenciatura
Jornada vespertina
Semiología de la Imagen
Lic. Carlos Velásquez
LA IMAGEN PICTÓRICA
NOMBRES CARNÉ N°
Carolyn Mishelle Castillo Casasola 200916423
Denice Alexis Moscoso Del Cid 200923886
Mónica Sharón López Cermeño 200924107
Gabriela María Román Paz 200924220
Guatemala, Viernes 07 de septiembre de 2012.
Escuela de Ciencias de la Comunicación
Octavo semestre de Licenciatura
Jornada vespertina
Semiología de la Imagen
Lic. Carlos Velásquez
LA IMAGEN PICTÓRICA
NOMBRES CARNÉ N°
Carolyn Mishelle Castillo Casasola 200916423
Denice Alexis Moscoso Del Cid 200923886
Mónica Sharón López Cermeño 200924107
Gabriela María Román Paz 200924220
Guatemala, Viernes 07 de septiembre de 2012.
Índice
Introducción
La imagen pictórica
“Las imágenes pictóricas son textos virtuales manualmente producidos, únicos y que
ofrecen una visión estática de los temas presentados.”
1
Definimos imagen pictórica como el conjunto complejo de entender de diferentes practicas
materiales, en el cual se utiliza la pintura. (Zunzunegui, 2007)
La imagen pictórica incursiona en varias clasificaciones, las cuales caben dentro del proceso de
estudio de la semiótica, ya que son textos icónicos con significación convencionalizada a la cual se
llega por el estudio del proceso de semiosis que contienen muchos textos visuales.
Dentro de estas clasificaciones tomamos las siguientes, ya que las consideramos como las más
importantes, visualizadas y practicadas dentro de la sociedad.
1. Dibujo
Según Lambert “la palabra dibujo deriva de un vocablo latino: designare, que significa
designar, señalar.” (1999:3) El dibujo es una forma de expresión grafica, plasmando
imágenes sobre un espacio plano. “Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como
delineación, figura e imagen ejecutada en claro y oscuro que toma nombre del material con
que se hace”. (1999:4)
El dibujo es una de las derivaciones de las imágenes pictóricas. Según Zunzunegui “las
imágenes pictóricas se diferencian históricamente de todas las demás practicas pictóricas,
ya que poseen la particularidad de no poderse reproducir” (2007:113) sin que esto afecte en
la perdida ya sea total o parcial de alguna de sus cualidades. El dibujo por lo tanto cumple
con las características de un texto pictórico, que según Zunzunegui las establece como:
“manualmente producido, único y que ofrece una visión estática del tema que represente”.
(2007:113)
1
Zunzunegui, Santos. (2007). “Pensar la imagen”. Madrid. Universidad del país vasco. 6
a
edición. Pág 103.
Introducción
La imagen pictórica
“Las imágenes pictóricas son textos virtuales manualmente producidos, únicos y que
ofrecen una visión estática de los temas presentados.”
1
Definimos imagen pictórica como el conjunto complejo de entender de diferentes practicas
materiales, en el cual se utiliza la pintura. (Zunzunegui, 2007)
La imagen pictórica incursiona en varias clasificaciones, las cuales caben dentro del proceso de
estudio de la semiótica, ya que son textos icónicos con significación convencionalizada a la cual se
llega por el estudio del proceso de semiosis que contienen muchos textos visuales.
Dentro de estas clasificaciones tomamos las siguientes, ya que las consideramos como las más
importantes, visualizadas y practicadas dentro de la sociedad.
1. Dibujo
Según Lambert “la palabra dibujo deriva de un vocablo latino: designare, que significa
designar, señalar.” (1999:3) El dibujo es una forma de expresión grafica, plasmando
imágenes sobre un espacio plano. “Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como
delineación, figura e imagen ejecutada en claro y oscuro que toma nombre del material con
que se hace”. (1999:4)
El dibujo es una de las derivaciones de las imágenes pictóricas. Según Zunzunegui “las
imágenes pictóricas se diferencian históricamente de todas las demás practicas pictóricas,
ya que poseen la particularidad de no poderse reproducir” (2007:113) sin que esto afecte en
la perdida ya sea total o parcial de alguna de sus cualidades. El dibujo por lo tanto cumple
con las características de un texto pictórico, que según Zunzunegui las establece como:
“manualmente producido, único y que ofrece una visión estática del tema que represente”.
(2007:113)
1
Zunzunegui, Santos. (2007). “Pensar la imagen”. Madrid. Universidad del país vasco. 6
a
edición. Pág 103.
Según Lambert (1999:5) el dibujo es parte del lenguaje no verbal ya sin mediar palabras,
podemos transmitir ideas que todos entienden de modo grafico, “Hay dibujos que son
reconocidos dentro de una cultura” (1999:7), esto gracias a la fuerte convencionalidad que
poseen ciertos dibujos, no tiene limitaciones de idioma, ni edad o tiempo y es cotidiano,
características esenciales que lo hacen accesible.
1.1. Técnica
1.1.1. Superficies del dibujo: Según Lambert, “la textura y color de las superficies de
los materiales sobre los que se realizan los dibujos influyen en el modo de
trabajar del dibujante, el efecto que este produce y la respuesta de quien lo
contempla.”(1999:9)
1.1.2. Instrumentos y medios: Según Lambert, “estos producen diferentes efectos los
cuales se pueden obtener a partir de las características de los materiales. Por
ejemplo: la finura de la punta metálica como instrumento de dibujo obliga a que
el dibujante realice con los dedos movimientos complicados, mientras que un
medio más tosco como el carbón, fomenta en el artista dibujar con decididos
barridos del brazo. En consecuencia los dibujos realizados a punta metálica
tienden a ser pequeños, mientras que las obras a carbón son concebidas a mayor
escala. La calidad de la línea producida por un instrumento como la pluma o el
pincel, en el que el movimiento del mismo se interrumpe para volverlo a cargar
de tinta, se distingue de la línea realizada con grafito o tiza las cuales
proporcionan una provisión ininterrumpida del medio.” (Lambert 1999:10)
1.2.Convenciones del Dibujo
Como dice Zunzunegui, a pesar de que “cada artista crea su propia y particular semiótica”
al dibujar (2007:114), existen ciertas convencionalidades de las cuales todos los dibujantes
se rigen bajo ciertas reglas, como por ejemplo:
1.2.1 Trabajar en perspectiva: Según Lambert “la perspectiva es el arte de representar
sobre una superficie plana el efecto de solidez, distancia y tamaño relativo.”
(1999:32). Como explica el licenciado Velásquez en su libro La imagen como
fenómeno semiótico, el artista crea estímulos sucedáneos ya que a pesar de que
podemos transmitir ideas que todos entienden de modo grafico, “Hay dibujos que son
reconocidos dentro de una cultura” (1999:7), esto gracias a la fuerte convencionalidad que
poseen ciertos dibujos, no tiene limitaciones de idioma, ni edad o tiempo y es cotidiano,
características esenciales que lo hacen accesible.
1.1. Técnica
1.1.1. Superficies del dibujo: Según Lambert, “la textura y color de las superficies de
los materiales sobre los que se realizan los dibujos influyen en el modo de
trabajar del dibujante, el efecto que este produce y la respuesta de quien lo
contempla.”(1999:9)
1.1.2. Instrumentos y medios: Según Lambert, “estos producen diferentes efectos los
cuales se pueden obtener a partir de las características de los materiales. Por
ejemplo: la finura de la punta metálica como instrumento de dibujo obliga a que
el dibujante realice con los dedos movimientos complicados, mientras que un
medio más tosco como el carbón, fomenta en el artista dibujar con decididos
barridos del brazo. En consecuencia los dibujos realizados a punta metálica
tienden a ser pequeños, mientras que las obras a carbón son concebidas a mayor
escala. La calidad de la línea producida por un instrumento como la pluma o el
pincel, en el que el movimiento del mismo se interrumpe para volverlo a cargar
de tinta, se distingue de la línea realizada con grafito o tiza las cuales
proporcionan una provisión ininterrumpida del medio.” (Lambert 1999:10)
1.2.Convenciones del Dibujo
Como dice Zunzunegui, a pesar de que “cada artista crea su propia y particular semiótica”
al dibujar (2007:114), existen ciertas convencionalidades de las cuales todos los dibujantes
se rigen bajo ciertas reglas, como por ejemplo:
1.2.1 Trabajar en perspectiva: Según Lambert “la perspectiva es el arte de representar
sobre una superficie plana el efecto de solidez, distancia y tamaño relativo.”
(1999:32). Como explica el licenciado Velásquez en su libro La imagen como
fenómeno semiótico, el artista crea estímulos sucedáneos ya que a pesar de que
dé la impresión de profundidad y dimensión no importa la distancia a la cual se
observe siempre se verá el mismo ángulo del dibujo. (2012:29)
1.2.2 Según Lambert (1999) otro problema es que la mayoría de los dibujos se
realizan como trabajos preliminares. Por esta razón a menudo se necesita
transferirlos a otra superficie, ya sea para que el artista pueda seguir elaborando
sus ideas o a fin de obtener un dibujo para trabajar en otro medio. (32)
1.3. La utilidad del dibujo
Lambert expresa que “ningún dibujo se produce teniendo como finalidad solamente su
propia imagen, todos se han realizado con una segunda intención.” (1999:109) La de
comunicar por medio de un conjunto de signos las ideas del artista.
Según Velásquez en su libro de Teoría de la mentira (2009) un dibujo es signo en la
manera en que el autor materializa lo que quiere transmitirnos y quien lo ve lo interpreta
según el contexto cultural e histórico en el que se encuentra.
2. Pintura
La pintura es el arte y técnica de crear imágenes a través de la aplicación de
pigmentos de color sobre una superficie, sea papel, tela, madera, pared, etc. La pintura es
una de las expresiones artísticas humanas más antiguas y una de las seis Bellas Artes. La
historia de esta consta desde la prehistoria hasta la actualidad e incluye todas las
representaciones realizadas con las diferentes técnicas y cambios, que coinciden con la
historia del arte en su contexto histórico y cultural. Los autores como Platón ,Aristóteles
y Horacio afirmaron que el arte es siempre una mímesis (…). (2012)
2.1 Géneros Pictóricos (2012)
2.1.1 Pintura histórica: Pinturas con temas religiosos, mitológicos, históricos,
literarios o alegóricos, era prácticamente una interpretación de la vida y
mostraba un mensaje intelectual o moral.
2.1.2 Retrato: El retrato tiene una ubicación ambigua e intermedia, por un lado,
representa a una persona hecha a semejanza de Dios, pero por otro lado, al
fin y al cabo, se trata de glorificar la vanidad de una persona.
observe siempre se verá el mismo ángulo del dibujo. (2012:29)
1.2.2 Según Lambert (1999) otro problema es que la mayoría de los dibujos se
realizan como trabajos preliminares. Por esta razón a menudo se necesita
transferirlos a otra superficie, ya sea para que el artista pueda seguir elaborando
sus ideas o a fin de obtener un dibujo para trabajar en otro medio. (32)
1.3. La utilidad del dibujo
Lambert expresa que “ningún dibujo se produce teniendo como finalidad solamente su
propia imagen, todos se han realizado con una segunda intención.” (1999:109) La de
comunicar por medio de un conjunto de signos las ideas del artista.
Según Velásquez en su libro de Teoría de la mentira (2009) un dibujo es signo en la
manera en que el autor materializa lo que quiere transmitirnos y quien lo ve lo interpreta
según el contexto cultural e histórico en el que se encuentra.
2. Pintura
La pintura es el arte y técnica de crear imágenes a través de la aplicación de
pigmentos de color sobre una superficie, sea papel, tela, madera, pared, etc. La pintura es
una de las expresiones artísticas humanas más antiguas y una de las seis Bellas Artes. La
historia de esta consta desde la prehistoria hasta la actualidad e incluye todas las
representaciones realizadas con las diferentes técnicas y cambios, que coinciden con la
historia del arte en su contexto histórico y cultural. Los autores como Platón ,Aristóteles
y Horacio afirmaron que el arte es siempre una mímesis (…). (2012)
2.1 Géneros Pictóricos (2012)
2.1.1 Pintura histórica: Pinturas con temas religiosos, mitológicos, históricos,
literarios o alegóricos, era prácticamente una interpretación de la vida y
mostraba un mensaje intelectual o moral.
2.1.2 Retrato: El retrato tiene una ubicación ambigua e intermedia, por un lado,
representa a una persona hecha a semejanza de Dios, pero por otro lado, al
fin y al cabo, se trata de glorificar la vanidad de una persona.
2.1.3 Pintura de género: Es el retrato de los hábitos de las personas privadas en
escenas cotidianas y contemporáneas del pintor, también se suele llamar
pintura costumbrista.
2.1.4 Paisaje: Temas de cuadros campestres, cielos cargados de nubes, como los
molinos de viento, ganados y barcas de pesca, imágenes panorámicas de la
ciudad.
2.1.5 Naturaleza muerta: Es el género más representativo de la imitación de la
naturaleza de objetos inanimados, en general de la vida cotidiana, como
frutas, flores, comida, utensilios de cocina, de mesa, libros, joyas etc.
2.1.6 Desnudo: Consiste en la representación del cuerpo humano desnudo.
2.2 Técnicas Pictóricas (2012)
2.2.1 Óleo: La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado
seco, mezclado en la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal. El óleo
puede ser utilizado sobre un muro, Óleo sobre tabla. Óleo sobre lienzo,
Óleo por veladuras. (1981: 18)
2.2.2. Pintura Mural: Un mural es una imagen que usa de soporte un muro o pared..
La piedra o el ladrillo es el material del que está hecho este soporte.
2.2.3 Cera: El vehículo son ceras que normalmente se usan calientes, es densa y
cremosa.
2.2.4 Acuarela: La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores
diluidos en agua. (1981: 343)
2.2.5 Témpera: La témpera o gouache es un medio similar a la acuarela, pero tiene
una porción de talco industrial o blanco de zinc.
2.2.6 Acrílico: La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que
los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola
vinílica, generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son
resistentes a la misma.
escenas cotidianas y contemporáneas del pintor, también se suele llamar
pintura costumbrista.
2.1.4 Paisaje: Temas de cuadros campestres, cielos cargados de nubes, como los
molinos de viento, ganados y barcas de pesca, imágenes panorámicas de la
ciudad.
2.1.5 Naturaleza muerta: Es el género más representativo de la imitación de la
naturaleza de objetos inanimados, en general de la vida cotidiana, como
frutas, flores, comida, utensilios de cocina, de mesa, libros, joyas etc.
2.1.6 Desnudo: Consiste en la representación del cuerpo humano desnudo.
2.2 Técnicas Pictóricas (2012)
2.2.1 Óleo: La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado
seco, mezclado en la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal. El óleo
puede ser utilizado sobre un muro, Óleo sobre tabla. Óleo sobre lienzo,
Óleo por veladuras. (1981: 18)
2.2.2. Pintura Mural: Un mural es una imagen que usa de soporte un muro o pared..
La piedra o el ladrillo es el material del que está hecho este soporte.
2.2.3 Cera: El vehículo son ceras que normalmente se usan calientes, es densa y
cremosa.
2.2.4 Acuarela: La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores
diluidos en agua. (1981: 343)
2.2.5 Témpera: La témpera o gouache es un medio similar a la acuarela, pero tiene
una porción de talco industrial o blanco de zinc.
2.2.6 Acrílico: La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que
los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola
vinílica, generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son
resistentes a la misma.
2.2.7 Pastel: Utilización de unas barras de colores cuyos pigmentos en polvo están
mezclados con la suficiente goma o resina para que queden aglutinados y
formen una pasta seca y compacta.
2.2.8 Temple: Creado con una mezcla de agua, clara y yema de huevo y aceite.
(1981: 4)
2.2.9 Tinta: La presentación de la tinta, también llamada tinta china, es
generalmente líquida aunque también puede ser una barra muy sólida que se
debe moler y diluir para su uso.
2.2.10 Estarcido: El estarcido, también llamado esténcil es una técnica artística de
decoración en que una plantilla con un dibujo recortado es usada para aplicar
pintura, lanzándola a través de dicho recorte, obteniéndose un dibujo con esa
forma.
2.2.11 Grabado a media tinta: Es un tipo de estampación realizado por el método
del grabado en hueco que logra reproducir matices y claroscuros
2.2.12 Fresco: La técnica del fresco se basa en un cambio químico. Los pigmentos de
tierra molidos y mezclados con agua pura, se aplican sobre una argamasa
reciente de cal y arena, mientras la cal está aún en forma de hidróxido de
calcio. (1981: 5)
2.2.13 Grisalla: Es una técnica pictórica basada en una pintura monocroma en
claroscuro, el color está hecho de una mezcla de óxidos de hierro y de cobre y
de un fundente, que produce la sensación de ser un relieve escultórico.
2.2.14 Aerografía: Una técnica de aplicación por aspersión o difuminación del área
de pintura sobre una superficie u objeto y es similar a la aplicación por spray
en la confección de los grafiti, pero en este caso, utiliza una herramienta
denominada aerógrafo para su aplicación.
2.2.15 Puntillismo: El puntillismo consiste en colocar puntos pequeños esféricos de
colores puros.
2.2.16 Dripping: El dripping es una pintura automática, hecha con gotas y
salpicaduras de pintura.
mezclados con la suficiente goma o resina para que queden aglutinados y
formen una pasta seca y compacta.
2.2.8 Temple: Creado con una mezcla de agua, clara y yema de huevo y aceite.
(1981: 4)
2.2.9 Tinta: La presentación de la tinta, también llamada tinta china, es
generalmente líquida aunque también puede ser una barra muy sólida que se
debe moler y diluir para su uso.
2.2.10 Estarcido: El estarcido, también llamado esténcil es una técnica artística de
decoración en que una plantilla con un dibujo recortado es usada para aplicar
pintura, lanzándola a través de dicho recorte, obteniéndose un dibujo con esa
forma.
2.2.11 Grabado a media tinta: Es un tipo de estampación realizado por el método
del grabado en hueco que logra reproducir matices y claroscuros
2.2.12 Fresco: La técnica del fresco se basa en un cambio químico. Los pigmentos de
tierra molidos y mezclados con agua pura, se aplican sobre una argamasa
reciente de cal y arena, mientras la cal está aún en forma de hidróxido de
calcio. (1981: 5)
2.2.13 Grisalla: Es una técnica pictórica basada en una pintura monocroma en
claroscuro, el color está hecho de una mezcla de óxidos de hierro y de cobre y
de un fundente, que produce la sensación de ser un relieve escultórico.
2.2.14 Aerografía: Una técnica de aplicación por aspersión o difuminación del área
de pintura sobre una superficie u objeto y es similar a la aplicación por spray
en la confección de los grafiti, pero en este caso, utiliza una herramienta
denominada aerógrafo para su aplicación.
2.2.15 Puntillismo: El puntillismo consiste en colocar puntos pequeños esféricos de
colores puros.
2.2.16 Dripping: El dripping es una pintura automática, hecha con gotas y
salpicaduras de pintura.
2.2.17 Lienzo: Los más usados son los provenientes de fibras vegetales como el
cáñamo, el lino, el yute con tramado fino o el algodón, todos se presentan con
grano fino o grueso según el resultado que quiera el artista de su trabajo,
2.2.18 Cobre: No es un soporte muy común, pero fue usado principalmente en
láminas muy delgadas. El tamaño normalmente pequeño de estas planchas
hace pensar que los artistas que las emplearon, las habían reciclado de antiguos
grabados.
2.2.19 Vidrio: Realizado en objetos (jarras, vasos) con esmalte que una vez
decorados en frío, debe ser sometido, para su fijación al soporte, al calor del
horno con una temperatura inferior a la fusión del vidrio.
2.2.20 Flammagrafía: Consiste en pintar los cuadros a través de una llama de fuego.
Cuando hablamos de pintura debemos adentrarnos en ella y poder apreciarla, ya que
ella está fuertemente convencionalizada e institucionalizada, y para apreciar este arte no es
suficiente solo el uso del sentido común, ya que son más que trazos y colores que están
estratégicamente colocados y definidos por una época en su contexto cultural,
socioeconómico e histórico.
3. El graffiti
Breve historia
Jorge Méndez nos cuenta que el graffiti tuvo sus inicios en los años 60, en Nueva York bajo
la influencia de la música hip-hop. El pionero del graffiti era de origen Griego que se hacía
llamar TAKI 183, pero su nombre real era Dementrius. TAKI183 trabajaba como
mensajero y pintaba su firma en todos los sitios en los que entregaba documentos.
El graffiti comenzó con un estilo de letras contrastadas con color que dieron inicio a los
primeros tags con outline (línea de borde), estas más adelante se perfeccionaron dando
como resultado firmas más gruesas y coloreadas que se denominan “bubble letters (letras
pompa). Posteriormente se crearon los thtos up o vomitadas que se caracterizan por ser
creadas con rapidez. Block letter es el graffiti mas legible.
cáñamo, el lino, el yute con tramado fino o el algodón, todos se presentan con
grano fino o grueso según el resultado que quiera el artista de su trabajo,
2.2.18 Cobre: No es un soporte muy común, pero fue usado principalmente en
láminas muy delgadas. El tamaño normalmente pequeño de estas planchas
hace pensar que los artistas que las emplearon, las habían reciclado de antiguos
grabados.
2.2.19 Vidrio: Realizado en objetos (jarras, vasos) con esmalte que una vez
decorados en frío, debe ser sometido, para su fijación al soporte, al calor del
horno con una temperatura inferior a la fusión del vidrio.
2.2.20 Flammagrafía: Consiste en pintar los cuadros a través de una llama de fuego.
Cuando hablamos de pintura debemos adentrarnos en ella y poder apreciarla, ya que
ella está fuertemente convencionalizada e institucionalizada, y para apreciar este arte no es
suficiente solo el uso del sentido común, ya que son más que trazos y colores que están
estratégicamente colocados y definidos por una época en su contexto cultural,
socioeconómico e histórico.
3. El graffiti
Breve historia
Jorge Méndez nos cuenta que el graffiti tuvo sus inicios en los años 60, en Nueva York bajo
la influencia de la música hip-hop. El pionero del graffiti era de origen Griego que se hacía
llamar TAKI 183, pero su nombre real era Dementrius. TAKI183 trabajaba como
mensajero y pintaba su firma en todos los sitios en los que entregaba documentos.
El graffiti comenzó con un estilo de letras contrastadas con color que dieron inicio a los
primeros tags con outline (línea de borde), estas más adelante se perfeccionaron dando
como resultado firmas más gruesas y coloreadas que se denominan “bubble letters (letras
pompa). Posteriormente se crearon los thtos up o vomitadas que se caracterizan por ser
creadas con rapidez. Block letter es el graffiti mas legible.
Uno de los graffitis que se ubican en el umbral superior son los de tipo wild style, el
graffitero fue motivado por la obsesión de popularidad. (Jorge Mendez, Consultado el día
29 de agosto del 2012, http://www.valladolidwebmusical.org/graffiti/historia/01intro.html).
3.1 Se considera que el graffiti cuenta con dos divisiones las cuales son, graffitis
tipográficos y graffitis icónicos.
Los grafitis tipográficos son considerados como tags (firmas), estos únicamente cuentan
letras.
Los tipos de graffiti más destacados son los de tipo wild style, Throw Up, Bubble Letter y
3D. Los de tipo wild style cuentan con subdivisiones que son: Wild style simetric y wild
style tribal. (Randrup Maximo, 2009: 34).
Los graffitis icónicos son todos aquellos que en su contenido se encuentran personajes,
comics, dibujos animados, son todos los que no cuentan con tipografía.
3.2 Alex Camaro Silva (2007) Clasificación del graffiti según su contenido:
Informativos y contra informativos: utilizan códigos verbales en donde explícitamente
informan algo sin ninguna retorica.
Mixtos y de equilibrio: existe armonía entre ala imagen y el texto, además contrasta con el
sitio en donde esta dibujado el graffiti.
Mirada irónica: son creados con un efecto estético que nos haga sentir una emoción a partir
de un estimulo visual.
3.3 Graffiti abstracto
Jorge Méndez señala que es el punto en el que el graffiti pierde su identidad, está ubicado
en el grado más extremo. Este se crea con aerosol pero lo único que lo identifica como
graffiti es haber sido creado por un graffitero. En ocasiones únicamente se pierde la forma
de las letras, por lo que sería un icono de colores, rellenos y degradados.
graffitero fue motivado por la obsesión de popularidad. (Jorge Mendez, Consultado el día
29 de agosto del 2012, http://www.valladolidwebmusical.org/graffiti/historia/01intro.html).
3.1 Se considera que el graffiti cuenta con dos divisiones las cuales son, graffitis
tipográficos y graffitis icónicos.
Los grafitis tipográficos son considerados como tags (firmas), estos únicamente cuentan
letras.
Los tipos de graffiti más destacados son los de tipo wild style, Throw Up, Bubble Letter y
3D. Los de tipo wild style cuentan con subdivisiones que son: Wild style simetric y wild
style tribal. (Randrup Maximo, 2009: 34).
Los graffitis icónicos son todos aquellos que en su contenido se encuentran personajes,
comics, dibujos animados, son todos los que no cuentan con tipografía.
3.2 Alex Camaro Silva (2007) Clasificación del graffiti según su contenido:
Informativos y contra informativos: utilizan códigos verbales en donde explícitamente
informan algo sin ninguna retorica.
Mixtos y de equilibrio: existe armonía entre ala imagen y el texto, además contrasta con el
sitio en donde esta dibujado el graffiti.
Mirada irónica: son creados con un efecto estético que nos haga sentir una emoción a partir
de un estimulo visual.
3.3 Graffiti abstracto
Jorge Méndez señala que es el punto en el que el graffiti pierde su identidad, está ubicado
en el grado más extremo. Este se crea con aerosol pero lo único que lo identifica como
graffiti es haber sido creado por un graffitero. En ocasiones únicamente se pierde la forma
de las letras, por lo que sería un icono de colores, rellenos y degradados.
3.4 Rasgos comunes en el graffiti
3.4.1 La forma
3.4.2 Relleno
3.4.3 Borde
3.4.4 Fondo
3.4.5 La nube
3.4.6 Powe line
3.4.7 Brillo
3.4.8 Destello
3.4.9 3D
3.4.10 Remates
3.4.11 Conexiones
3.4.12 Flechas
3.4.13 Firma del autor
3.4.14 Inscripciones
3.5 Utensilios
3.5.1Aerosol
3.5.2Spray
3.5.3Boquillas
3.5.4Rotuladores
3.5.5Brochas
3.5.6Tizas
3.5.7Rodillo
3.6 Graffiti y publicidad
Crispin Starwell, en su sitio web (http://www.todoelcolor.cl/2011/06/street-art-
graffiti/graffiti-vandalismo-y-publicidad/) señala que el graffiti y la publicidad tienen
muchas cosas en común. Ambos transmiten sus mensajes ocupando el espacio público, de
hecho ambos son omnipresentes e inevitables. En el mejor caso ambos alcanzan la
excelencia, ambos son arte, aunque a menudo no sean nada más que un ruido irritante y
3.4.1 La forma
3.4.2 Relleno
3.4.3 Borde
3.4.4 Fondo
3.4.5 La nube
3.4.6 Powe line
3.4.7 Brillo
3.4.8 Destello
3.4.9 3D
3.4.10 Remates
3.4.11 Conexiones
3.4.12 Flechas
3.4.13 Firma del autor
3.4.14 Inscripciones
3.5 Utensilios
3.5.1Aerosol
3.5.2Spray
3.5.3Boquillas
3.5.4Rotuladores
3.5.5Brochas
3.5.6Tizas
3.5.7Rodillo
3.6 Graffiti y publicidad
Crispin Starwell, en su sitio web (http://www.todoelcolor.cl/2011/06/street-art-
graffiti/graffiti-vandalismo-y-publicidad/) señala que el graffiti y la publicidad tienen
muchas cosas en común. Ambos transmiten sus mensajes ocupando el espacio público, de
hecho ambos son omnipresentes e inevitables. En el mejor caso ambos alcanzan la
excelencia, ambos son arte, aunque a menudo no sean nada más que un ruido irritante y
pueril.
Pero también existen diferencias importantes. La publicidad está diseñada para manipular
gente, en tanto el graffiti es una forma de pura auto-expresión. La publicidad es fomentada
por las autoridades. El graffiti es ilegal. Y he aquí la diferencia que hace que todas las
demás cobren pleno sentido: dinero. (Crispin Starwell. 2003
http://www.todoelcolor.cl/2011/06/street-art-graffiti/graffiti-vandalismo-y-publicidad/
Del libro de Crispin Sartwell “Extreme Virtue: Leadership and Truth in Five Great
American Lives”. Albany: State University of New York Press, 2003.
4. El Body Art
Es un arte conceptual que surgió de la “corriente más reflexiva minimalista que
privilegiaba los componentes minimales de la obra por encima de sus procesos de
ejecución/fabricación”
2
.Con la aparición del body art surgió la reflexión del papel que
jugaban el autor y su construcción y se redefinen las condiciones de receptividad y el papel
del observador. De ello surge la idea de utilizar el cuerpo humano de una forma escultórica
o pictórica, para realzar las diferentes ideas de una forma distinta al lienzo de papel y
pintura. El body art traza una idea de arte revolucionaria que puede llegar a expresar, de
manera trascendental, los sentimientos, pensamientos e ideas reflejadas en sociedad.
5. El Body Painting
El body painting, surge desde que el hombre primitivo lo utilizaba para establecer límites
diferenciales dentro de las distintas tribus diferentes. Hoy, es tomado como un arte efímero
(Méndez Fajardo, M. Eugenia (2003:39)), debido a que se recurre a este arte para
celebraciones y es pasajero, ya que su tiempo es de lo que dura la festividad y el material es
previsto con un destino fugaz y pasajero. Un ejemplo claro es el de la utilización del body
painting en la publicidad. Es otra expresión de índole rebelde, es despliegue del body art, al
ser el cuerpo el lienzo a utilizar para recrear las ideas con pintura. Es una forma distinta de
arte, utilizado en su mayoría, por grupos sociales que salen del patrón común de
idiosincrasia y muestran formas rebeldes, como cuando la comunidad rockera celebra sus
2
http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lap/sanchez_m_r/capitulo2.pdf. Esta
página fue visitada el 24 agosto 2012, a las 11:34.
Pero también existen diferencias importantes. La publicidad está diseñada para manipular
gente, en tanto el graffiti es una forma de pura auto-expresión. La publicidad es fomentada
por las autoridades. El graffiti es ilegal. Y he aquí la diferencia que hace que todas las
demás cobren pleno sentido: dinero. (Crispin Starwell. 2003
http://www.todoelcolor.cl/2011/06/street-art-graffiti/graffiti-vandalismo-y-publicidad/
Del libro de Crispin Sartwell “Extreme Virtue: Leadership and Truth in Five Great
American Lives”. Albany: State University of New York Press, 2003.
4. El Body Art
Es un arte conceptual que surgió de la “corriente más reflexiva minimalista que
privilegiaba los componentes minimales de la obra por encima de sus procesos de
ejecución/fabricación”
2
.Con la aparición del body art surgió la reflexión del papel que
jugaban el autor y su construcción y se redefinen las condiciones de receptividad y el papel
del observador. De ello surge la idea de utilizar el cuerpo humano de una forma escultórica
o pictórica, para realzar las diferentes ideas de una forma distinta al lienzo de papel y
pintura. El body art traza una idea de arte revolucionaria que puede llegar a expresar, de
manera trascendental, los sentimientos, pensamientos e ideas reflejadas en sociedad.
5. El Body Painting
El body painting, surge desde que el hombre primitivo lo utilizaba para establecer límites
diferenciales dentro de las distintas tribus diferentes. Hoy, es tomado como un arte efímero
(Méndez Fajardo, M. Eugenia (2003:39)), debido a que se recurre a este arte para
celebraciones y es pasajero, ya que su tiempo es de lo que dura la festividad y el material es
previsto con un destino fugaz y pasajero. Un ejemplo claro es el de la utilización del body
painting en la publicidad. Es otra expresión de índole rebelde, es despliegue del body art, al
ser el cuerpo el lienzo a utilizar para recrear las ideas con pintura. Es una forma distinta de
arte, utilizado en su mayoría, por grupos sociales que salen del patrón común de
idiosincrasia y muestran formas rebeldes, como cuando la comunidad rockera celebra sus
2
http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lap/sanchez_m_r/capitulo2.pdf. Esta
página fue visitada el 24 agosto 2012, a las 11:34.
festivales (entrevista, 19.8. 2012) o bien, también se utiliza por grupos sociales con una
idiosincrasia muy establecida y muy difícilmente obstruida, como la celebración de bodas
de una persona hindú. El modo de ver este arte, dependerá mucho del contexto social en
donde este es representado.
6. El tatuaje
Es un arte antiguo, que surge con la historia del ser humano, en muchas culturas es
utilizado como simbolismo o ritual, o como una forma de señalar y marcar a los criminales
(Marina Kastan (2008)). De allí que el tatuaje es visto como un tipo de subcultura, que no
es bien aceptada y mal interpretada, por esos indicios de violencia que utilizan ciertos
grupos sociales que los utilizan como una marca de sus actos delictivos (entrevista, 19.8.
2012). Pero también cuenta con prácticas culturales que son vistas como un ritual o
símbolo, muchas veces de pureza e ideología espiritual, como en China o Japón (A. Fisher,
Jill, Tattooing The Body, Marking The Culture, 24.8.2012). El tatuador lo ve como un arte
en el cual se plasman los sentimientos de la persona y estos son revelados por medio de
tinta corporal permanente, porque puede ser que sean sentimientos profundos y no pueden
ser expresados con palabras o bien se desean tener todo el tiempo para ser recordados
(entrevista, 19.8. 2012), de igual forma, aseguran que es una forma rebelde de
manifestaciones ideológicas, al no ser bien vistas por nuestras sociedades occidentales, y
algo muy profundo, con representaciones simbólicas importantísimas para culturas
orientales (entrevista, 19.8. 2012) . De la forma que sea, el tatuaje es un arte corporal que
expresa formas culturales, que bien o mal vistas, proporciona una herramienta para el
estudio de sociedades y su evolución.
Tanto el body art, el body painting y el tatuaje, al tratarse de textos y códigos icónicos que
poseen una significación que representa reglas y convenciones establecidas, y luego estas
son comunicadas por medio de signos, creando así, instituciones, motivaciones y haciendo
historia en la sociedad en la cual son emitidos.
Más allá de una forma estructural de presentar este tipo de arte, realizado directo en el ser
humano, existe una denotación y connotación muy importante, que conecta al artista con la
persona-lienzo, y luego esta trasciende al ser expuesta en sociedad, despojándose de
idiosincrasia muy establecida y muy difícilmente obstruida, como la celebración de bodas
de una persona hindú. El modo de ver este arte, dependerá mucho del contexto social en
donde este es representado.
6. El tatuaje
Es un arte antiguo, que surge con la historia del ser humano, en muchas culturas es
utilizado como simbolismo o ritual, o como una forma de señalar y marcar a los criminales
(Marina Kastan (2008)). De allí que el tatuaje es visto como un tipo de subcultura, que no
es bien aceptada y mal interpretada, por esos indicios de violencia que utilizan ciertos
grupos sociales que los utilizan como una marca de sus actos delictivos (entrevista, 19.8.
2012). Pero también cuenta con prácticas culturales que son vistas como un ritual o
símbolo, muchas veces de pureza e ideología espiritual, como en China o Japón (A. Fisher,
Jill, Tattooing The Body, Marking The Culture, 24.8.2012). El tatuador lo ve como un arte
en el cual se plasman los sentimientos de la persona y estos son revelados por medio de
tinta corporal permanente, porque puede ser que sean sentimientos profundos y no pueden
ser expresados con palabras o bien se desean tener todo el tiempo para ser recordados
(entrevista, 19.8. 2012), de igual forma, aseguran que es una forma rebelde de
manifestaciones ideológicas, al no ser bien vistas por nuestras sociedades occidentales, y
algo muy profundo, con representaciones simbólicas importantísimas para culturas
orientales (entrevista, 19.8. 2012) . De la forma que sea, el tatuaje es un arte corporal que
expresa formas culturales, que bien o mal vistas, proporciona una herramienta para el
estudio de sociedades y su evolución.
Tanto el body art, el body painting y el tatuaje, al tratarse de textos y códigos icónicos que
poseen una significación que representa reglas y convenciones establecidas, y luego estas
son comunicadas por medio de signos, creando así, instituciones, motivaciones y haciendo
historia en la sociedad en la cual son emitidos.
Más allá de una forma estructural de presentar este tipo de arte, realizado directo en el ser
humano, existe una denotación y connotación muy importante, que conecta al artista con la
persona-lienzo, y luego esta trasciende al ser expuesta en sociedad, despojándose de
mostrar algo superficial a mostrar una idea, un pensamiento o sentimiento de la realidad
reflejado en el texto que el artista y la persona-lienzo tienen en común. Se puede estudiar
un tatuaje, un body painting o un arte corporal, porque le interesa descubrir lo que estos
actos de comunicación transmiten y estos son fenómenos que muestran significación y
códigos, decodificando esto de una manera trascendente, con principios filosóficos y
estructuras científicas. Además, con el estudio semiótico de estos tipos de arte pictóricos se
puede ayudar a otras ciencias, como a la antropología en el estudio de la historia del ser
humano, a la psicología en los cambios de la psique del hombre e incluso a la materia del
arte, con aportes de la evolución que este ha tenido.
reflejado en el texto que el artista y la persona-lienzo tienen en común. Se puede estudiar
un tatuaje, un body painting o un arte corporal, porque le interesa descubrir lo que estos
actos de comunicación transmiten y estos son fenómenos que muestran significación y
códigos, decodificando esto de una manera trascendente, con principios filosóficos y
estructuras científicas. Además, con el estudio semiótico de estos tipos de arte pictóricos se
puede ayudar a otras ciencias, como a la antropología en el estudio de la historia del ser
humano, a la psicología en los cambios de la psique del hombre e incluso a la materia del
arte, con aportes de la evolución que este ha tenido.
Reseña
Dibujo
Según Lambert “la palabra dibujo deriva de un vocablo latino: designare, que significa
designar, señalar.” (1999:3). “Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como
delineación, figura e imagen ejecutada en claro y oscuro que toma nombre del material con
que se hace”. (1999:4)
El dibujo es una de las derivaciones de las imágenes pictóricas. El dibujo por lo tanto
cumple con las características de un texto pictórico, que según Zunzunegui las establece
como: “manualmente producido, único y que ofrece una visión estática del tema que
represente”. (2007:113)
Según Lambert (1999) el dibujo es parte del lenguaje no verbal ya sin mediar palabras,
podemos transmitir ideas que todos entienden de modo grafico, “Hay dibujos que son
reconocidos dentro de una cultura” (1999:7), esto gracias a la fuerte convencionalidad que
poseen ciertos dibujos.
Técnica
Superficies del dibujo: Según Lambert, “la textura y color de las superficies de los
materiales sobre los que se realizan los dibujos influyen en el modo de trabajar del
dibujante, el efecto que este produce y la respuesta de quien lo contempla.” (1999:9)
ANEXOS
Dibujo
Según Lambert “la palabra dibujo deriva de un vocablo latino: designare, que significa
designar, señalar.” (1999:3). “Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como
delineación, figura e imagen ejecutada en claro y oscuro que toma nombre del material con
que se hace”. (1999:4)
El dibujo es una de las derivaciones de las imágenes pictóricas. El dibujo por lo tanto
cumple con las características de un texto pictórico, que según Zunzunegui las establece
como: “manualmente producido, único y que ofrece una visión estática del tema que
represente”. (2007:113)
Según Lambert (1999) el dibujo es parte del lenguaje no verbal ya sin mediar palabras,
podemos transmitir ideas que todos entienden de modo grafico, “Hay dibujos que son
reconocidos dentro de una cultura” (1999:7), esto gracias a la fuerte convencionalidad que
poseen ciertos dibujos.
Técnica
Superficies del dibujo: Según Lambert, “la textura y color de las superficies de los
materiales sobre los que se realizan los dibujos influyen en el modo de trabajar del
dibujante, el efecto que este produce y la respuesta de quien lo contempla.” (1999:9)
ANEXOS
Instrumentos y medios: Según Lambert, “estos producen diferentes efectos los cuales se
pueden obtener a partir de las características de los materiales. (1999:10)
Convenciones del Dibujo
Como dice Zunzunegui, a pesar de que “cada artista crea su propia y particular semiótica”
al dibujar (2007:114), existen ciertas convencionalidades de las cuales todos los dibujantes
se rigen bajo ciertas reglas, como por ejemplo:
Trabajar en perspectiva: Como explica el licenciado Velásquez en su libro La imagen como
fenómeno semiótico, el artista crea estímulos sucedáneos ya que a pesar de que dé la
impresión de profundidad y dimensión no importa la distancia a la cual se observe siempre
se verá el mismo ángulo del dibujo. (2012:29)
Según Lambert (1999:32) otro problema es que la mayoría de los dibujos se realizan como
trabajos preliminares. Por esta razón a menudo se necesita transferirlos a otra superficie, ya
sea para que el artista pueda seguir elaborando sus ideas o a fin de obtener un dibujo para
trabajar en otro medio.
La utilidad del dibujo
Lambert expresa que “ningún dibujo se produce teniendo como finalidad solamente su
propia imagen, todos se han realizado con una segunda intención.” (1999:109) La de
comunicar por medio de un conjunto de signos las ideas del artista.
Semiología de la Imagen
El Dibujo
Lambert, Susan. 1999 “El Dibujo Técnica y Utilidad” Madrid: Tursen-Hermann Blume.
Pp 3-125
Resumen:La palabra dibujo deriva de un vocablo latino: designare, que significa designar,
señalar. Técnica: Uno de los apartados se centra en la textura y color de las superficies de
pueden obtener a partir de las características de los materiales. (1999:10)
Convenciones del Dibujo
Como dice Zunzunegui, a pesar de que “cada artista crea su propia y particular semiótica”
al dibujar (2007:114), existen ciertas convencionalidades de las cuales todos los dibujantes
se rigen bajo ciertas reglas, como por ejemplo:
Trabajar en perspectiva: Como explica el licenciado Velásquez en su libro La imagen como
fenómeno semiótico, el artista crea estímulos sucedáneos ya que a pesar de que dé la
impresión de profundidad y dimensión no importa la distancia a la cual se observe siempre
se verá el mismo ángulo del dibujo. (2012:29)
Según Lambert (1999:32) otro problema es que la mayoría de los dibujos se realizan como
trabajos preliminares. Por esta razón a menudo se necesita transferirlos a otra superficie, ya
sea para que el artista pueda seguir elaborando sus ideas o a fin de obtener un dibujo para
trabajar en otro medio.
La utilidad del dibujo
Lambert expresa que “ningún dibujo se produce teniendo como finalidad solamente su
propia imagen, todos se han realizado con una segunda intención.” (1999:109) La de
comunicar por medio de un conjunto de signos las ideas del artista.
Semiología de la Imagen
El Dibujo
Lambert, Susan. 1999 “El Dibujo Técnica y Utilidad” Madrid: Tursen-Hermann Blume.
Pp 3-125
Resumen:La palabra dibujo deriva de un vocablo latino: designare, que significa designar,
señalar. Técnica: Uno de los apartados se centra en la textura y color de las superficies de
los materiales sobre los que se realicen los dibujos. El segundo apartado se centra en los
medios e instrumentos que se emplean para hacer dibujos. Convenciones del dibujo: El
problema más importante que debe resolver un artista es como crear el efecto de la visión
binocular y para tratar este tema se han desarrollado varios métodos de perspectiva. Otro
problema es transferirlo a otra superficie. Utilidad: Ningún dibujo se produce teniendo
como finalidad solamente su propia imagen, todos se han realizado con una segunda
intención.
Semiología de la Imagen
El Dibujo
Lambert, Susan. 1999 “El Dibujo Técnica y Utilidad” Madrid: Tursen-Hermann Blume.
Pp 3-125
Paráfrasis:Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como delineación, figura e
imagen ejecutada en claro y oscuro que toma nombre del material con que se hace. El
dibujo es el lenguaje universal ya que, sin mediar palabras, podemos transmitir ideas que
todos entienden de modo grafico, no tiene limitaciones de de idioma, ni edad o tiempo y es
cotidiano. Hay dibujos que son reconocidos dentro de una cultura. Ningún dibujo se
produce teniendo como finalidad solamente su propia imagen, todos se han realizado con
una segunda intención, la de comunicar algo.
Semiología de la Imagen
El Dibujo
Lambert, Susan. 1999 “El Dibujo Técnica y Utilidad” Madrid: Tursen-Hermann Blume.
Pp 3-125
Comentario:Según la autora del libro el dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar,
como delineación, figura e imagen ejecutada en claro y oscuro que toma nombre del
material con que se hace. Comentario: es indudable que el dibujo además de ser una de las
técnicas más antiguas y la que el ser humano aprende y utiliza para comunicar sin
medios e instrumentos que se emplean para hacer dibujos. Convenciones del dibujo: El
problema más importante que debe resolver un artista es como crear el efecto de la visión
binocular y para tratar este tema se han desarrollado varios métodos de perspectiva. Otro
problema es transferirlo a otra superficie. Utilidad: Ningún dibujo se produce teniendo
como finalidad solamente su propia imagen, todos se han realizado con una segunda
intención.
Semiología de la Imagen
El Dibujo
Lambert, Susan. 1999 “El Dibujo Técnica y Utilidad” Madrid: Tursen-Hermann Blume.
Pp 3-125
Paráfrasis:Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como delineación, figura e
imagen ejecutada en claro y oscuro que toma nombre del material con que se hace. El
dibujo es el lenguaje universal ya que, sin mediar palabras, podemos transmitir ideas que
todos entienden de modo grafico, no tiene limitaciones de de idioma, ni edad o tiempo y es
cotidiano. Hay dibujos que son reconocidos dentro de una cultura. Ningún dibujo se
produce teniendo como finalidad solamente su propia imagen, todos se han realizado con
una segunda intención, la de comunicar algo.
Semiología de la Imagen
El Dibujo
Lambert, Susan. 1999 “El Dibujo Técnica y Utilidad” Madrid: Tursen-Hermann Blume.
Pp 3-125
Comentario:Según la autora del libro el dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar,
como delineación, figura e imagen ejecutada en claro y oscuro que toma nombre del
material con que se hace. Comentario: es indudable que el dibujo además de ser una de las
técnicas más antiguas y la que el ser humano aprende y utiliza para comunicar sin
necesidad de palabras; posee un valor artístico privilegiado ya que tiene una particular
resistencia a la reproducción, ya que implica necesariamente la perdida, siquiera parcial de
algunas de sus cualidades (degradaciones y/o alteraciones cromáticas). Hay dibujos que
son reconocidos dentro de una cultura y fuertemente convencionalizados, en ellas se utiliza
el lenguaje grafico como un modo directo y eficiente de transmitir un mensaje.El artista
cuando dibuja crea su propia y particular semiótica las cuales a partir de un análisis
podemos determinar las distintas connotaciones que el artista quiso transmitir.
Semiología de la Imagen
El Dibujo
Lambert, Susan. 1999 “El Dibujo Técnica y Utilidad” Madrid: Tursen-Hermann Blume.
Pp 3-125
Cita textual:Según Lambert “la palabra dibujo deriva de un vocablo latino: designare, que
significa designar, señalar.” (1999:3) “Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar,
como delineación, figura e imagen ejecutada en claro y oscuro que toma nombre del
material con que se hace”. (1999:4) “Hay dibujos que son reconocidos dentro de una
cultura” (1999:7)“la perspectiva es el arte de representar sobre una superficie plana el
efecto de solidez, distancia y tamaño relativo.” (1999:32). “ningún dibujo se produce
teniendo como finalidad solamente su propia imagen, todos se han realizado con una
segunda intención.” (1999:109)
Semiología de la Imagen
El Dibujo
Lambert, Susan. 1999 “El Dibujo Técnica y Utilidad” Madrid: Tursen-Hermann Blume.
Pp 3-125
Mixta:Según Lambert “la palabra dibujo deriva de un vocablo latino: designare, que
significa designar, señalar.” (1999:3) - Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar,
como delineación, figura e imagen ejecutada en claro y oscuro que toma nombre del
resistencia a la reproducción, ya que implica necesariamente la perdida, siquiera parcial de
algunas de sus cualidades (degradaciones y/o alteraciones cromáticas). Hay dibujos que
son reconocidos dentro de una cultura y fuertemente convencionalizados, en ellas se utiliza
el lenguaje grafico como un modo directo y eficiente de transmitir un mensaje.El artista
cuando dibuja crea su propia y particular semiótica las cuales a partir de un análisis
podemos determinar las distintas connotaciones que el artista quiso transmitir.
Semiología de la Imagen
El Dibujo
Lambert, Susan. 1999 “El Dibujo Técnica y Utilidad” Madrid: Tursen-Hermann Blume.
Pp 3-125
Cita textual:Según Lambert “la palabra dibujo deriva de un vocablo latino: designare, que
significa designar, señalar.” (1999:3) “Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar,
como delineación, figura e imagen ejecutada en claro y oscuro que toma nombre del
material con que se hace”. (1999:4) “Hay dibujos que son reconocidos dentro de una
cultura” (1999:7)“la perspectiva es el arte de representar sobre una superficie plana el
efecto de solidez, distancia y tamaño relativo.” (1999:32). “ningún dibujo se produce
teniendo como finalidad solamente su propia imagen, todos se han realizado con una
segunda intención.” (1999:109)
Semiología de la Imagen
El Dibujo
Lambert, Susan. 1999 “El Dibujo Técnica y Utilidad” Madrid: Tursen-Hermann Blume.
Pp 3-125
Mixta:Según Lambert “la palabra dibujo deriva de un vocablo latino: designare, que
significa designar, señalar.” (1999:3) - Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar,
como delineación, figura e imagen ejecutada en claro y oscuro que toma nombre del
material con que se hace. El dibujo es el lenguaje universal ya que, sin mediar palabras,
podemos transmitir ideas que todos entienden de modo grafico, no tiene limitaciones de de
idioma, ni edad o tiempo y es cotidiano.“Uno de los apartados se centra en la textura y
color de los superficies de los materiales sobre los que se realicen los dibujos. El segundo
apartado se centra en los medios e instrumentos que se emplean para hacer dibujos.”
(1999:32).- Ya que esto influye en el modo en el que trabaja el dibujante y el efecto que
produce en quien lo contempla. Distintos materiales producen distintos efectos. “Ningún
dibujo se produce teniendo como finalidad solamente su propia imagen, todos se han
realizado con una segunda intención.” (1999:109) – la de comunicar algo.
Esquema con ideas principales y secundarias
podemos transmitir ideas que todos entienden de modo grafico, no tiene limitaciones de de
idioma, ni edad o tiempo y es cotidiano.“Uno de los apartados se centra en la textura y
color de los superficies de los materiales sobre los que se realicen los dibujos. El segundo
apartado se centra en los medios e instrumentos que se emplean para hacer dibujos.”
(1999:32).- Ya que esto influye en el modo en el que trabaja el dibujante y el efecto que
produce en quien lo contempla. Distintos materiales producen distintos efectos. “Ningún
dibujo se produce teniendo como finalidad solamente su propia imagen, todos se han
realizado con una segunda intención.” (1999:109) – la de comunicar algo.
Esquema con ideas principales y secundarias
Reseña
Pintura
La pintura es el arte y técnica de crear imágenes a través de la aplicación de pigmentos de
color sobre una superficie, sea papel, tela, madera, pared. La pintura es una de las
expresiones artísticas humanas más antiguas y una de las seis Bellas Artes. (2012)
Dibujo
Técnica
Superficies
del dibujo
Instrumentos
Convencione
s del dibujo
Perspectiva
Métodos de
transferencia
Utilidad
Pintura
La pintura es el arte y técnica de crear imágenes a través de la aplicación de pigmentos de
color sobre una superficie, sea papel, tela, madera, pared. La pintura es una de las
expresiones artísticas humanas más antiguas y una de las seis Bellas Artes. (2012)
Dibujo
Técnica
Superficies
del dibujo
Instrumentos
Convencione
s del dibujo
Perspectiva
Métodos de
transferencia
Utilidad
Géneros Pictóricos (2012)
Pintura histórica: Pinturas con temas religiosos, mitológicos, históricos, literarios o
alegóricos, era prácticamente una interpretación de la vida y mostraba un mensaje
intelectual o moral.
Retrato: El retrato tiene una ubicación ambigua e intermedia, por un lado, representa a una
persona hecha a semejanza de Dios, pero por otro lado, al fin y al cabo, se trata de glorificar
la vanidad de una persona.
Pintura de género: Es el retrato de los hábitos de las personas privadas en escenas
cotidianas y contemporáneas del pintor, también se suele llamar pintura costumbrista.
Paisaje: Temas de cuadros campestres, cielos cargados de nubes, como los molinos de
viento, ganados y barcas de pesca, imágenes panorámicas de la ciudad.
Naturaleza muerta: Es el género más representativo de la imitación de la naturaleza de
objetos inanimados, en general de la vida cotidiana, como frutas, flores, comida, utensilios
de cocina, de mesa, libros, joyas etc.
Desnudo: Consiste en la representación del cuerpo humano desnudo.
Técnicas Pictóricas (2012)
Óleo: La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado seco, mezclado en
la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal. El óleo puede ser utilizado sobre un muro,
Óleo sobre tabla. Óleo sobre lienzo, Óleo por veladuras. (1981:18)
Pintura Mural: Un mural es una imagen que usa de soporte un muro o pared. La piedra o
el ladrillo es el material del que está hecho este soporte.
Cera: El vehículo son ceras que normalmente se usan calientes, es densa y cremosa.
Pintura histórica: Pinturas con temas religiosos, mitológicos, históricos, literarios o
alegóricos, era prácticamente una interpretación de la vida y mostraba un mensaje
intelectual o moral.
Retrato: El retrato tiene una ubicación ambigua e intermedia, por un lado, representa a una
persona hecha a semejanza de Dios, pero por otro lado, al fin y al cabo, se trata de glorificar
la vanidad de una persona.
Pintura de género: Es el retrato de los hábitos de las personas privadas en escenas
cotidianas y contemporáneas del pintor, también se suele llamar pintura costumbrista.
Paisaje: Temas de cuadros campestres, cielos cargados de nubes, como los molinos de
viento, ganados y barcas de pesca, imágenes panorámicas de la ciudad.
Naturaleza muerta: Es el género más representativo de la imitación de la naturaleza de
objetos inanimados, en general de la vida cotidiana, como frutas, flores, comida, utensilios
de cocina, de mesa, libros, joyas etc.
Desnudo: Consiste en la representación del cuerpo humano desnudo.
Técnicas Pictóricas (2012)
Óleo: La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado seco, mezclado en
la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal. El óleo puede ser utilizado sobre un muro,
Óleo sobre tabla. Óleo sobre lienzo, Óleo por veladuras. (1981:18)
Pintura Mural: Un mural es una imagen que usa de soporte un muro o pared. La piedra o
el ladrillo es el material del que está hecho este soporte.
Cera: El vehículo son ceras que normalmente se usan calientes, es densa y cremosa.
Acuarela: La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua.
(1981: 343)
Témpera: La témpera o gouache es un medio similar a la acuarela, pero tiene una porción
de talco industrial o blanco de zinc.
Acrílico: La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los
pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica,
generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma.
Pastel: Utilización de unas barras de colores cuyos pigmentos en polvo están mezclados
con la suficiente goma o resina para que queden aglutinados y formen una pasta seca y
compacta.
Temple: Creado con una mezcla de agua, clara y yema de huevo y aceite. (1981: 4)
Tinta: La presentación de la tinta, también llamada tinta china, es generalmente líquida
aunque también puede ser una barra muy sólida que se debe moler y diluir para su uso.
Estarcido: El estarcido, también llamado esténcil es una técnica artística de decoración en
que una plantilla con un dibujo recortado es usada para aplicar pintura, lanzándola a través
de dicho recorte, obteniéndose un dibujo con esa forma.
Grabado a media tinta: Es un tipo de estampación realizado por el método del grabado en
hueco que logra reproducir matices y claroscuros
Fresco: La técnica del fresco se basa en un cambio químico. Los pigmentos de tierra
molidos y mezclados con agua pura, se aplican sobre una argamasa reciente de cal y arena,
mientras la cal está aún en forma de hidróxido de calcio. (1981:5)
Grisalla: Es una técnica pictórica basada en una pintura monocroma en claroscuro, el color
está hecho de una mezcla de óxidos de hierro y de cobre y de un fundente, que produce la
sensación de ser un relieve escultórico.
(1981: 343)
Témpera: La témpera o gouache es un medio similar a la acuarela, pero tiene una porción
de talco industrial o blanco de zinc.
Acrílico: La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los
pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica,
generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma.
Pastel: Utilización de unas barras de colores cuyos pigmentos en polvo están mezclados
con la suficiente goma o resina para que queden aglutinados y formen una pasta seca y
compacta.
Temple: Creado con una mezcla de agua, clara y yema de huevo y aceite. (1981: 4)
Tinta: La presentación de la tinta, también llamada tinta china, es generalmente líquida
aunque también puede ser una barra muy sólida que se debe moler y diluir para su uso.
Estarcido: El estarcido, también llamado esténcil es una técnica artística de decoración en
que una plantilla con un dibujo recortado es usada para aplicar pintura, lanzándola a través
de dicho recorte, obteniéndose un dibujo con esa forma.
Grabado a media tinta: Es un tipo de estampación realizado por el método del grabado en
hueco que logra reproducir matices y claroscuros
Fresco: La técnica del fresco se basa en un cambio químico. Los pigmentos de tierra
molidos y mezclados con agua pura, se aplican sobre una argamasa reciente de cal y arena,
mientras la cal está aún en forma de hidróxido de calcio. (1981:5)
Grisalla: Es una técnica pictórica basada en una pintura monocroma en claroscuro, el color
está hecho de una mezcla de óxidos de hierro y de cobre y de un fundente, que produce la
sensación de ser un relieve escultórico.
Aerografía: Una técnica de aplicación por aspersión o difuminación aérea de pintura sobre
una superficie u objeto y es similar a la aplicación por spray en la confección de los grafiti,
pero en este caso, utiliza una herramienta denominada aerógrafo para su aplicación.
Puntillismo: El puntillismo consiste en colocar puntos pequeños esféricos de colores
puros.
Dripping: El dripping es una pintura automática, hecha con gotas y salpicaduras de
pintura.
Lienzo: Los más usados son los provenientes de fibras vegetales como el cáñamo, el lino,
el yute con tramado fino o el algodón, todos se presentan con grano fino o grueso según el
resultado que quiera el artista de su trabajo,
Cobre: No es un soporte muy común, pero fue usado principalmente en láminas muy
delgadas. El tamaño normalmente pequeño de estas planchas hace pensar que los artistas
que las emplearon, las habían reciclado de antiguos grabados.
Vidrio: Realizado en objetos (jarras, vasos) con esmalte que una vez decorados en frío,
debe ser sometido, para su fijación al soporte, al calor del horno con una temperatura
inferior a la fusión del vidrio.
Flammagrafía: Consiste en pintar los cuadros a través de una llama de fuego.
Pintura. (2012, 15 de agosto). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de consulta: 03:59,
agosto 15, 2012 desde http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Pintura&oldid=59403658.
Resumen: La pintura data desde la prehistoria hasta la actualidad e incluye todas las
representaciones realizadas con diferentes técnicas, cambios y géneros pictóricos, que
coinciden con la historia desde su contexto histórico y cultural. La pintura es una
representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes
orgánicas o sintéticas. Dentro de la pintura podemos encontrar los siguientes Géneros
Pictóricos: Pintura histórica, retrato, pintura de género, paisaje, desnudos y naturaleza
muerta. También podemos encontrar las diferentes técnicas, por medio de las cuales
llegamos a los géneros antes ya mencionados, las cuales son: Óleo, pintura mural, cera,
una superficie u objeto y es similar a la aplicación por spray en la confección de los grafiti,
pero en este caso, utiliza una herramienta denominada aerógrafo para su aplicación.
Puntillismo: El puntillismo consiste en colocar puntos pequeños esféricos de colores
puros.
Dripping: El dripping es una pintura automática, hecha con gotas y salpicaduras de
pintura.
Lienzo: Los más usados son los provenientes de fibras vegetales como el cáñamo, el lino,
el yute con tramado fino o el algodón, todos se presentan con grano fino o grueso según el
resultado que quiera el artista de su trabajo,
Cobre: No es un soporte muy común, pero fue usado principalmente en láminas muy
delgadas. El tamaño normalmente pequeño de estas planchas hace pensar que los artistas
que las emplearon, las habían reciclado de antiguos grabados.
Vidrio: Realizado en objetos (jarras, vasos) con esmalte que una vez decorados en frío,
debe ser sometido, para su fijación al soporte, al calor del horno con una temperatura
inferior a la fusión del vidrio.
Flammagrafía: Consiste en pintar los cuadros a través de una llama de fuego.
Pintura. (2012, 15 de agosto). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de consulta: 03:59,
agosto 15, 2012 desde http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Pintura&oldid=59403658.
Resumen: La pintura data desde la prehistoria hasta la actualidad e incluye todas las
representaciones realizadas con diferentes técnicas, cambios y géneros pictóricos, que
coinciden con la historia desde su contexto histórico y cultural. La pintura es una
representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes
orgánicas o sintéticas. Dentro de la pintura podemos encontrar los siguientes Géneros
Pictóricos: Pintura histórica, retrato, pintura de género, paisaje, desnudos y naturaleza
muerta. También podemos encontrar las diferentes técnicas, por medio de las cuales
llegamos a los géneros antes ya mencionados, las cuales son: Óleo, pintura mural, cera,
Pintura. (2012, 15 de agosto). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de consulta: 03:59,
agosto 15, 2012 desde http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Pintura&oldid=59403658.
Comentario: El autor aporta que la pintura es el arte de la representación gráfica
utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas.
En este arte se emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de
composición pictórica. (…) La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una
superficie una técnica determinada, para obtener
una composición de formas, colores, texturas, dibujo, etc. dando lugar a una obra de
arte(…).La pintura es una de las expresiones artísticas humanas más antiguas y una de las
seis Bellas Artes. El autor pretende con esto darnos una nueva perspectiva al arte, no solo
verlo y decir “que bonito” sino apreciar la pintura, disfrutarla., El autor trata de esta
manera el tema debido a que si no la gente no se interesaría en saber, difundir y apreciar
este bello arte, para esto nos da los diferentes géneros y técnicas pictóricas que muchas
veces no es bien identificado entre las personas y ni siquiera se sabe el cómo o la forma en
que esta pintura fue elaborada y debido a esto no la apreciamos a profundidad, como
deberíamos.
Mayer, Ralph. (1981). Materiales y Técnicas del arte. [Libro en línea]. Consultado el día 15
de Agosto de 2012 de la World wide web: http://books.google.com.gt/books?id=xkQqs7-
b03wC&pg=PR12&lpg=PR12&dq=arte+y+sus+tipos+y+tecnicas&source=bl&ots=AoY8K2
M65J&sig=O_jqZTuzA83CD5NLYw-
H7NpQlCE&hl=es&sa=X&ei=JfcRUJPFBqaU7AHKnIH4AQ&ved=0CDYQ6AEwAQ#v=
onepage&q&f=false
Paráfrasis: De acuerdo con Mayer (1981), el estudio de los materiales artísticos y su
aplicación a las diversas técnicas pictóricas abarca un número de materias interrelacionadas.
En cuanto a la pintura, se realiza mezclando pigmentos con un líquido que sirve de vehículo
para el color, influye en gran parte la base sobre la cual se aplicara y la naturaleza de la
superficie. (1981: 2)
agosto 15, 2012 desde http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Pintura&oldid=59403658.
Comentario: El autor aporta que la pintura es el arte de la representación gráfica
utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas.
En este arte se emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de
composición pictórica. (…) La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una
superficie una técnica determinada, para obtener
una composición de formas, colores, texturas, dibujo, etc. dando lugar a una obra de
arte(…).La pintura es una de las expresiones artísticas humanas más antiguas y una de las
seis Bellas Artes. El autor pretende con esto darnos una nueva perspectiva al arte, no solo
verlo y decir “que bonito” sino apreciar la pintura, disfrutarla., El autor trata de esta
manera el tema debido a que si no la gente no se interesaría en saber, difundir y apreciar
este bello arte, para esto nos da los diferentes géneros y técnicas pictóricas que muchas
veces no es bien identificado entre las personas y ni siquiera se sabe el cómo o la forma en
que esta pintura fue elaborada y debido a esto no la apreciamos a profundidad, como
deberíamos.
Mayer, Ralph. (1981). Materiales y Técnicas del arte. [Libro en línea]. Consultado el día 15
de Agosto de 2012 de la World wide web: http://books.google.com.gt/books?id=xkQqs7-
b03wC&pg=PR12&lpg=PR12&dq=arte+y+sus+tipos+y+tecnicas&source=bl&ots=AoY8K2
M65J&sig=O_jqZTuzA83CD5NLYw-
H7NpQlCE&hl=es&sa=X&ei=JfcRUJPFBqaU7AHKnIH4AQ&ved=0CDYQ6AEwAQ#v=
onepage&q&f=false
Paráfrasis: De acuerdo con Mayer (1981), el estudio de los materiales artísticos y su
aplicación a las diversas técnicas pictóricas abarca un número de materias interrelacionadas.
En cuanto a la pintura, se realiza mezclando pigmentos con un líquido que sirve de vehículo
para el color, influye en gran parte la base sobre la cual se aplicara y la naturaleza de la
superficie. (1981: 2)
Pintura. (2012, 15 de agosto). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de consulta: 03:59,
agosto 15, 2012 desde http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Pintura&oldid=59403658.
Cita textual: La historia de la pintura consta desde la prehistoria hasta la Edad
Contemporánea, e incluye todas las representaciones realizadas con las diferentes técnicas
y cambios, que coincide con la historia del arte en su contexto histórico y cultural. “Los
géneros artísticos, además de clasificar las obras por temas, han sido la presentación
artística a través de la historia de la pintura, que ha afectado también la técnica, las
dimensiones, al estilo y a la expresión de las obras de arte. Los autores
como Platón ,Aristóteles y Horacio afirmaron que el arte es siempre una mímesis (…).”
(1984: 1074).
Pintura. (2012, 15 de agosto). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de
consulta: 03:59, agosto 15, 2012
desde http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Pintura&oldid=59403658.
Mayer, Ralph. (1981). Materiales y Técnicas del arte. [Libro en línea].
Consultado el día 15 de Agosto de 2012 de la World wide web:
http://books.google.com.gt/books?id=xkQqs7-
b03wC&pg=PR12&lpg=PR12&dq=arte+y+sus+tipos+y+tecnicas&source=bl&ot
s=AoY8K2M65J&sig=O_jqZTuzA83CD5NLYw -
H7NpQlCE&hl=es&sa=X&ei=JfcRUJPFBqaU7AHKnIH4AQ&ved=0CDYQ6A
agosto 15, 2012 desde http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Pintura&oldid=59403658.
Cita textual: La historia de la pintura consta desde la prehistoria hasta la Edad
Contemporánea, e incluye todas las representaciones realizadas con las diferentes técnicas
y cambios, que coincide con la historia del arte en su contexto histórico y cultural. “Los
géneros artísticos, además de clasificar las obras por temas, han sido la presentación
artística a través de la historia de la pintura, que ha afectado también la técnica, las
dimensiones, al estilo y a la expresión de las obras de arte. Los autores
como Platón ,Aristóteles y Horacio afirmaron que el arte es siempre una mímesis (…).”
(1984: 1074).
Pintura. (2012, 15 de agosto). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de
consulta: 03:59, agosto 15, 2012
desde http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Pintura&oldid=59403658.
Mayer, Ralph. (1981). Materiales y Técnicas del arte. [Libro en línea].
Consultado el día 15 de Agosto de 2012 de la World wide web:
http://books.google.com.gt/books?id=xkQqs7-
b03wC&pg=PR12&lpg=PR12&dq=arte+y+sus+tipos+y+tecnicas&source=bl&ot
s=AoY8K2M65J&sig=O_jqZTuzA83CD5NLYw -
H7NpQlCE&hl=es&sa=X&ei=JfcRUJPFBqaU7AHKnIH4AQ&ved=0CDYQ6A
Pintura. (2012, 15 de agosto). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de consulta: 03:59,
agosto 15, 2012 desde http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Pintura&oldid=59403658
Representación gráfica utilizando
pigmentos mezclados con otras
sustancias aglutinantes orgánicas o
sintéticas. La historia de esta consta
desde la prehistoria hasta la
actualidad e incluye todas las
representaciones realizadas con las
diferentes técnicas y cambios, que
coinciden con la historia del arte en
su contexto histórico y cultural.
Géneros Pictóricos:Los géneros artísticos,
además de clasificar las obras por temas,
han sido la presentación artística a través de
la historia de la pintura, que ha afectado
también la técnica, las dimensiones, al
estilo y a la expresión de las obras de arte.
El arte es siempre una mímesis y que su
mérito está en el valor didáctico de lo que
representa y su buena representación.
Pintura histórica.
agosto 15, 2012 desde http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Pintura&oldid=59403658
Representación gráfica utilizando
pigmentos mezclados con otras
sustancias aglutinantes orgánicas o
sintéticas. La historia de esta consta
desde la prehistoria hasta la
actualidad e incluye todas las
representaciones realizadas con las
diferentes técnicas y cambios, que
coinciden con la historia del arte en
su contexto histórico y cultural.
Géneros Pictóricos:Los géneros artísticos,
además de clasificar las obras por temas,
han sido la presentación artística a través de
la historia de la pintura, que ha afectado
también la técnica, las dimensiones, al
estilo y a la expresión de las obras de arte.
El arte es siempre una mímesis y que su
mérito está en el valor didáctico de lo que
representa y su buena representación.
Pintura histórica.
Mayer, Ralph. (1981). Materiales y Técnicas del arte. [Libro en línea]. Consultado el día 15
de Agosto de 2012 de la World wide web: http://books.google.com.gt/books?id=xkQqs7-
b03wC&pg=PR12&lpg=PR12&dq=arte+y+sus+tipos+y+tecnicas&source=bl&ots=AoY8K
2M65J&sig=O_jqZTuzA83CD5NLYw-
H7NpQlCE&hl=es&sa=X&ei=JfcRUJPFBqaU7AHKnIH4AQ&ved=0CDYQ6AEwAQ#v
=onepage&q&f=false
de Agosto de 2012 de la World wide web: http://books.google.com.gt/books?id=xkQqs7-
b03wC&pg=PR12&lpg=PR12&dq=arte+y+sus+tipos+y+tecnicas&source=bl&ots=AoY8K
2M65J&sig=O_jqZTuzA83CD5NLYw-
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=onepage&q&f=false
Reseña
El graffiti
Breve historia
Jorge Méndez nos cuenta que el graffiti tuvo sus inicios en los años 60, en Nueva York bajo
la influencia de la música hip-hop. El pionero del graffiti era de origen Griego que se hacía
PINTURA
Tipos de pintura.
Al temple.
Pintura Fresca.
Pintura al óleo.
Pintura con Yemade
huevo.
Acuarela.
Gouache.
Pintura encáustica.
Pintura mural.
Superficie: La pintura se hace
mezclando pigmentos (colores en
polvo) con un líquido que sirve de
vehículo para el color, como se verá,
hay muchos elementos que
contribuyen al mayor o menor grado
de facilidad con que se puede
manipular o controlar una pintura.
Técnicas
Fórmulas
equilibradas.
Pastel.
El graffiti
Breve historia
Jorge Méndez nos cuenta que el graffiti tuvo sus inicios en los años 60, en Nueva York bajo
la influencia de la música hip-hop. El pionero del graffiti era de origen Griego que se hacía
PINTURA
Tipos de pintura.
Al temple.
Pintura Fresca.
Pintura al óleo.
Pintura con Yemade
huevo.
Acuarela.
Gouache.
Pintura encáustica.
Pintura mural.
Superficie: La pintura se hace
mezclando pigmentos (colores en
polvo) con un líquido que sirve de
vehículo para el color, como se verá,
hay muchos elementos que
contribuyen al mayor o menor grado
de facilidad con que se puede
manipular o controlar una pintura.
Técnicas
Fórmulas
equilibradas.
Pastel.
llamar TAKI 183, pero su nombre real era Dementrius. TAKI183 trabajaba como
mensajero y pintaba su firma en todos los sitios en los que entregaba documentos.
El graffiti comenzó con un estilo de letras contrastadas con color que dieron inicio a los
primeros tags con outline (línea de borde), estas más adelante se perfeccionaron dando
como resultado firmas más gruesas y coloreadas que se denominan “bubble letters (letras
pompa). Posteriormente se crearon los thtos up o vomitadas que se caracterizan por ser
creadas con rapidez. Block letter es el graffiti mas legible.
Uno de los graffitis que se ubican en el umbral superior son los de tipo wild style, el
graffitero fue motivado por la obsesión de popularidad. (Jorge Mendez, Consultado el día
29 de agosto del 2012, http://www.valladolidwebmusical.org/graffiti/historia/01intro.html).
3.2 Se considera que el graffiti cuenta con dos divisiones las cuales son, graffitis
tipográficos y graffitis icónicos.
Los grafitis tipográficos son considerados como tags (firmas), estos únicamente cuentan
letras.
Los tipos de graffiti más destacados son los de tipo wild style, Throw Up, Bubble Letter y
3D. Los de tipo wild style cuentan con subdivisiones que son: Wild style simetric y wild
style tribal. (Randrup Maximo, 2009: 34).
Los graffitis icónicos son todos aquellos que en su contenido se encuentran personajes,
comics, dibujos animados, son todos los que no cuentan con tipografía.
3.2 Alex Camaro Silva (2007) Clasificación del graffiti según su contenido:
Informativos y contra informativos: utilizan códigos verbales en donde explícitamente
informan algo sin ninguna retorica.
Mixtos y de equilibrio: existe armonía entre ala imagen y el texto, además contrasta con el
sitio en donde esta dibujado el graffiti.
mensajero y pintaba su firma en todos los sitios en los que entregaba documentos.
El graffiti comenzó con un estilo de letras contrastadas con color que dieron inicio a los
primeros tags con outline (línea de borde), estas más adelante se perfeccionaron dando
como resultado firmas más gruesas y coloreadas que se denominan “bubble letters (letras
pompa). Posteriormente se crearon los thtos up o vomitadas que se caracterizan por ser
creadas con rapidez. Block letter es el graffiti mas legible.
Uno de los graffitis que se ubican en el umbral superior son los de tipo wild style, el
graffitero fue motivado por la obsesión de popularidad. (Jorge Mendez, Consultado el día
29 de agosto del 2012, http://www.valladolidwebmusical.org/graffiti/historia/01intro.html).
3.2 Se considera que el graffiti cuenta con dos divisiones las cuales son, graffitis
tipográficos y graffitis icónicos.
Los grafitis tipográficos son considerados como tags (firmas), estos únicamente cuentan
letras.
Los tipos de graffiti más destacados son los de tipo wild style, Throw Up, Bubble Letter y
3D. Los de tipo wild style cuentan con subdivisiones que son: Wild style simetric y wild
style tribal. (Randrup Maximo, 2009: 34).
Los graffitis icónicos son todos aquellos que en su contenido se encuentran personajes,
comics, dibujos animados, son todos los que no cuentan con tipografía.
3.2 Alex Camaro Silva (2007) Clasificación del graffiti según su contenido:
Informativos y contra informativos: utilizan códigos verbales en donde explícitamente
informan algo sin ninguna retorica.
Mixtos y de equilibrio: existe armonía entre ala imagen y el texto, además contrasta con el
sitio en donde esta dibujado el graffiti.
Mirada irónica: son creados con un efecto estético que nos haga sentir una emoción a partir
de un estimulo visual.
3.3 Graffiti abstracto
Jorge Méndez señala que es el punto en el que el graffiti pierde su identidad, está ubicado
en el grado más extremo. Este se crea con aerosol pero lo único que lo identifica como
graffiti es haber sido creado por un graffitero. En ocasiones únicamente se pierde la forma
de las letras, por lo que sería un icono de colores, rellenos y degradados.
3.3 Rasgos comunes en el graffiti
La forma propia de la pieza (por decirlo de alguna manera su alma o para materializarlo
más, su esqueleto).
El relleno (visible o no), es decir un borde de unas letras en color en una pared blanca
tendría como relleno de la letra el propio blanco.
El borde, que es lo que define la forma de la letra. A veces visible (en un wild style) o a
veces invisible (en un estilo 3d).
El fondo, que a veces será la propia pared (diremos que no tiene fondo) y otras tendrá uno
o varios colores.
La nube, que es un plano de color detrás de las letras pero que no rodea toda la superficie
alrededor (pueden ser formas circulares, cuadrados, estrellas y un sinfín de formas).
Power Line, una línea exterior al contorno que, generalmente sirve para separar la pieza
del fondo.
Brillo, líneas que dentro del relleno de la letra van pegadas o semipegadas al borde
exterior de la misma.
Destello, que puede formar parte o no de los brillos e intenta emular un destello de luz.
3D, que puede ser de muchas clases: a un color o a varios, con colores planos o
degradados, con puntos, opacos, del mismo color que el borde, pueden ser también a modo
de sombra paralela, llegar hasta el suelo, etc.
Remates, como los serif en las tipografías románicas, son pequeños adornos que no
definen la forma de la letra pero si la estilizan, la compensan o la hacen más estable.
de un estimulo visual.
3.3 Graffiti abstracto
Jorge Méndez señala que es el punto en el que el graffiti pierde su identidad, está ubicado
en el grado más extremo. Este se crea con aerosol pero lo único que lo identifica como
graffiti es haber sido creado por un graffitero. En ocasiones únicamente se pierde la forma
de las letras, por lo que sería un icono de colores, rellenos y degradados.
3.3 Rasgos comunes en el graffiti
La forma propia de la pieza (por decirlo de alguna manera su alma o para materializarlo
más, su esqueleto).
El relleno (visible o no), es decir un borde de unas letras en color en una pared blanca
tendría como relleno de la letra el propio blanco.
El borde, que es lo que define la forma de la letra. A veces visible (en un wild style) o a
veces invisible (en un estilo 3d).
El fondo, que a veces será la propia pared (diremos que no tiene fondo) y otras tendrá uno
o varios colores.
La nube, que es un plano de color detrás de las letras pero que no rodea toda la superficie
alrededor (pueden ser formas circulares, cuadrados, estrellas y un sinfín de formas).
Power Line, una línea exterior al contorno que, generalmente sirve para separar la pieza
del fondo.
Brillo, líneas que dentro del relleno de la letra van pegadas o semipegadas al borde
exterior de la misma.
Destello, que puede formar parte o no de los brillos e intenta emular un destello de luz.
3D, que puede ser de muchas clases: a un color o a varios, con colores planos o
degradados, con puntos, opacos, del mismo color que el borde, pueden ser también a modo
de sombra paralela, llegar hasta el suelo, etc.
Remates, como los serif en las tipografías románicas, son pequeños adornos que no
definen la forma de la letra pero si la estilizan, la compensan o la hacen más estable.
Conexiones, son formas que unen unas partes de la letra con otras pero no forman parte de
las letras (a veces si). Su finalidad es entrelazar las letras.
Flechas, que las puede haber de muchos tipos. A veces forman parte de la propia letra y
otras solo como elementos aislados o a modo de adorno, a veces salen de las conexiones y
otras de los remates. Otras veces forman parte del fondo, etc.
Firma del autor, ya que a veces lo que pone en la pieza no es el nombre del autor, sino
una frase o palabra, por lo que éste coloca su firma para dar a conocer su autoría.
Inscripciones que complementan la pieza, como grupos a los que pertenece, dedicatorias,
año, etc. Pueden ir a modo de tag o bien formar un subconjunto de letras más modesto que
el principal.
3.5 Utensilios
Aerosol
Spray
Boquillas
Rotuladores
Brochas
Tizas
Rodillo
3.6 Graffiti y publicidad
Crispin Starwell, en su sitio web (http://www.todoelcolor.cl/2011/06/street-art-
graffiti/graffiti-vandalismo-y-publicidad/) señala que el graffiti y la publicidad tienen
muchas cosas en común. Ambos transmiten sus mensajes ocupando el espacio público, de
hecho ambos son omnipresentes e inevitables. En el mejor caso ambos alcanzan la
excelencia, ambos son arte, aunque a menudo no sean nada más que un ruido irritante y
pueril.
Pero también existen diferencias importantes. La publicidad está diseñada para manipular
gente, en tanto el graffiti es una forma de pura auto-expresión. La publicidad es fomentada
por las autoridades. El graffiti es ilegal. Y he aquí la diferencia que hace que todas las
las letras (a veces si). Su finalidad es entrelazar las letras.
Flechas, que las puede haber de muchos tipos. A veces forman parte de la propia letra y
otras solo como elementos aislados o a modo de adorno, a veces salen de las conexiones y
otras de los remates. Otras veces forman parte del fondo, etc.
Firma del autor, ya que a veces lo que pone en la pieza no es el nombre del autor, sino
una frase o palabra, por lo que éste coloca su firma para dar a conocer su autoría.
Inscripciones que complementan la pieza, como grupos a los que pertenece, dedicatorias,
año, etc. Pueden ir a modo de tag o bien formar un subconjunto de letras más modesto que
el principal.
3.5 Utensilios
Aerosol
Spray
Boquillas
Rotuladores
Brochas
Tizas
Rodillo
3.6 Graffiti y publicidad
Crispin Starwell, en su sitio web (http://www.todoelcolor.cl/2011/06/street-art-
graffiti/graffiti-vandalismo-y-publicidad/) señala que el graffiti y la publicidad tienen
muchas cosas en común. Ambos transmiten sus mensajes ocupando el espacio público, de
hecho ambos son omnipresentes e inevitables. En el mejor caso ambos alcanzan la
excelencia, ambos son arte, aunque a menudo no sean nada más que un ruido irritante y
pueril.
Pero también existen diferencias importantes. La publicidad está diseñada para manipular
gente, en tanto el graffiti es una forma de pura auto-expresión. La publicidad es fomentada
por las autoridades. El graffiti es ilegal. Y he aquí la diferencia que hace que todas las
demás cobren pleno sentido: dinero. (Crispin Starwell. 2003
http://www.todoelcolor.cl/2011/06/street-art-graffiti/graffiti-vandalismo-y-publicidad/
Del libro de Crispin Sartwell “Extreme Virtue: Leadership and Truth in Five Great
American Lives”. Albany: State University of New York Press, 2003.
Jenny Marcela Bautista H. (2008, 13 de mayo). Consultado el día 29 de agosto del 2012 de
la world wide web: http://www.slideshare.net/periodista/graffiti-402892
Ficha de paráfrasis:
Según Jenny Bautista, el graffiti tiene como característica el anonimato, esto se debe a que
los graffiteros buscan su identidad individual, y con esto obtener el reconocimiento al
poder expresarse sin mostrar el rostro ni el nombre.
Con el graffiti se eliminan los procesos tradicionales de comunicación y sus receptores.
La cultura “underground” propone medios alternativos de comunicación/ información
para dar a conocer lo que el gobierno manipula y oculta. (Jenny Bautista, 2008)
Ficha de cita textual:
“Los graffiti eran utilizados para diversos fines: ideas políticas, expresión de ideologías.
Pero lo que hoy en día llamamos graffiti nació como una marca personal para poder decir
“yo estuve aquí”. Evolucionaron y con la aparición de nuevos materiales como los
aerosoles, se empezaron a hacer formas y dibujos más complejos e imponentes, con
colores y diferentes estilos.” (Knop, 2009, p. 55).
Knop, Fabiola (2009), Creación y producción en diseño y comunicación (libro en línea). Consultado
el día 25 de agosto de 2012 en world wide web:
http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/archivos/139_libro.pdf
Randrup, Maximo (2009). El graffiti tiene la palabra.Tesis de licenciatura en comunicación social
inédita. Universidad nacional de la plata. Argentina, Buenos Aires.
Ficha mixta:
Nicholas Ganz nos dice que “el graffiti -término que proviene del italiano sgraffio,arañazo‟- ha
existido desde el principio de la historia del hombre”. *
Desde la antigüedad existió gente que creyó necesario transmitir símbolos o mensajes através del
espacio público, haciéndolo de modo ilegal, clandestino o no oficial, señala Emilio
Petersen.(Petersen, Emilio. El graffiti en Buenos Aires)
Los graffitis de frases están creados para comunicar a través de la escritura, quienes los crean no
tienen la intención de ser reconocidos, su intención es transmitir una idea, marcar un territorio y
dejar su huella. (Randrum Maximo, 2009, p. 34).
*Ganz, Nicholas. Graffiti. Arte urbano de los cinco continentes. Barcelona, Editorial Gustavo Gili, 2004.
Ficha de resumen:
El graffiti tuvo sus inicios en los años 60, en nueva york con un joven de origen griego que se hacía
llamar TAKI183 pero su nombre real era Demetrius.
Entre los graffitis tipográficos se pueden encontrar los de estilo wildstyle, los cuales son que
requieren de mayor convención para poder ser entendidos.
Jorge Luis Méndez (2002). Consultado el día 29 de agosto del 2012 de la world wide web:
http://www.valladolidwebmusical.org/graffiti/historia/01intro.html
http://www.todoelcolor.cl/2011/06/street-art-graffiti/graffiti-vandalismo-y-publicidad/
Del libro de Crispin Sartwell “Extreme Virtue: Leadership and Truth in Five Great
American Lives”. Albany: State University of New York Press, 2003.
Jenny Marcela Bautista H. (2008, 13 de mayo). Consultado el día 29 de agosto del 2012 de
la world wide web: http://www.slideshare.net/periodista/graffiti-402892
Ficha de paráfrasis:
Según Jenny Bautista, el graffiti tiene como característica el anonimato, esto se debe a que
los graffiteros buscan su identidad individual, y con esto obtener el reconocimiento al
poder expresarse sin mostrar el rostro ni el nombre.
Con el graffiti se eliminan los procesos tradicionales de comunicación y sus receptores.
La cultura “underground” propone medios alternativos de comunicación/ información
para dar a conocer lo que el gobierno manipula y oculta. (Jenny Bautista, 2008)
Ficha de cita textual:
“Los graffiti eran utilizados para diversos fines: ideas políticas, expresión de ideologías.
Pero lo que hoy en día llamamos graffiti nació como una marca personal para poder decir
“yo estuve aquí”. Evolucionaron y con la aparición de nuevos materiales como los
aerosoles, se empezaron a hacer formas y dibujos más complejos e imponentes, con
colores y diferentes estilos.” (Knop, 2009, p. 55).
Knop, Fabiola (2009), Creación y producción en diseño y comunicación (libro en línea). Consultado
el día 25 de agosto de 2012 en world wide web:
http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/archivos/139_libro.pdf
Randrup, Maximo (2009). El graffiti tiene la palabra.Tesis de licenciatura en comunicación social
inédita. Universidad nacional de la plata. Argentina, Buenos Aires.
Ficha mixta:
Nicholas Ganz nos dice que “el graffiti -término que proviene del italiano sgraffio,arañazo‟- ha
existido desde el principio de la historia del hombre”. *
Desde la antigüedad existió gente que creyó necesario transmitir símbolos o mensajes através del
espacio público, haciéndolo de modo ilegal, clandestino o no oficial, señala Emilio
Petersen.(Petersen, Emilio. El graffiti en Buenos Aires)
Los graffitis de frases están creados para comunicar a través de la escritura, quienes los crean no
tienen la intención de ser reconocidos, su intención es transmitir una idea, marcar un territorio y
dejar su huella. (Randrum Maximo, 2009, p. 34).
*Ganz, Nicholas. Graffiti. Arte urbano de los cinco continentes. Barcelona, Editorial Gustavo Gili, 2004.
Ficha de resumen:
El graffiti tuvo sus inicios en los años 60, en nueva york con un joven de origen griego que se hacía
llamar TAKI183 pero su nombre real era Demetrius.
Entre los graffitis tipográficos se pueden encontrar los de estilo wildstyle, los cuales son que
requieren de mayor convención para poder ser entendidos.
Jorge Luis Méndez (2002). Consultado el día 29 de agosto del 2012 de la world wide web:
http://www.valladolidwebmusical.org/graffiti/historia/01intro.html
El graffiti
Camaro Silva, Alex Didier (2007), El graffiti: una manifestación urbana que se legitima. Tesis de
máster en diseño. Universidad de Palermo. Buenos Aires, Argentina.
Ficha de comentario:
Actualmente, el graffiti debe ser observado como denuncias hacia el gobierno, presenta la
problemática de la sociedad. Por esta razón no debe tomarse el arte callejero como algo ilegal, se
requiere de una segunda mirada para poder descifrar estos textos icónicos y así entender que el
graffiti es una forma de expresión y protesta, es también arte ya que tiene un nivel de estética muy
alto.
Camaro Silva, Alex Didier (2007), El graffiti: una manifestación urbana que se legitima. Tesis de
máster en diseño. Universidad de Palermo. Buenos Aires, Argentina.
Ficha de comentario:
Actualmente, el graffiti debe ser observado como denuncias hacia el gobierno, presenta la
problemática de la sociedad. Por esta razón no debe tomarse el arte callejero como algo ilegal, se
requiere de una segunda mirada para poder descifrar estos textos icónicos y así entender que el
graffiti es una forma de expresión y protesta, es también arte ya que tiene un nivel de estética muy
alto.
Breve
histori
a
Divisione
s del
graffiti
Clasificació
n del
graffiti
Graffiti
abstract
o
Rasgos
comune
s
Utensilio
s del
graffiti
Graffiti y
publicida
d
Reseña:
El body art, es el arte de utilizar el cuerpo humano para realizar textos icónicos con tinta,
materiales reciclados, arcilla, pintura, etc. Este tipo de arte inicia en los años 60, gracias a
° Icónico
°
Tipográfico
° Informativo
- contra
informativo
° Mixto y de
equilibrio
° Mirada
irónica
°La forma
° Relleno
° Borde
° Fondo
° La nube
° Power line
° Brillo
° Destello
° 3D
° Remates
° Conexiones
° Flechas
° Firma del
autor
°
Inscripciones
° Spray
° Aerosol
° Boquillas
° Rotuladores
° Brochas
° Tizas
° Rodillo
histori
a
Divisione
s del
graffiti
Clasificació
n del
graffiti
Graffiti
abstract
o
Rasgos
comune
s
Utensilio
s del
graffiti
Graffiti y
publicida
d
Reseña:
El body art, es el arte de utilizar el cuerpo humano para realizar textos icónicos con tinta,
materiales reciclados, arcilla, pintura, etc. Este tipo de arte inicia en los años 60, gracias a
° Icónico
°
Tipográfico
° Informativo
- contra
informativo
° Mixto y de
equilibrio
° Mirada
irónica
°La forma
° Relleno
° Borde
° Fondo
° La nube
° Power line
° Brillo
° Destello
° 3D
° Remates
° Conexiones
° Flechas
° Firma del
autor
°
Inscripciones
° Spray
° Aerosol
° Boquillas
° Rotuladores
° Brochas
° Tizas
° Rodillo
una manera de rebelión social existente. El body art dejó de seguir patrones estéticos en las
obras de arte y se torno minimalista y conceptual.
Dentro del body art cabe mencionar dos ramas importantes, ya que su historia data desde
los inicios del hombre, se trata del body painting y el tatuaje corporal. Amabas son
importantes debido a la huella que han dejado a través de los siglos. Estas se utilizaban para
marcar a las tribus, rituales, símbolos o bien, para marcar a los criminales de distintas
sociedades.
Con el paso del tiempo, el body painting y el tatuaje se tornaron en formas de expresión de
los grupos rebeldes, que necesitaban una forma de comunicar sus ideas de una forma
distinta y fuera de lo común. Hoy en día, estas formas de arte pictórico demuestran
interesantes procesos semiósicos, que demuestran de qué forma las sociedades van
trascendiendo en la creatividad de presentar su idiosincrasia, y de cómo esta se rebela
contra algunos estereotipos impuestos por sociedades antecesoras, como el de “torturar” la
piel con una aguja y tinta o pintar y exhibir un cuerpo desnudo.
Fichas
Mixta:
obras de arte y se torno minimalista y conceptual.
Dentro del body art cabe mencionar dos ramas importantes, ya que su historia data desde
los inicios del hombre, se trata del body painting y el tatuaje corporal. Amabas son
importantes debido a la huella que han dejado a través de los siglos. Estas se utilizaban para
marcar a las tribus, rituales, símbolos o bien, para marcar a los criminales de distintas
sociedades.
Con el paso del tiempo, el body painting y el tatuaje se tornaron en formas de expresión de
los grupos rebeldes, que necesitaban una forma de comunicar sus ideas de una forma
distinta y fuera de lo común. Hoy en día, estas formas de arte pictórico demuestran
interesantes procesos semiósicos, que demuestran de qué forma las sociedades van
trascendiendo en la creatividad de presentar su idiosincrasia, y de cómo esta se rebela
contra algunos estereotipos impuestos por sociedades antecesoras, como el de “torturar” la
piel con una aguja y tinta o pintar y exhibir un cuerpo desnudo.
Fichas
Mixta:
Semiología de la imagen
http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lap/sanchez_m_r/capitulo2.pdf, Esta
página fue visitada el 24 ago 2012, a las 11:34.
Body art
En los años sesenta, surge el arte conceptual. “Inicia el proceso de desmaterialización y
autorreferencialidad de la obra de arte, con el enfrentamiento de la estética formalista del
arte, el minimalismo principalmente”(. Artistas conceptuales usaban aspectos semióticos,
feministas y populares. De aquí se desprende el body art o arte del cuerpo.
En el body art, se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta, se calca, se
ensucia, se cubre, se retuerce; el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Suele
realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o
videográfica posterior.Es en esencia, un arte revolucionario, que permite trascender en la
creatividad de artistas y llevar a crear distintas formas de desarrollar obras de arte
pictóricas como el tatuaje y el body painting.
Resumen:
Semiología de la imagen
http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lap/sanchez_m_r/capitulo2.pdf, Esta
página fue visitada el 24 ago 2012, a las 11:34.
Body art
En los años sesenta, surge el arte conceptual. “Inicia el proceso de desmaterialización y
autorreferencialidad de la obra de arte, con el enfrentamiento de la estética formalista del
arte, el minimalismo principalmente”(. Artistas conceptuales usaban aspectos semióticos,
feministas y populares. De aquí se desprende el body art o arte del cuerpo.
En el body art, se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta, se calca, se
ensucia, se cubre, se retuerce; el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Suele
realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o
videográfica posterior.Es en esencia, un arte revolucionario, que permite trascender en la
creatividad de artistas y llevar a crear distintas formas de desarrollar obras de arte
pictóricas como el tatuaje y el body painting.
Resumen:
Semiología de la imagen
Kastan, Marina Claire, "Wearing Your Dreams: Image and Imagination in the American
Tattoo" (2008). Testis de honor - no. Pag. 160.
http://wesscholar.wesleyan.edu/etd_hon_theses/160, visitada el 28 ago 2012, a las 7:30
Fisher, Jill A., Marking Culture. http://es.wikipedia.org/wiki/Body_art. Esta página fue
visitada el 24 ago 2012, a las 11:34. El texto está disponible bajo la Licencia Creative
Commons Atribución Compartir Igual 3.0
El Tatuaje
El tatuaje es tan antiguo como el propio ser humano. Las distintas culturas que utilizaron el
tatuaje lo hicieron de distintas maneras; tanto como arte, en el sentido de creación de
significados rituales o simbólicos, o para marcar o señalar a los criminales. La
palabra tatuaje posiblemente proviene del samoano “tátau”, que significa marcar o golpear
dos veces, se incorpora al español a través del francés, tatouage. Los marineros que
viajaban por el Pacífico encontraron a los samoanos, y quienes quedaron fascinados por sus
tatuajes equivocadamente tradujeron la palabra “tátau” como tatuaje.
Un tatuaje es una modificación del color de la piel en el que se crea un dibujo, una figura o
un texto con tinta o con algún otro pigmento bajo la epidermis de una persona.
Suele verse como una forma de rebeldía en sociedades occidentales y como una ritualidad
y simbolismo en algunas sociedades orientales.
Semiología de la imagen
Méndez Fajardo, M. Eugenia (2003).El diálogo del cuerpo. Pintura Corporal. Tesis
Tattoo" (2008). Testis de honor - no. Pag. 160.
http://wesscholar.wesleyan.edu/etd_hon_theses/160, visitada el 28 ago 2012, a las 7:30
Fisher, Jill A., Marking Culture. http://es.wikipedia.org/wiki/Body_art. Esta página fue
visitada el 24 ago 2012, a las 11:34. El texto está disponible bajo la Licencia Creative
Commons Atribución Compartir Igual 3.0
El Tatuaje
El tatuaje es tan antiguo como el propio ser humano. Las distintas culturas que utilizaron el
tatuaje lo hicieron de distintas maneras; tanto como arte, en el sentido de creación de
significados rituales o simbólicos, o para marcar o señalar a los criminales. La
palabra tatuaje posiblemente proviene del samoano “tátau”, que significa marcar o golpear
dos veces, se incorpora al español a través del francés, tatouage. Los marineros que
viajaban por el Pacífico encontraron a los samoanos, y quienes quedaron fascinados por sus
tatuajes equivocadamente tradujeron la palabra “tátau” como tatuaje.
Un tatuaje es una modificación del color de la piel en el que se crea un dibujo, una figura o
un texto con tinta o con algún otro pigmento bajo la epidermis de una persona.
Suele verse como una forma de rebeldía en sociedades occidentales y como una ritualidad
y simbolismo en algunas sociedades orientales.
Semiología de la imagen
Méndez Fajardo, M. Eugenia (2003).El diálogo del cuerpo. Pintura Corporal. Tesis
profesional, Universidad de las Américas Puebla, Cholula, Puebla, México.
Body painting
Es una pintura artística aplicada a la piel y se considera una de las primeras formas de
expresión plástica utilizadas por nuestros antepasados. El hombre prehistórico descubrió la
tierra coloreada, el carbón de madera, la tiza, la sangre de los animales y muchos otros
pigmentos que tal vez sirvieron, como pinturas de guerra, para impresionar al enemigo o se
utilizaron como señal reconocimiento en la propia tribu. Esta técnica de maquillaje
primitivo pudo también servir de camuflaje para la caza. Casi todas las sociedades tribales
practicaron la pintura corporal con ayuda de arcilla o carbón. La pintura corporal
reapareció en Occidente a finales del siglo XX. Se trata de un arte transitorio, en el que el
pintor crea un dibujo sobre su modelo, y al que se dedican varios festivales.
Las materias utilizadas para fabricar un color pueden ser de origen vegetal, mineral o
animal; carbones, cenizas, jugos y semillas de frutas, etc. Los pigmentos universalmente
más apreciados son el rojo, el negro, el blanco, y el ocre.
La pintura corporal se practica en la actualidad en las sociedades occidentales con una
finalidad lúdica y decorativa. Parte de su éxito está en que permite una exposición del
cuerpo desnudo que no atenta contra el sentido del pudor que prevalece en dichas
sociedades. En el arte de la pintura corporal hay que tener también en cuenta los tatuajes
efímeros que los artistas realizan con tintes naturales, como la henna, o con sustancias
químicas no siempre inocuas.
Paráfrasis:
Body painting
Es una pintura artística aplicada a la piel y se considera una de las primeras formas de
expresión plástica utilizadas por nuestros antepasados. El hombre prehistórico descubrió la
tierra coloreada, el carbón de madera, la tiza, la sangre de los animales y muchos otros
pigmentos que tal vez sirvieron, como pinturas de guerra, para impresionar al enemigo o se
utilizaron como señal reconocimiento en la propia tribu. Esta técnica de maquillaje
primitivo pudo también servir de camuflaje para la caza. Casi todas las sociedades tribales
practicaron la pintura corporal con ayuda de arcilla o carbón. La pintura corporal
reapareció en Occidente a finales del siglo XX. Se trata de un arte transitorio, en el que el
pintor crea un dibujo sobre su modelo, y al que se dedican varios festivales.
Las materias utilizadas para fabricar un color pueden ser de origen vegetal, mineral o
animal; carbones, cenizas, jugos y semillas de frutas, etc. Los pigmentos universalmente
más apreciados son el rojo, el negro, el blanco, y el ocre.
La pintura corporal se practica en la actualidad en las sociedades occidentales con una
finalidad lúdica y decorativa. Parte de su éxito está en que permite una exposición del
cuerpo desnudo que no atenta contra el sentido del pudor que prevalece en dichas
sociedades. En el arte de la pintura corporal hay que tener también en cuenta los tatuajes
efímeros que los artistas realizan con tintes naturales, como la henna, o con sustancias
químicas no siempre inocuas.
Paráfrasis:
Semiología de la imagen
Body Art
El body art o arte del cuerpo, surge en los años 60, por una corriente minimalista –
conceptual. La cual se sale de todas las reglas estéticas que seguía una obra de arte común,
trascendiendo así con un arte de tipo revolucionario (Fisher, Jill A., Marking Culture).
En el body art, el principal instrumento de trabajo es el cuerpo humano, este es tomado
como el lienzo de trabajo, en el cual el artista plasma, con pintura, tallado, dibujo,
materiales reciclables, etc., una idea o concepto que quiera comunicar, y este proceso de
comunicación se da al momento de que el arte final realiza una actuación, o como es
conocida, performance.
Semiología de la imagen
El Tatuaje
La historia del tatuaje es antigua, esta inicia con el ser humano. Las diferentes culturas
antiguas lo utilizaban como simbolismo o ritualismo, mientras otras lo utilizaban para
marcar a los delincuentes dentro de la sociedad(A. Fisher, Jill, Tattooing The Body,
Marking The Culture).
La etimología de la palabra “tatuaje” se deriva del samoano “tátau”, que significa marcar o
golpear dos veces. Esta toma un giro cuando los franceses comienzan a decir “tatouage” y
luego su fonología se torna en “tatuaje”.
El tatuaje es el arte de insertar tinta bajo la piel, realizando dibujos o letras, trazadas bajo la
dermis, al momento de esta secar, se hace una tinta de forma permanente en la piel.
Este arte es mal visto por muchas sociedades, en especial las occidentales y alienadas, por
los vandalismos que lo adoptan como formas de pertenencia e identificación. Pero también
es una forma de ritual y simbolismo en culturas orientales, que ven al tatuaje como una
forma de respeto e ideologías puras y religiosas (entrevista, 19.8. 2012).
Body Art
El body art o arte del cuerpo, surge en los años 60, por una corriente minimalista –
conceptual. La cual se sale de todas las reglas estéticas que seguía una obra de arte común,
trascendiendo así con un arte de tipo revolucionario (Fisher, Jill A., Marking Culture).
En el body art, el principal instrumento de trabajo es el cuerpo humano, este es tomado
como el lienzo de trabajo, en el cual el artista plasma, con pintura, tallado, dibujo,
materiales reciclables, etc., una idea o concepto que quiera comunicar, y este proceso de
comunicación se da al momento de que el arte final realiza una actuación, o como es
conocida, performance.
Semiología de la imagen
El Tatuaje
La historia del tatuaje es antigua, esta inicia con el ser humano. Las diferentes culturas
antiguas lo utilizaban como simbolismo o ritualismo, mientras otras lo utilizaban para
marcar a los delincuentes dentro de la sociedad(A. Fisher, Jill, Tattooing The Body,
Marking The Culture).
La etimología de la palabra “tatuaje” se deriva del samoano “tátau”, que significa marcar o
golpear dos veces. Esta toma un giro cuando los franceses comienzan a decir “tatouage” y
luego su fonología se torna en “tatuaje”.
El tatuaje es el arte de insertar tinta bajo la piel, realizando dibujos o letras, trazadas bajo la
dermis, al momento de esta secar, se hace una tinta de forma permanente en la piel.
Este arte es mal visto por muchas sociedades, en especial las occidentales y alienadas, por
los vandalismos que lo adoptan como formas de pertenencia e identificación. Pero también
es una forma de ritual y simbolismo en culturas orientales, que ven al tatuaje como una
forma de respeto e ideologías puras y religiosas (entrevista, 19.8. 2012).
Semiología de la imagen
Body Painting
El body painting es un arte antiguo, que utilizaban nuestros ancestros al descubrir la tiza, el
carbón, la sangre de animales y frutos que manchaban la piel. De esa forma podían
distinguir sus grupos (Méndez Fajardo, M. Eugenia (2003)).
El body painting es una forma de arte lúdica y decorativa que es utilizado para la expresión
de ideas, con la ventaja de presentar al cuerpo humano desnudo, despojándose de la mente
morbosa que existe dentro de algunas sociedades, pudiendo así presentar el cuerpo como
un arte.
Dentro de esta rama entran los tatuajes efímeros, realizados con henna, una tinta de larga
duración.
Comentario:
Semiología de la imagen
Body art, tatuaje y body painting
Las tres ramas evocan un arte distinto al de tiempos antaños, ya que han ido
evolucionando, a pesar de ser el tatuaje y el body painting tan antiguas como la historia del
ser humano, forman parte de una revolución de ideologías que se marcan en distintas
épocas.
Se puede apreciar de este arte, la necesidad de comunicación de ideas, de sentimientos, de
pensamientos escondidos, que se comunican a través de una forma compleja, puesto que
un texto artístico es muy propio del autor y, en algunos casos, de la persona que sirve de
lienzo para la realización del texto.
Es muy interesante el saber, que la semiótica puede aportar una gran cantidad de estudios
sobre este tipo de semiosis. Es muy importante tener conocimiento de que la semiología
Body Painting
El body painting es un arte antiguo, que utilizaban nuestros ancestros al descubrir la tiza, el
carbón, la sangre de animales y frutos que manchaban la piel. De esa forma podían
distinguir sus grupos (Méndez Fajardo, M. Eugenia (2003)).
El body painting es una forma de arte lúdica y decorativa que es utilizado para la expresión
de ideas, con la ventaja de presentar al cuerpo humano desnudo, despojándose de la mente
morbosa que existe dentro de algunas sociedades, pudiendo así presentar el cuerpo como
un arte.
Dentro de esta rama entran los tatuajes efímeros, realizados con henna, una tinta de larga
duración.
Comentario:
Semiología de la imagen
Body art, tatuaje y body painting
Las tres ramas evocan un arte distinto al de tiempos antaños, ya que han ido
evolucionando, a pesar de ser el tatuaje y el body painting tan antiguas como la historia del
ser humano, forman parte de una revolución de ideologías que se marcan en distintas
épocas.
Se puede apreciar de este arte, la necesidad de comunicación de ideas, de sentimientos, de
pensamientos escondidos, que se comunican a través de una forma compleja, puesto que
un texto artístico es muy propio del autor y, en algunos casos, de la persona que sirve de
lienzo para la realización del texto.
Es muy interesante el saber, que la semiótica puede aportar una gran cantidad de estudios
sobre este tipo de semiosis. Es muy importante tener conocimiento de que la semiología
de la imagen puede abarcar el arte practicado en el cuerpo de un humano, y, retroalimentar
los aportes que este arte divulga sobre la realidad con semiótica, se tornaría una tarea
completamente exquisita, si es realizada por un amante del arte en el cuerpo.
los aportes que este arte divulga sobre la realidad con semiótica, se tornaría una tarea
completamente exquisita, si es realizada por un amante del arte en el cuerpo.
Bibliografía
o Mayer, Ralph, 1981. Materiales y técnicas del arte (Libro en línea), Madrid, España.
Tursen Hermann Blume ediciones. Quinta edición.
o Pintura. (2012, 15 de agosto). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de consulta:
03:59, agosto 15, 2012
desde http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Pintura&oldid=59403658.
o Historia Universal del Arte. (1984). En wikipedia [Online]. Volumen 8.
o Aerografía. (2012, 18 de agosto). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de
consulta: 07:45, agosto 18, 2012
desde http://es.wikipedia.org/wiki/Aerograf%C3%ADa
o Flammagrafía. (2012, 30 de agosto). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de
consulta: 01:00, agosto 30, 2012
desde http://es.wikipedia.org/wiki/Flammagraf%C3%Ada
o Méndez Fajardo, M. Eugenia (2003).El diálogo del cuerpo. Pintura Corporal. Tesis
profesional, Universidad de las Américas Puebla, Cholula, Puebla, México.
o http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lap/sanchez_m_r/capitulo2.pdf
o Entrevista realizada a la tatuadora Osmara Rodríguez, el día 19 de agosto del 2012.
o Kastan, Marina Claire, "Wearing Your Dreams: Image and Imagination in the
American Tattoo" (2008). Testis de honor - no. Pag. 160.
http://wesscholar.wesleyan.edu/etd_hon_theses/160, visitada el 28 ago 2012, a las
7:30
o Fisher, Jill A., Marking Culture. http://es.wikipedia.org/wiki/Body_art. Esta página
fue visitada el 24 ago 2012, a las 11:34. El texto está disponible bajo la Licencia
Creative Commons Atribución Compartir Igual 3.0
o
o Mayer, Ralph, 1981. Materiales y técnicas del arte (Libro en línea), Madrid, España.
Tursen Hermann Blume ediciones. Quinta edición.
o Pintura. (2012, 15 de agosto). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de consulta:
03:59, agosto 15, 2012
desde http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Pintura&oldid=59403658.
o Historia Universal del Arte. (1984). En wikipedia [Online]. Volumen 8.
o Aerografía. (2012, 18 de agosto). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de
consulta: 07:45, agosto 18, 2012
desde http://es.wikipedia.org/wiki/Aerograf%C3%ADa
o Flammagrafía. (2012, 30 de agosto). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de
consulta: 01:00, agosto 30, 2012
desde http://es.wikipedia.org/wiki/Flammagraf%C3%Ada
o Méndez Fajardo, M. Eugenia (2003).El diálogo del cuerpo. Pintura Corporal. Tesis
profesional, Universidad de las Américas Puebla, Cholula, Puebla, México.
o http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lap/sanchez_m_r/capitulo2.pdf
o Entrevista realizada a la tatuadora Osmara Rodríguez, el día 19 de agosto del 2012.
o Kastan, Marina Claire, "Wearing Your Dreams: Image and Imagination in the
American Tattoo" (2008). Testis de honor - no. Pag. 160.
http://wesscholar.wesleyan.edu/etd_hon_theses/160, visitada el 28 ago 2012, a las
7:30
o Fisher, Jill A., Marking Culture. http://es.wikipedia.org/wiki/Body_art. Esta página
fue visitada el 24 ago 2012, a las 11:34. El texto está disponible bajo la Licencia
Creative Commons Atribución Compartir Igual 3.0
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